国际｜展览征集 #国际艺术征集 #纽约展览 #美国 2026/7/12纽约版画家协会2026年版画家作品展：色彩的魅力链接：https://www.nyfa.org/opportunities/opportunity-info/?title=call-for-art---2026-printmakers-showcase%3A-commanding-color&id=3183155e-42bb-4f2d-8987-eb2a0673486a纽约版画家协会现正征集2026年版画展“色彩的掌控”的作品。今年的展览将全面展现色彩在版画创作中的强大力量。我们期待看到各种各样的作品：从丰富的色彩变化、情绪渲染、饱和度到饱满的墨色，应有尽有，令人眼前一亮；从有限的色调搭配黑白，营造对比鲜明的视觉冲击；到微妙的半透明图层、彩色纸张或材料等等——快来展示你的才华吧！PGNY致力于展现艺术家们运用版画媒介创作的多元化作品。我们欢迎18岁及以上、经验水平不限的艺术家（包括学生）申请参展。展览将在纽约州特洛伊市的首都地区艺术中心举办；由PGNY的志愿者成员（Noah Breuer、Richard Kegler、Amanda Kralovic）担任评委；并由PGNY创始人Rachael Lorimer策展。| 如何申请* 参赛者必须是纽约版画家协会的现任会员。（还不是会员？立即加入！）https://printmakersguildny.com/membership/请注意：会员资格并不保证作品一定会被展览接受。* 本次艺术作品征集活动面向纽约州、康涅狄格州、马萨诸塞州和佛蒙特州的居民开放。* 提交的作品可以是近期创作的，也可以是较早的作品。| 作品尺寸要求* 今年的展览空间有限；艺术品的任何尺寸都不得超过 30 英寸。* 我们鼓励提交中小型作品。* 由于场地限制，今年的展览不接受雕塑作品。不过，作品不必是纸质印刷品，只要能够以二维形式悬挂在墙上，我们也会考虑织物或其他材质的作品。* 作品的选择取决于空间的可用性以及策展人为保持展览整体连贯性而做出的决定。| 打印介质要求提交的作品必须包含可辨识的手工印刷元素。这包括但不限于：凸版印刷、凹版印刷、石版印刷、丝网印刷、镂版印刷/模版印刷、单版印刷/单版画、转印、蓝晒法、活版印刷和速溶印刷。数码印刷作品只有在融入上述任何一种印刷技法的情况下才会被接受。完全数字化的作品、绘画和素描，且不包含任何可辨识的印刷元素的作品将不予接受。框架要求重要提示——本次展览只接受未装裱的作品。| 展览时间表* 展览日期：2026年9月25日（星期五）至11月20日（星期六）* 开幕招待会：9月25日，星期五，下午6:00 – 8:00（纽约州特洛伊市首都地区艺术中心）* 报名截止日期：7月31日，星期五* 艺术家通知：8月24日，星期一* 艺术品邮戳日期：9月8日，星期二* 艺术作品送交时间：9月14日至18日当周* 艺术品领取日期：11月23日和24日，或12月4日和5日* 退货包裹的邮戳日期不得晚于：12月11日，星期五| 入场费本次艺术作品征集活动不收取任何费用，但仅面向PGNY现有会员开放。成为会员非常简单！年度会员费采用“随心支付”的阶梯式收费标准，每年25美元至150美元不等。 了解更多信息并成为会员后，再提交您的作品参加本次展览。（非会员的作品将不予评审。）| 申请流程* 符合条件的艺术家最多可提交三 幅作品供评选。* 图片必须为 JPEG 文件，大小不超过 5 MB。建议分辨率为 300 ppi（每英寸像素），最低为 72 dpi。* 图片文件必须按以下格式命名：名字、姓氏、提交编号、年份。例如：Alice_Smith_Submission 1_2026.jpg欢迎将中文版作品集同步至EveryArt官方邮箱：everyart@163.com获得更多合作机会。 方要飛 3小时前 0 评论 11 喜欢
国际｜展览征集 #国际艺术征集 #纽约展览 #美国 2026/7/11艺术征集OpenCall | 未名之境 •纽约艺术展链接：https://www.aspacegallery.net/beforeweknowwhattocallitopencall有些转变来得清晰、剧烈，几乎立刻可以被辨认。也有一些变化发生得更缓慢、更暧味，在它们真正成形之前，我们甚至还不知道该如何称呼它们。本次展览将以"Paradigm Shift: Before We KnowWhat to Call It• 未名之境"为主题，将关注那些旧有框架开始松动而新的观看方式、感知方式和理解方式刚刚出现的时刻。| 我们正在寻找关注以下方向的视觉艺术作品：技术变化与人工智能生态与环境转型社会现实的变动不确定性与过渡状态感知、身体与空间经验| 本次展览由策展人 Hantian Zhang策划：Hantian Zhang 是一位现居旧金山的写作者与策展人，拥有斯坦福大学文化人类学博士学位，以及旧金山大学艺术硕士学位他的策展实践结合人类学、文学写作与当代艺术批评，长期关注艺术家如何回应技术、生态与社会结构中的变化时刻。他尤其感兴趣的是那些尚未被完全定义的阶段：当我们熟悉的理解世界的方式开始动摇，新的感知方式也正在生成。| 地点：A Space Gallery @A Space Gallery 空格画廊| 时间点展期：2026年8月7日-8月14日申请截止日：2026年7月27日 11:59 PM （EST）| 申请资格：视觉艺术家，媒介不限本次征集有25🔪（180rmb）的申请费，作品若入选展览无其他费用。请前往官网https://www.aspacegallery.net/beforeweknowwhattocallitopencall欢迎将中文版作品集同步至EveryArt官方邮箱：everyart@163.com获得更多合作机会。 方要飛 4小时前 0 评论 13 喜欢
