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展览|卓纳画廊(洛杉矶)「无拘无束:酷儿世界中的爱丽丝·尼尔」


◾️展览信息:
◽️「无拘无束:酷儿世界中的爱丽丝·尼尔」
◽️展期:2024.9.7-2024.11.2
◽️艺术家:爱丽丝·尼尔
◽️空间:卓纳画廊(洛杉矶)
◽️地址:606NWesternAvenue90004LosAngelesCA
Tue,Wed,Thu,Fri,Sat:10AM-6PM


◾️关于展览:
卓纳画廊欣然宣布举办由希尔顿·阿尔斯(Hilton·Als)策展的《无拘无束:酷儿世界中的爱丽丝·尼尔》(AtHome:Alice Neel in the Queer World )
展览在画廊位于洛杉矶北西大道606号的空间举行,延续了画廊呈现策划性展览的历史,聚焦于美国画家爱丽丝•尼尔(1900-1984)至今仍与我们息息相关的作品之的方方面面。2017年,由阿尔斯策展的《爱丽丝•尼尔,上城》在卓纳纽约画廊举办,广受好评。卓纳图书将随此次展览出版一本内容丰富的图册。出版物由阿尔斯编辑并撰文,其中收录了亚历克斯•菲亚略(AlexFialho)、埃文•加尔萨(EvanGarza)以及韦恩•克斯特鲍姆(Wayne
Koestenbaum)等人受委任撰写的有关尼尔的全新学术文章。
此次展览中的作品出自诸多博物馆馆藏及私人收藏,包括数件罕见的、出自爱丽丝•尼尔艺术遗产的作品。它们描绘了知名与无名的普通人,既有文化和政治界的名人,也有艺术家亲密的熟人和朋友—共同构成一幅集体性群像,体现了对尼尔所处时代的酷儿世界以及艺术家身居其中之地位的理解,又使其变得复杂。正如阿尔斯所言,这场展览“不仅囊括同性恋者的肖像,还包括理论家、活动家、政治家等人的肖像,他们因其在特定领域乃至世界中的与众不同而被视为酷儿。这些创作反映出爱丽丝对差异的兴趣与专注。”


◾️关于艺术家:
爱丽丝·尼尔(Alice Neel,1900年1月28日-1984年10月13日)是一位美国视觉艺术家。Neel以其描绘朋友、家人、恋人、诗人、艺术家和陌生人的画作而闻名,被认为是20世纪最伟大的美国肖像画家之一。她的职业生涯从1920年代跨越到1980年代。她的画作对线条和色彩的表现主义使用、心理敏锐度和情感强度。她在抽象主义受到青睐的时期追求具象画家的职业生涯,直到1960年代,她的作品才开始获得评论界的赞誉。她的作品与她的男性前辈对女性的传统和物化裸体描绘相矛盾并提出了挑战。这是通过女性凝视描绘女性来实现的。


◾️关于美术馆:
卓纳画廊是一家当代艺术画廊,在纽约、洛杉矶、伦敦、巴黎和香港设有分店,目前代理70多位艺术家和庄园。该画廊一直是各种媒体和流派的创新、独特和先锋展览的所在地。卓纳画廊活跃于一级和二级市场,帮助培养了当今一些最具影响力的艺术家的职业生涯,并长期代表着广泛的国际艺术家群体。


◾️图文致谢:卓纳画廊
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|白石画廊《上下限》


◾️展览信息:
◽️《上下限》
◽️展期:2024.9.14-2024.10.19
◽️艺术家:迟鹏
◽️空间:白石画廊
◽️地址:北京市朝阳区酒仙桥路4号798艺术区七星东街


◾️关于展览:
白石画廊北京欣然宣布将于2024年9月14日-10月19日期间,呈现迟鹏(b.1981)个展——《上下限》。开幕活动将于2024年9月21日周六下午3-5时进行,届时艺术家本人将莅临现场。
在迟鹏多元的艺术创作和探索过程中,他一直在思考摄影语言的局限性及艺术创作的转向问题。求新、求变是迟鹏的个性所在,因此他始终在不断思考和尝试使用不同的语言形式进行创作。他始终认为画画是一件自己应该做的事情,对他而言,“绘画是一种自我旅行,也是一个自我超越和自我克服的过程。”《上下限》意指思想的自由造就了绘画的无限,绘画的魅力在于其技术特性和思想表达之间相互咬合后产生的多样与可能。上有寻求边界的无限,下有恪守于表达世界的基本持恒。上下无限则是格局于大未来,上下有限则缝隙出精采。迟鹏绘画作品中欲表达出寻求今天世界的边界感,也尝试着从色彩的境域中以及语言的体量中去摸索新世界之门的样子,“出”与“入”是个人的选择,“是”与“非”是价值的所向。人生的千变才万化出世间的未见,而任何绘画的今天都应该是我们之前从未有的一种遇见。在此次展览的绘画创作中,迟鹏深入思考了身份的确认与精神的游离,身体的双生与意识的重组,并且试图以绘画语言的角度解释观念意识与视觉特点之间通感性的转换问题。作品同时以“双生”的主概念,强调身份性的视觉转换,而绘画语言中的纠缠和细琐,则是身份特性和性格本身的视觉呈现。艺术家在这一系列绘画作品中探讨了身份认同的多样性和复杂性。在画作中,强烈的表达诉求与自我保护的隐藏意识成为了一个具体的矛盾。同时,此次展览还深入探讨了艺术家的自我表达与社会对话之间的张力。迟鹏的作品不仅呈现了个人与自我抗争的过程,还不断提出更深层次的问题,挑战观者的思维。展览中的核心议题包括意识开源——即探索更多可能的未来,以及身份特点——涉及自我认同与社会认同的复杂性。这些问题相互交织,形成了一个多层次的思考领域,使得每一个问题本身又成为新问题的起点。


◾️关于艺术家:
迟鹏(b.1981)中央美术学院设计学院设计教育学博士,1981年出生于山东烟台,2003年开始进行个人创作,2005年毕业于中央美术学院,同年于美国纽约举办了首次个人展览。自此,迟鹏开始受到国际关注。2004年至今,举办个人展览40余次,参加群展200余次,展览举办地遍及世界20个国家及地区,2011年3月26日至9月25日荷兰格罗宁根美术馆为迟鹏举办了《我,我和我自己》大型个人展览,展览空间达一千两百平米,共展览作品48件,系该美术馆第一次为不满三十岁的艺术家举办个人展览。与此同时迟鹏作品被世界各地多家美术馆、重要机构和个人收藏达百余件,包括:匈牙利路德维希美术馆,荷兰格罗宁根美术馆、奥地利Essl收藏、澳大利亚维多利亚国家美术馆、美国Chazen美术馆、新加坡美术馆、日本横滨美术馆、中国何香凝美术馆及今日美术馆等。2012-2018年于中央美术学院任教摄影艺术;2018年开始儿童创新思维方法创造力方法以及基础课程的专项研究,同时进行电影及当代绘画的研究与创作;2019-2021年拍摄完成长篇电影处女作《离岸的海》。


◾️关于美术馆:
1967年以东京为中心,于银座创立画廊以来,白石画廊持续作为艺术业界中少数具先驱性的存在。2012年设立“轻井泽新艺术美术馆”,是在日本少数的私人美术馆项目。自2015年以来,白石画廊相继在香港、台北、新加坡、北京、首尔设立画廊空间,持续深耕亚洲艺术市场