国际｜展览征集 #国际艺术征集 #纽约展览 #美国 2026/7/11阿诺特艺术博物馆第78届区域展览会链接：https://78thregionalexhibition.artcall.org/| 描述位于纽约州埃尔迈拉的阿诺特艺术博物馆现面向艺术家征集作品，参加其第78届区域展览。艺术家可于2026年8月17日前在线提交作品。75年来，该区域展览一直致力于展示来自美国东北部和加拿大东部的艺术家作品，在博物馆环境中呈现丰富多元的艺术表达。本次展览为新兴艺术家提供了一个绝佳的机会，让他们积累经验、拓展展览经历，并与更广泛的观众群体分享作品。艺术家必须年满18周岁，且居住在康涅狄格州、特拉华州、缅因州、马萨诸塞州、新罕布什尔州、新泽西州、纽约州、宾夕法尼亚州、罗德岛州、佛蒙特州或加拿大安大略省。作品创作时间超过五年或曾在阿诺特艺术博物馆展出的作品不符合参展资格。每位艺术家最多可提交两件作品。更多信息及作品提交请访问https://78thregionalexhibition.artcall.org 。第78届地区展览将提供高达1万美元的现金奖励，奖励将分配给评委选出的获奖作品。入选作品将于2026年9月29日至2026年12月19日在博物馆展厅展出。| 如何申请艺术品遴选将从通过https://78thregionalexhibition.artcall.org提交的数字文件中进行。图片必须以 JPG 格式提交。作品必须以 JPG 格式提交，打印尺寸至少为 5 英寸（小边），分辨率为 300 dpi。3D 作品的艺术家应提交每件作品的两个视图，例如正面和背面，或完整视图和一个重要细节图。如果数字图像在质量或形式上与作品不符，作品将被取消参赛资格。文件命名格式为：姓氏首字母_作品标题.jpg。未命名的作品应使用作品描述代替文件名中的标题。图像文件提交示例：SmithJ_Weightless.jpg或RamirezE_UntitledPortrait.jpg。图像必须以 JPG 格式提交，打印尺寸至少为 5 英寸（小边），分辨率为 300 dpi。3D 作品的艺术家应提交每件作品的两个视图，例如正面和背面，或完整视图和一个重要细节图。如果数字图像在质量或形式上与作品不符，作品将被取消参赛资格。文件命名格式应为：姓氏首字母_作品标题.jpg。未命名的作品应使用作品描述代替文件名中的标题。例如，图像文件提交的文件名可以是：SmithJ_Weightless.jpg或RamirezE_UntitledPortrait.jpg。| 资格要求艺术家必须年满18岁，且居住在康涅狄格州、特拉华州、缅因州、马萨诸塞州、新罕布什尔州或新泽西州。 纽约州，宾夕法尼亚州作品必须来自美国罗德岛州、佛蒙特州或加拿大安大略省。创作时间超过五年或曾在阿诺特艺术博物馆展出的作品不符合参赛资格。每位艺术家最多可提交两件作品。| 主题虽然阿诺特艺术博物馆主要关注具象艺术，但博物馆欢迎提交非具象作品参加区域展览。| 媒介所有绘画、素描、媒介、雕塑、版画、摄影、陶艺、纺织品、珠宝、木制品或金属制品以及混合媒介作品均可参赛。作品任何尺寸均不得超过96英寸，重量不得超过150磅。作品必须装裱或做好悬挂/安装的准备。拟提交需要特殊安装方式作品的艺术家，应在报名截止日期前与博物馆工作人员联系。 | 注册及费用不可退还的参赛费为50美元（一件或两件作品），博物馆会员为35美元。您必须使用安全网站ArtCall.org参与。请访问https://78thregionalexhibition.artcall.org完成报名。2026年8月17日之前完成注册、付款和提交流程。| 送货和取货入选展览的作品必须于9月8日至12日上午10点至下午3点之间送达博物馆。通过普通快递公司（联邦快递、UPS、美国邮政等）寄送的作品必须预付运费；您还必须附上预付的回邮标签，以便在展览结束后使用。| 申请费50.00美元| 一般条款及细则阿诺特艺术博物馆保留对所有参展作品进行审核的权利，并拥有对展览布展设计的最终决定权。任何作品参展即表示艺术家同意本招展细则的各项条款。艺术家不得在展览结束前撤回任何已入选的作品。出于保险目的，作品价值超过1000美元的艺术家必须提供近期类似作品的销售收据以证明其价值。除非作品明确标明“非卖品”，否则我们鼓励作品销售，并将从展览期间的销售中收取40%的佣金。| 奖项第78届区域展览将提供10,000美元现金奖励，奖励将分配给评委选出的获奖者。作品入选展览的艺术家将获得2张免费入场券，可参加2026年12月19日举行的盛大招待会暨颁奖典礼。| 时间线2026年8月17日晚上11:59 提交截止日期2026年8月31日 入选名单公布2026年9月12日，上午10点至下午3点 作品送达博物馆2026年9月29日至12月19日 展览在西翼展厅展出2026年12月19日，下午5点30分 闭幕招待会暨颁奖典礼 欢迎将中文版作品集同步至EveryArt官方邮箱：everyart@163.com获得更多合作机会。 方要飛 4小时前 0 评论 15 喜欢
广场 #纽约展览 #king kobra 07.08展览｜纽约｜King Cobra｜Heathens◾️ 展览信息：◽️「King Cobra｜Heathens」◽️艺术家：King Cobra◽️展期：2026.05.02-2026.08.14◽️空间: Sikkema Malloy Jenkins◽地址：530 West 22nd Street, New York, NY 10011, USA◾️关于展览：展览延续她以雕塑、玻璃、硅胶、珠饰、橡胶、合成头发等材料处理身体、医学暴力和黑人女性历史创伤的创作路径，但这次更强调“异端”“肉身”和权力结构之间的关系：作品以近似病理标本、祭坛和伤口的形态出现，把美感、恐怖感与历史批判并置，迫使观众面对医学史、殖民暴力和种族化身体被观看、被切割、被控制的复杂问题。 ◾️关于艺术家：KING COBRA 是美国当代艺术家 Doreen Lynette Garner 使用的艺术名，1986年生于费城，毕业于罗德岛设计学院玻璃专业硕士，现主要在美国东海岸生活和工作。她的创作结合雕塑、装置、玻璃、硅胶、珠饰、合成头发、橡胶和身体改造经验，作品常呈现带有身体恐怖感的肉身形态，用强烈而不适的视觉语言揭示黑人身体，尤其是黑人女性身体在医学、殖民和种族暴力历史中的被观看、被实验和被剥削。她的作品既有病理标本般的残酷感，也包含珠宝、光泽和手工细节带来的复杂美感，核心是在挑战医学史、博物馆展示和种族化身体政治中的权力结构。 ◾️关于空间：Sikkema Malloy Jenkins 是纽约切尔西区一家资深当代艺术画廊，前身由 Brent Sikkema 于1991年以 Wooster Gardens 名义创立，最初位于 SoHo，1999年迁至现在的切尔西 530 West 22nd Street。画廊代理三十多位国际艺术家，媒介涵盖绘画、素描、装置、摄影和雕塑，长期合作的艺术家包括 Kara Walker、Vik Muniz、Arturo Herrera 等，也支持更年轻或处于上升期的创作者。它在纽约画廊体系中属于历史较久、项目稳定且学术性较强的商业画廊，展览通常关注身份、历史、政治、材料与图像语言之间的复杂关系。 ◾️图文致谢：Sikkema Malloy Jenkins◾️媒体合作：everyart2021 船 2天前 0 评论 41 喜欢
广场 #纽约展览 #Judy Chicago 07.02展览｜纽约｜Judy Chicago ｜The dinner Party ◾️ 展览信息：◽️「Judy Chicago ｜The Dinner Party」◽️艺术家：Judy Chicago◽️展期：2026.04.09-2027.10.05◽️空间: Brooklyn Museum◽地址：200 Eastern Parkway, Brooklyn, NY 11238◾️关于展览：这件作品创作于 1974–1979 年，是一个大型三角形餐桌装置，为历史和神话中的 39 位重要女性设置席位，地面上还刻有另外 999 位女性的名字；布鲁克林博物馆也说明这个常设装置会配合旁边 Herstory Gallery 的轮换展览一起呈现。 ◾️关于艺术家：Judy Chicago 是美国当代艺术家、作家和教育者，1939 年出生于芝加哥，是女性主义艺术最重要的代表人物之一。她早期受极简主义和洛杉矶当代艺术影响，后来转向以女性经验、身体、历史和社会权力为核心的创作，并在 1970 年代参与推动女性主义艺术教育。她最著名的作品是大型装置 The Dinner Party，通过三角形餐桌、陶瓷盘和刺绣等形式纪念历史上重要但常被忽视的女性。Chicago 的作品跨越绘画、装置、烟火、纺织、影像和写作，强调女性在艺术史和社会叙事中的位置，也挑战传统艺术中对“工艺”“身体”和“女性题材”的贬低。 ◾️关于空间：它位于一座大型历史建筑中，收藏规模很大，馆藏超过 14 万件，覆盖古埃及艺术、亚洲艺术、伊斯兰艺术、美国艺术、装饰艺术、当代艺术和女性主义艺术等领域。和曼哈顿的大型博物馆相比，布鲁克林博物馆的气质更开放，也更重视社会议题、身份政治、女性主义和社区文化。整体来说，它既是百科全书式博物馆，也是一个很强调当代议题和公共讨论的艺术空间。 ◾️图文致谢：Brooklyn Museum◾️媒体合作：everyart2021 船 07-07 12:20 0 评论 40 喜欢
广场 #纽约展览 #谢德庆 07.02展览｜谢德庆｜Lifeworks 1978–1999◾️ 展览信息：◽️「谢德庆｜Lifeworks 1978–1999 」◽️艺术家：谢德庆◽️展期：2025.10.04-2027.10.04◽️空间: Dia Beacon◽地址： 3 Beekman Street, Beacon, NY 12508◾️关于展览：展览集中呈现他 1978 至 1999 年间最核心的长期行为作品，包括五个著名的 One Year Performances：把自己关在笼中一年、每小时打卡一年、在纽约户外生活一年、与 Linda Montano 用绳子相连一年、以及一年内不接触艺术；随后还有他 1986–1999 年的 Thirteen Year Plan。这个展览不是用传统“作品”来讲艺术家，而是通过照片、文件、录像和规则文本，把谢德庆如何把时间、身体、纪律和生活本身变成艺术完整地呈现出来。 ◾️关于艺术家：谢德庆（Tehching Hsieh）是台湾出生、后长期生活在纽约的行为艺术家，被认为是当代行为艺术中最重要的人物之一。他最著名的是 1970 年代末至 1980 年代在纽约完成的一系列“一年行为表演”，例如把自己关在笼中一年、每小时打卡一次持续一年、在户外生活一年、与另一位艺术家用绳子相连一年，以及一年内不接触艺术。这些作品极端地把时间、身体、纪律、孤独和生存状态变成艺术本身，不依赖传统的绘画或雕塑形式，而是用真实生活中的持续行动来挑战艺术与人生的边界。谢德庆的作品看起来冷静、克制，但背后有很强的存在主义意味，也反映了移民身份、现代社会规训和个人自由之间的张力。◾️关于空间：它位于哈德逊河边一座旧 Nabisco 纸盒印刷工厂内，2003 年开放，主要收藏和展示 1960 年代至今的当代艺术，也举办特别展览、委任创作和公共项目。这个空间最重要的特点是尺度很大、工业建筑感强、自然光充足，非常适合呈现大型装置、极简主义、观念艺术和长期项目；所以像谢德庆这种以时间、身体和档案为核心的行为艺术，在这里会被放入一个更冷静、开放、接近“长期观看”的语境中。 ◾️图文致谢：Dia Art Foundatio◾️媒体合作：everyart2021 船 07-07 12:16 0 评论 38 喜欢
广场 #纽约展览 #whitney bedford 07.01展览｜纽约｜Whitney Bedford|Individual exhibition ◾️ 展览信息：◽️「Whitney Bedford | Individual exhibition 」◽️艺术家：Whitney Bedford◽️展期：2026.05.14-2026.06.20◽️空间: Miles McEnery Gallery◽️地址：525 W 22nd St, New York◾️关于展览：这个展览延续了她对风景画传统的再处理：她借用历史风景、庭园、窗景和“veduta”式视野，把精细的墨线结构与厚重、流动的油彩叠加在一起，使画面既像可辨认的自然景观，又带有抽象、心理化和环境危机感。整体上，这个纽约展览不是单纯表现风景，而是通过被重写的自然图像，讨论历史记忆、观看方式以及当代环境的不稳定性。 ◾️关于艺术家：Whitney Bedford 是一位美国当代画家，1976 年出生于马里兰州巴尔的摩，现生活和工作于洛杉矶。她毕业于罗德岛设计学院，后在 UCLA 获得 MFA，并曾获得 Fulbright 奖学金与 UCLA Hammer Museum Drawing Biennial 奖项。Bedford 的作品常把风景、海难、冰山、飞鸟、窗景等图像与艺术史中的浪漫主义和现代主义传统结合起来，用墨水和油画层层叠加，既保留精确的线描结构，又让画面逐渐走向抽象和想象。她的绘画看似是风景或海景，实际上常带有心理性、寓言性和环境隐喻。 ◾️关于空间：Miles McEnery Gallery 是纽约切尔西区的一家当代艺术画廊，主要代理和展出当代绘画、雕塑及跨媒介艺术家。画廊在切尔西有多个空间，包括 511、515、525 West 22nd Street 和 520 West 21st Street，总展览面积约 25,000 平方英尺；它的艺术家名单覆盖不同世代，既有成熟艺术家，也有活跃的当代创作者。整体来说，这个画廊偏重绘画性强、视觉语言鲜明的当代艺术，在纽约商业画廊体系中属于规模较大、展览频率较高的一类。 ◾️图文致谢：Chelsea◾️媒体合作：everyart2021 船 07-07 09:05 0 评论 44 喜欢
广场 #纽约展览 #Paul Klee 06.30展览｜纽约｜Paul Klee｜Other Possible Worlds◾️ 展览信息：◽️「Paul Klee｜Other Possible Worlds 」◽️艺术家：Paul Klee◽️展期：2026.03.20-2026.07.26◽️空间: The Jewish Museum◽地址：1109 5th Ave at 92nd St, New York, NY 10128, United States◾️关于展览：Paul Klee 在纽约犹太博物馆的展览 “Paul Klee: Other Possible Worlds”（2026年3月20日至7月26日）聚焦他生命最后十年的创作，是美国首个以克利晚期作品为核心的博物馆展览。展览汇集约100件绘画与素描，并包括部分早期重要作品，试图呈现克利在政治动荡、疾病和流亡压力下如何继续发展出充满符号、幻想、幽默与不安感的视觉语言；这些作品看似轻巧、童真，却常以天使、面孔、线条结构和抽象形象回应20世纪欧洲的危机，也让观众看到克利如何在小尺幅和简洁形式中创造出“另一个可能的世界”。 ◾️关于艺术家：保罗·克利（Paul Klee，1879–1940）是20世纪现代艺术的重要代表人物，出生于瑞士伯尔尼附近，长期在德国活动，曾任教于包豪斯。他的作品很难被简单归入某一流派，既受到表现主义、立体主义、超现实主义和儿童画的影响，也带有音乐、诗歌和符号系统的特征。克利常以细腻的线条、透明的色彩、几何结构和近似梦境的图像，探索自然、记忆、语言与精神世界之间的关系；他的画面看似轻盈、童真，却包含高度理性的构图和复杂的象征意味。作为艺术家和教师，他对现代绘画、设计教育和抽象艺术的发展都有深远影响。◾️关于空间：纽约 The Jewish Museum（犹太博物馆） 位于曼哈顿 Museum Mile，是美国同类机构中最早的一座，也属于世界上历史较久的犹太博物馆之一。博物馆以艺术和视觉文化为核心，收藏近三万件艺术品、考古文物、礼仪器物和影像资料，时间跨度涵盖数千年的全球犹太经验；它既展示宗教与历史相关的物件，也持续举办现代与当代艺术展览，因此并不只是一个历史纪念馆，而是一个把犹太文化、艺术史、身份、记忆和当代议题放在一起讨论的博物馆空间。 ◾️图文致谢：robin swift◾️媒体合作：everyart2021 船 07-04 14:38 0 评论 35 喜欢
广场 #野口勇 #纽约展览 06.28展览｜纽约｜野口勇｜Noguchi’s New York◾️ 展览信息：◽️「野口勇｜Noguchi’s New York 」◽️艺术家：野口勇◽️展期：2026.02.04-2026.09.13◽️空间: 野口勇博物馆◽地址：9-01 33rd Road（Vernon Boulevard路口），Long Island City, NY 11106, USA◾️关于展览：野口勇的展览“Noguchi’s New York”于2026年2月4日至9月13日在纽约皇后区的野口勇博物馆举行，聚焦他与纽约长达数十年的复杂关系。展览通过雕塑、模型、图纸、照片及档案资料，梳理纽约的城市环境、社会文化与政治现实如何影响他的创作，并呈现他为城市构想的公共雕塑、游乐场和社区空间，其中不少方案因现实阻力而未能实现。展览同时纪念野口勇基金会与庭园博物馆成立40周年，将这座由艺术家亲自创建的博物馆视为他献给纽约的重要作品，进一步展现其把雕塑融入建筑、景观与公共生活的长期理想。 ◾️关于艺术家：野口勇（Isamu Noguchi，1904—1988）是具有日本与美国文化背景的现代艺术家、雕塑家及景观设计师，也是20世纪跨领域艺术实践的重要代表。他的创作横跨石雕、金属雕塑、家具、灯具、舞台设计、公共艺术、庭园与城市空间，持续探索雕塑与建筑、自然和日常生活之间的关系。野口勇善于融合日本庭园、禅宗美学与西方现代主义，其作品既保留石材等天然材料的原始质感，又呈现简洁而抽象的形式；他设计的“Akari”纸灯和多件公共空间作品尤其广为人知。对他而言，雕塑并非独立陈列的物体，而是一种能够塑造环境、改变人的身体经验和激活公共空间的媒介。 ◾️关于空间：野口勇博物馆（The Noguchi Museum）位于纽约皇后区长岛市，由野口勇亲自设计并于1985年创立，是美国首座由在世艺术家为展示本人作品而创建、设计和布置的博物馆。博物馆由一座改造自20世纪20年代工业建筑的室内展馆和一座宁静的露天雕塑庭园组成，收藏着全球规模最大的野口勇作品，包括石雕、模型、绘画、家具、舞台设计及个人档案等。其简洁的建筑、自然光线、植物与雕塑相互融合，使整个空间本身也成为野口勇关于艺术、自然和环境关系的重要作品；除常设陈列外，馆方还举办专题展览、研究及公共教育项目。 ◾️图文致谢：yawnway◾️媒体合作：everyart2021 船 07-02 13:46 0 评论 33 喜欢
国际｜展览征集 #国际艺术征集 #纽约展览 #美国 2026/6/292026年纽约亚洲设计周—TRACES OF FORCE力的痕迹链接：https://www.nyadw.org/《力的痕迹》以“物质”为主题开启了整个系列——聚焦于空间、物体、材料、环境、装置、产品、建筑、工艺以及具身体验。它将物质设计视为对无形力量（重力、压力、运动、材料特性、身体习惯、环境变化和文化记忆）的回应。我们邀请设计师、艺术家、建筑师、制造商和创意从业者提交作品，探讨力量、材料、身体、环境、记忆和文化如何塑造当今的物理设计。| 展览地点456号展厅（2026年纽约设计周的主展馆）| 纽约亚洲设计周（NYADW）是一个年度文化平台，旨在颂扬塑造纽约及其他地区当代亚洲设计的多元声音。NYADW由灯塔全球基金会（Lighthouse Global Foundation Inc.）创办，汇聚了建筑师、艺术家、设计师、工匠和创意人士，他们的作品反映了文化、身份、科技和建筑环境之间不断演变的关系。该活动以两年为一个策展周期，围绕两个互补的主题展开：实体与数字。每年聚焦于其中一个维度，在有形设计与虚拟设计之间建立持续的对话。| 灯塔全球基金会Lighthouse Global Foundation Inc. 是一个 501(c)(3) 非营利组织，致力于帮助有需要的人，并通过艺术、设计和文化交流将社区凝聚在一起——尽可能地向所有人免费开放。| 谁可以申请空间设计师、产品设计师、家具设计师、工业设计师、时尚/纺织品设计师、平面设计师装置艺术家、多媒体艺术家、创客和手工艺从业者、建筑师、跨学科创意团队面向亚洲、亚裔侨民和认同亚洲的设计师和艺术家，以及作品与亚洲文化、身份、物质实践或当代亚洲经验有有意义的联系的创意从业者。| 我们正在寻找什么具有实际意义的艺术品、实物、空间装置、建筑/室内设计/景观设计、家具及产品设计、时尚、纺织及可穿戴作品、平面/视觉设计及实体输出、雕塑作品、原型和模型、材料实验、基于研究的设计项目、已完成的艺术品的记录、多媒体作品，以实体形式呈现提交的作品应符合以下一项或多项要求：力、压力、重力。运动与阻力。侵蚀。材料行为与转变。身体习惯、用途和居住。环境条件及变化。文化记忆、移民与流离失所。超越图案的亚洲设计。| 如何申请请将以下材料以电子邮件形式发送至support@nyadw.org ，邮件主题为“2026，艺术家姓名”（例如 2026，克劳德·莫奈）。01申请人姓名/团队名称02项目名称03项目描述，250-500字04 3-5张项目图片/视频链接，每张不超过15MB。05 介质、尺寸和安装要求06 艺术家简介及简历07 可选——社交媒体/网站08 任何特殊设备需求通过电子邮件提交:SUPPORT@NYADW.ORG| 日期公开征集启动：6月22日提交截止日期：7月24日艺术家通知：7月27日新闻发布会：8月5日展览开幕：8月7日公开讲座和研讨会：8月15日闭幕式：8月21日欢迎将中文版作品集同步至EveryArt官方邮箱：everyart@163.com获得更多合作机会。 方要飛 2026-06-30 0 评论 41 喜欢
广场 #纽约展览 #李康昭 06.22展览｜纽约｜李康昭｜A Field of Becoming◾️ 展览信息：◽️「李康昭｜A Field of Becoming 」◽️艺术家：李康昭◽️展期：2026.05.13-2026.06.20◽️空间: 纽约韩国文化院◽地址：122 East 32nd Street, New York, NY 10016◾️关于展览：“成为之域”汇集了李康昭自1970年代至今的作品，追溯了他艺术实践的延续与转变。从早期行动、材料与环境交织的实验性作品，到后期的绘画与雕塑，李康昭的作品随着时间的推移不断展开，拒绝定型，拥抱变化。过去五十年间，这位艺术家在韩国当代艺术领域开创了独具特色且极具影响力的艺术实践。他横跨绘画、雕塑、装置、摄影及行为艺术等多重领域，始终挑战着艺术形式的固定定义，将艺术视为一个开放且不断演变的过程，而非一个完成品。◾️关于艺术家：李康昭（Lee Kang-So，1943年生）是韩国实验艺术的重要先驱，也是20世纪70年代韩国当代艺术革新的核心人物之一。他的创作横跨绘画、摄影、版画、雕塑、装置与行为艺术，早期代表作《消失——画廊中的酒吧》将真实的社交活动引入展览空间，挑战了艺术作品与日常生活之间的界限。此后，他逐渐发展出具有东方哲学意味的绘画语言，以自由、简练的笔触描绘鸭子、船只、芦苇等若隐若现的形象，强调偶然性、留白以及艺术家、材料和观众感知之间的互动。他的作品既具有韩国实验艺术的观念性，也融合了书法和水墨传统中顺势而为的精神。 ◾️关于空间：纽约韩国文化院（Korean Cultural Center New York，KCCNY）成立于1979年，是韩国政府在纽约设立的综合文化机构，致力于通过视觉艺术、表演、电影、文学、韩语教育及传统文化活动推动韩国文化与国际公众之间的交流。其位于曼哈顿东32街的新馆设有韩国画廊、剧场、图书馆、教育空间及一座以韩国传统园林为灵感设计的庭院；其中韩国画廊长期呈现韩国及韩裔艺术家的现代与当代艺术实践，也邀请不同文化背景的艺术家参与对话。它不仅是一处展览场所，更是连接韩国文化与纽约多元艺术社群的重要公共平台。 ◾️图文致谢：thaddaeusropac◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-06-26 0 评论 49 喜欢
广场 #David Zwirner #纽约展览 06.12展览｜纽约｜Lisa Yuskavage｜Retrospective◾️ 展览信息：◽️「Lisa Yuskavage｜Retrospective」◽️艺术家：Lisa Yuskavage◽️展期：2026.05.14-2026.06.26◽️空间: David Zwirner◽地址：533 West 19th Street, New York, NY 10011◾️关于展览：本次展览集中呈献了她最新创作的大幅油画、小尺幅纸上作品，并首次推出了她全新的创作媒介——拼贴画，这些拼贴作品巧妙地利用彩色辅助纸（Color-aid paper）作为底色，结合了粉彩、蛋彩和水粉。在展览中，尤斯卡瓦吉进一步深化了对“艺术家工作室”这一经典主题的探讨，通过大尺幅色域构图与亲密视角的交替并置，将浓郁如宝石般的色彩与多层叙事相结合，带领观众在她构建的复杂、迷幻且充满艺术史反思的具象宇宙中穿梭。◾️关于艺术家：美国艺术家莉萨·尤斯卡瓦吉（Lisa Yuskavage）以其极具颠覆性和心理张力的具象绘画而闻名，她毕业于耶鲁大学艺术学院并获得硕士学位，现于纽约工作生活。在过去三十多年的创作生涯中，她将古典油画精湛的色彩技巧、光影控制与通俗流行文化相结合，创作出一系列带有享乐主义、露骨且兼具内省特质的女性形象，这些人物同时充当着凝视的主体与客体，以此挑战传统的观看视角。尤斯卡瓦吉的作品沉浸在迷幻、绚丽且如梦似幻的色彩中，通过将现实与抽象元素、高雅艺术与低俗文化有机并置，深入探讨女性身份、逾矩行为、性意识以及潜意识中的情感冲突。作为当代具象绘画复兴的代表人物之一，她自2005年起由卓纳画廊（David Zwirner）代理，其作品已被纽约大都会艺术博物馆、现代艺术博物馆（MoMA）及惠特尼美术馆等多家国际顶级艺术机构永久收藏。◾️关于空间：卓纳画廊由德国艺术交易商大卫·卓纳于1993年在纽约苏荷区（SoHo）创立，现已发展为全球最具影响力的顶级当代艺术“超级画廊”之一。画廊于2002年富有远见地将大本营迁至曼哈顿切尔西区的西19街，随后通过不断扩建，在19街逐渐形成了由525号、533号等多个相邻展厅组成的标志性建筑群，构成了其在纽约的核心展示轴线。自创立以来，卓纳画廊代理了超过70位国际知名在世艺术家及艺术家遗存，从极简主义大师到当代具象绘画先锋均有涉猎，不仅长期为草间弥生、崔西·艾敏、莉萨·尤斯卡瓦吉等顶尖艺术家举办极具博物馆级别的标志性展览，还开创了专注于黑人艺术家艺术生态的独立空间“52 Walker”。随着业务版图向伦敦、巴黎、香港、洛杉矶以及纽约上东区、翠贝卡区的持续扩张，卓纳画廊凭借其在一手和二手艺术市场的强大运作能力，以及对艺术史学术深度的不懈追求，成为主导国际当代艺术风向标的绝对核心力量。◾️图文致谢：sean◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-06-13 0 评论 51 喜欢
广场 #纽约 #Lehmann Maupin #纽约展览 6.12展览｜纽约｜Guimi You｜When the Sun Shines Again◾️ 展览信息：◽️「Guimi You｜When the Sun Shines Again 」◽️艺术家：Guimi You◽️展期：2026.06.11-2026.08.14◽️空间: Lehmann Maupin◽地址：501 West 24th Street, New York, NY 10011◾️关于展览：在本次展览中，尤贵美将创作视角转向了“重新开始”这一温和而深邃的姿态，以此致敬那些在阔别艺术后重新回归创作的女性朋友。作品中频繁出现象征清晰、新生与希望的清晨阳光，描绘了在送完孩子上学后的安静清晨、房间角落或阳光洒满的陶艺工作室等日常生活场景，她甚至将朋友们重新出发时创作的画面有机编织进自己的画布中，通过极具情感克制的慢节奏叙事，探讨日常生活经验、内心世界以及女性创作者之间宁静的共鸣与声援。◾️关于艺术家：韩国艺术家尤贵美（Guimi You）以其梦幻般、充满魔幻现实主义色彩的油画创作而闻名，她本科与硕士毕业于首尔大学的东方画专业，随后在伦敦皇家艺术学院获得油画硕士学位。她的作品完美融合了传统韩国山水、肖像画的细腻韵味与西方现代油画的丰富色彩，多以柔和、清透的色调描绘花园、居家空间及日常生活中的平凡瞬间，展现大自然的流动性以及人在独处时的情感共鸣。尤贵美通过模糊现实与想象的边界，将日常生活场景转化为犹如梦境般的宁静叙事，目前其作品已被上海余德耀美术馆、洛杉矶哈默博物馆及迈阿密当代艺术研究所等多家国际艺术机构收藏。◾️关于空间：立木画廊（Lehmann Maupin）由乐馨（Rachel Lehmann）和大卫·莫平（David Maupin）于1996年在纽约苏荷区（SoHo）创立，现总部位于切尔西区，是一所享有国际盛誉的顶尖当代艺术画廊。自创立以来，画廊便以其敏锐的国际视野和多元包容的艺术家阵容著称，致力于发掘和培育那些在视觉表达上具有开创性、挑战性的全球艺术家与艺术遗产，并多次为徐道获（Do Ho Suh）、崔西·艾敏（Tracey Emin）等大师举办了他们在纽约的首次个展。立木画廊所代理的艺术家往往通过极具概念性的手段，在作品中深入探讨性别、阶级、历史、政治和全球化等塑造当下国际文化的核心议题。随着国际版图的不断扩张，画廊已在首尔设立了常设空间，并在伦敦拥有重要的展示基地，通过与全球顶尖美术馆、策展人和收藏家的紧密合作，持续在当代艺术史的构建中发挥着举足轻重的影响力。◾️图文致谢：sean◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-06-13 0 评论 45 喜欢
广场 #Lisson Gallery #纽约展览 #Lisson Gallery NY 06.08展览｜纽约｜HugetteCaland｜My Home◾️ 展览信息：◽️「HugetteCaland｜My Home 」◽️艺术家：HugetteCaland◽️展期：2026.05.13-2026.07.25◽️空间: Lisson Gallery◽地址：504 West 24th Street, New York◾️关于展览：这是她时隔五年在纽约的首次个展。展览由独立策展人塔里尼·马利克（Tarini Malik）操刀，系统性地梳理了卡兰横跨半个世纪、辗转于贝鲁特、巴黎和洛杉矶三地的颠沛生涯与创作轨迹。展出作品涵盖绘画、素描、雕塑及文本记录，不仅呈现了她最具代表性、带有情色与肉体触感的“身体碎片”（Bribes de corps）早期系列，还展出了她晚期重要创作“罗西南特”（Rossinantes）系列雕塑与绘画，深入探讨了她如何将“身体”视作丈量生命体验的地图，并将“家”定义为一种随个体状态转变而不断重塑的流动场域，展现了她对身份认同与自我主权的终极探索。◾️关于艺术家：休盖特·卡兰（Huguette Caland，1931—2019）是黎巴嫩现代主义艺术的先驱符号，她虽贵为黎巴嫩独立后首任总统的女儿，却在三十多岁时毅然打破传统束缚，跨越贝鲁特、巴黎和洛杉矶展开长达半个世纪的自由创作。卡兰的艺术涵盖绘画、雕塑和针织服饰设计（曾与皮尔·卡丹合作），其核心特征是以极其细腻、流畅而富有力量感的线条，将女性身体、欲望与亲密关系转化为大胆、幽默且带有情色意味的抽象景观，通过局部放大或变形将肉体抽离为介于具象与抽象表现主义之间的几何与色彩场域，用一种欢愉且挑衅的视觉语言彻底颠覆了男性凝视下的传统女性裸体叙事。◾️关于空间：里森画廊（Lisson Gallery）是全球最具影响力且历史最悠久的国际当代艺术画廊之一，由尼古拉斯·洛格斯戴尔（Nicholas Logsdail）于1967年在伦敦创立。画廊开创性地扶持了20世纪60至70年代极简主义与概念艺术的发展，不仅率先为索尔·勒维特、唐纳德·贾德、丹·格雷厄姆等大师举办个展，也是英国新雕塑运动的核心推动者。如今，里森画廊在伦敦、纽约、上海、北京及洛杉矶设有多个分支空间，代理着包括安尼施·卡普尔、玛丽娜·阿布拉莫维奇、艾未未在内的百余位全球顶尖艺术家与艺术遗产。其运作核心在于长期致力于维护艺术家职业生涯的独立性与延续性，并通过与全球顶尖博物馆紧密合作，深度参与战后及当代艺术史的叙事构建。◾️图文致谢：Lisson Gallery◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-06-09 0 评论 52 喜欢
广场 #纽约 #纽约展览 06.07展览｜纽约｜Stephen Lichty｜Ghost Stone◾️ 展览信息：◽️「Stephen Lichty｜Ghost Stone 」◽️艺术家：Stephen Lichty◽️展期：2026.04.09-2026.05.22◽️空间: YveYANG Gallery◽地址：12 Wooster St, New York, NY 10013◾️关于展览：这是他自 2021 年以来在纽约的首次个展，也是他与该画廊的首次个展。展览围绕石英、矿物开采和地质记忆展开，作品材料来自加州 Sierra Nevada 山麓、曾受淘金时代水力采矿破坏影响的区域；Lichty 将石英巨石、铜铃、声音和空间装置结合起来，使作品既像极简雕塑，又带有考古、环境史和仪式性的意味。标题 “Ghost Stone” 可以理解为“幽灵般的石头”：石头并不只是自然材料，而是携带着被开采、移动、损伤和观看的历史痕迹，展览也借此讨论自然美感与资源暴力之间的矛盾。 ◾️关于艺术家：Stephen Lichty 是美国艺术家，1983 年出生于堪萨斯城，现居旧金山，主要从事雕塑与行为创作。他的作品常使用石材、水晶、金属、布料、工业材料或现成物，通过极简的形态、克制的摆放和近乎仪式性的处理方式，把材料本身的重量、质感和象征意味放大出来。Lichty 的雕塑表面上接近 1960–70 年代极简主义的冷静语言，但并不只是形式主义；他更关心材料被开采、搬运、切割、接触和观看之后所携带的个人、地质、精神和历史含义。整体来看，他的作品像是把自然物、建筑感和身体行为压缩成安静而有张力的物件，让观众在非常少的形式变化中感受到时间、劳动、欲望和仪式感。 ◾️关于空间：画廊成立于 2022 年，主要关注来自不同地区的新兴艺术家，以及曾被艺术史或市场相对忽视的创作实践，展览方向偏重材料语言清晰、观念性强的绘画、雕塑和装置。相比大型美术馆，它更像一个尺度紧凑但空间质感明确的当代画廊：工业建筑的背景、SoHo 石板街区的城市氛围，以及相对克制的白盒展陈方式，使作品的材质、重量和空间关系更容易被看见；因此 Stephen Lichty 的石英、铜铃与声音装置放在这里，会突出材料的地质感、仪式感和被搬运进城市画廊后的陌生性。 ◾️图文致谢：sean◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-06-08 0 评论 18 喜欢
广场 #Helen Frankenthaler #纽约展览 #Gagosian New York 06.04展览｜纽约｜Helen Frankenthaler｜The Moment and the Distance◾️ 展览信息：◽️「Helen Frankenthaler｜The Moment and the Distance 」◽️艺术家：Helen Frankenthaler◽️展期：2026.04.30-2026.07.02◽️空间: Gagosian◽地址： Gagosian West 21st Street ◾️关于展览：展览由 Gagosian 与 Helen Frankenthaler Foundation 合作策划，集中呈现她从 1960年至1992年四十余年间的大尺幅绘画，包含二十余件具有代表性的作品。展览按年代展开，可以看到她从早期“浸染法”带来的透明、流动色面，逐渐发展到更强烈的色彩、更开阔的构图和更复杂的肌理处理；这些作品既保留了抽象表现主义的自由感，也显示出她对空间、光线、风景感和绘画尺度的持续实验。整体来看，这个展览强调的不是单一代表作，而是 Frankenthaler 如何不断更新自己的抽象语言。 ◾️关于艺术家：Helen Frankenthaler（海伦·弗兰肯塔勒，1928–2011）是美国抽象表现主义及色域绘画的重要艺术家，也是战后美国绘画从激烈笔触走向大面积色彩场域的关键人物之一。她最著名的方法是“浸染法”（soak-stain）：将稀释后的颜料直接倒在未打底的画布上，让颜色渗入纤维，形成轻薄、流动、近似水彩的色面效果。1952年的《Mountains and Sea》被视为她的代表作，也对 Morris Louis、Kenneth Noland 等后来的色域画家产生重要影响。她的作品常以自然、风景、光线和空间感为出发点，但并不直接描绘具体景物，而是通过透明色层、开放构图和柔和的边界，创造出既自由又克制的视觉体验。◾️关于空间：Gagosian 本身是全球最具影响力的现代与当代艺术画廊系统之一，代理和展出大量20、21世纪重要艺术家；而 West 21st Street 空间更偏向大型展览和高规格项目。这个空间由 Gluckman Tang 设计，约 9,200 平方英尺，2006年启用，展厅为开阔的 clear-span 结构，并通过六个天窗引入柔和自然光，因此很适合呈现 Frankenthaler 这种大尺幅、强调色彩、光线与空间感的绘画。◾️图文致谢：kailin◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-06-04 0 评论 47 喜欢
广场 #Lehmann Maupin #纽约展览 #erwin wurm 06.04展览｜纽约｜Erwin Wurm｜Double Dream ◾️ 展览信息：◽️「Erwin Wurm｜Double Dream 」◽️艺术家：Erwin Wurm◽️展期：2026.04.23-2026.06.06◽️空间: Lehmann Maupin◽地址：501 West 24th Street, New York◾️关于展览：这个展览呈现他的新作与近作，延续了他长期以来对雕塑边界的拓展：身体、衣服、家具、汽车、建筑等日常形态被拉伸、膨胀、坍塌或拟人化，制造出一种荒诞又带有心理张力的视觉效果。展览标题中的 “Dream” 暗示现实与梦境、物体与身体、幽默与不安之间的双重状态；作品表面滑稽轻松，但实际指向现代生活中关于消费、身份、欲望、社会压力和身体规训的矛盾。◾️关于艺术家：Erwin Wurm 是奥地利当代艺术家，1954年出生于奥地利 Bruck an der Mur，现工作生活于维也纳与 Limberg 一带。他以重新定义“雕塑”的边界而闻名，尤其是从1990年代开始的《One Minute Sculptures》系列：观众按照他的文字或图示指令，用身体与椅子、衣服、水桶、水果等日常物品摆出短暂而荒诞的姿势，使雕塑从固定物体变成一种瞬间的行为。他的作品常把汽车、房屋、衣服或人体夸张地变形、膨胀或扭曲，例如著名的 “Fat Car” 系列，以幽默、滑稽甚至怪诞的形式讨论消费主义、身份、身体、社会规训与现代生活的荒谬性。Wurm 的艺术表面轻松可笑，但背后往往带有对战后奥地利社会、日常生活和人类存在状态的冷静批判。 ◾️关于空间：Lehmann Maupin 是一家1996年创立于纽约的当代艺术画廊，由 Rachel Lehmann 和 David Maupin 创办，长期以国际化艺术家项目为核心，代理和展出来自美国、欧洲、亚洲、非洲、南美及中东的当代艺术家。它在纽约、首尔和伦敦设有空间。这个空间由 Peter Marino 设计，面积约 8,971 平方英尺，分布在三层，包含多个展厅、黑盒空间和私人观看区域，整体比传统 Chelsea 工业风画廊更精致、明亮，也适合呈现雕塑、装置、影像和大型作品等多种媒介。 ◾️图文致谢：misslan◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-06-04 0 评论 41 喜欢
广场 #纽约 #纽约展览 05.31展览｜纽约｜Julian Schnabel｜Italy Through Its Trees◾️ 展览信息：◽️「Julian Schnabel: Italy Through Its Trees 」◽️艺术家：Julian Schnabel◽️展期：2026.05.15-2026.08.14◽️空间: Pace Gallery◽地址：540 West 25th Street, New York, NY 10001, USA◾️关于展览：本次展览集中呈现了他近期的全新创作，以意大利标志性的伞松（umbrella pine）为核心意象，融合了他艺术生涯中极具代表性的两种创作媒介：大尺幅的18世纪意大利古地图和标志性的碎瓷片绘画（plate paintings）。这些作品源于施纳贝尔在罗马筹备其新片《在但丁的手中》期间对周边自然景观的观察，他在古地图错综的地理边界上挥洒笔触，并首次在打碎的陶瓷表面进行图像推演。展览不仅延续了施纳贝尔与意大利数十年的深厚情感纽带，更超越了单纯的风景描绘，通过瓷片产生的阴影与地图上的线条相互交织，将树木转化为一种探讨时间、光影、历史留存以及具象与抽象边界的知觉媒介。◾️关于艺术家：朱利安·施纳贝尔（Julian Schnabel，1951年出生）是美国新表现主义（Neo-Expressionism）艺术的领军人物，同时也是一位在国际影坛享有盛誉的电影导演。他在20世纪70年代末凭借打破常规、将碎瓷片镶嵌在画布上的“碎瓷片绘画”（Plate Paintings）一举成名，以狂放、粗犷的笔◾️关于空间：Pace Gallery 是纽约最具影响力的当代艺术画廊之一，由 Arne Glimcher 于1960年创立，长期代理并展出20世纪与21世纪重要艺术家的作品，包括绘画、雕塑、装置、影像与跨媒介实践。其纽约旗舰空间位于曼哈顿切尔西艺术区，以大尺度、博物馆级展览著称，拥有多个展厅与公共项目空间，经常举办国际重量级艺术家的个展与主题展览，也是纽约当代艺术生态中与大型美术馆、拍卖行及收藏体系联系紧密的重要机构。 ◾️图文致谢：Pace Gallery◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-06-01 0 评论 50 喜欢
广场 #纽约展览 #the met #Raphael 05.30展览｜纽约｜Raphael ｜Sublime Poetry◾️ 展览信息：◽️「Raphael ｜Sublime Poetry 」◽️艺术家：Raphael ◽️展期：2026.03.29-2026.06.28◽️空间: The Met◽地址：1000 5th Ave, New York, NY 10028◾️关于展览：作为美国历史上首次为拉斐尔举办的大型全面国际借展，本次展览汇集了来自全球公共与私人收藏的约200件珍贵杰作，涵盖其标志性的圣母像系列（如《阿尔巴圣母》）、极少公开亮相的素描手稿以及挂毯。展览按时间顺序追溯了拉斐尔从乌尔比诺、佛罗伦萨到罗马教廷顶峰时期的艺术生涯，并通过科学检测与技术分析，深入探讨了其作品中对女性的刻画、古典人文主义的发展，以及隐藏在完美构图背后的创作轨迹与社会历史背景。◾️关于艺术家：拉斐尔（Raphael, 1483—1520）是文艺复兴全盛期的意大利画家兼建筑师，与达芬奇、米开朗基罗并称为“文艺复兴三杰”。他以和谐、平衡与宁静的艺术风格著称，能够将古典主义的优雅与人文主义的理想完美融合。在其短暂的一生中，拉斐尔创作了大量宗教与神话题材作品，其中以梵蒂冈宫的壁画《雅典学院》以及展现圣洁母爱的系列《圣母像》最为传世。他的构图严谨、色彩典雅、线条流畅，不仅确立了古典主义学院派的审美典范，其对完美与和谐的追求也对后世西方绘画艺术产生了深远的影响。◾️关于空间：纽约大都会艺术博物馆（The Metropolitan Museum of Art，简称The Met）坐落于纽约曼哈顿中央公园东侧，是美国最大的艺术博物馆，也是世界最著名的四大博物馆之一。自1870年成立以来，它通过位于第五大道的主馆和专注于中世纪艺术的修道院分馆（The Met Cloisters），收藏了跨越全球五千年人类文明的超过150万件艺术珍品。其藏品涵盖了古埃及的神庙、古典时期的雕塑、欧洲大师的绘画、亚洲的精美工艺品以及现代艺术杰作。作为一个国际性的文化地标，大都会博物馆不仅是展示人类创造力与历史演变的核心学术殿堂，也通过其宏大的建筑体量、跨学科的特展以及丰富的公众教育项目，为每年数百万来自世界各地的观众提供连接过去与未来的沉浸式文化体验。◾️图文致谢：themet◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-05-30 0 评论 41 喜欢
广场 #高古轩 #Helen Frankenthaler #纽约展览 05.30展览｜纽约｜Helen Frankenthaler ｜The Moment and the Distance◾️ 展览信息：◽️「Helen Frankenthaler ｜The Moment and the Distance 」◽️艺术家：Helen Frankenthaler◽️展期：2026.04.30-2026.07.02◽️空间: Gagosian◽地址：522 W 21st St, New York, NY 10011◾️关于展览：本次展览与海伦·弗兰肯瑟勒基金会紧密合作，聚焦于这位抽象表现主义大师在1960年至1992年间创作的20余幅尺幅巨大、极具雄心的代表性巨作。展览以年代为线索递进，集中呈现了她在这40年间对绘画语言的持续革新，展出作品不仅包含了她标志性的情感色彩与流动构图，还汇集了如密歇根卡拉马祖艺术学院借展的经典名作《蓝色代码》（Code Blue）等极为罕见的大幅画布。整个展览空间通过宏大的尺幅与饱和、通透的色彩碰撞，完美诠释了弗兰肯瑟勒在自由与克制、纯粹宣泄与严谨构图之间找到的精妙平衡，为观众提供了一个全面审视其艺术生涯高峰期创造力的沉浸式现场。◾️关于艺术家：海伦·弗兰肯瑟勒（Helen Frankenthaler, 1928—2011）是美国战后现代艺术史上的核心女画家，也是第二代抽象表现主义的代表人物与色彩领域绘画（Color Field painting）的奠基者之一。1952年，她凭借里程碑式的作品《山与海》（Mountains and Sea）开创了著名的“浸染技法”（soak-stain technique），通过将稀释的油彩或丙烯颜料直接倾倒在未经打底的生画布上，使色彩完全渗透纤维，创造出如水墨般通透、流动且兼具自然意象的抽象画面。这种方法打破了传统绘画中颜料与画布的界限，不仅极大地启发了莫里斯·路易斯（Morris Louis）等同代艺术家，也成功将美国抽象艺术从杰克逊·波洛克式的厚重情绪宣泄，引领向一种注重色彩本真、空间流动与视觉纯粹性的全新境界。◾️关于空间：位于纽约切尔西艺术区西21街522号的高古轩画廊（Gagosian），是由著名建筑师理查德·格鲁克曼（Richard Gluckman）精心设计的一处现象级当代艺术展示空间。该空间秉承了格鲁克曼标志性的极简主义与工业美学，将原本的工业建筑改造为拥有宏大体量的白盒子展厅。展厅内部空间极其高亢、开阔，几乎没有任何多余的装饰，为那些大尺幅、具有博物馆级雄心的艺术巨作提供了毫无压迫感的陈列环境。顶部精妙设计的采光系统将柔和均匀的自然光线引入室内，配合无柱开敞的地面布局，使整个空间在保持工业历史厚重感的同时，呈现出一种极致的通透感与纯粹性，完美地将建筑本身的结构隐匿于艺术品的光芒之后。◾️图文致谢：analeia◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-05-30 0 评论 48 喜欢
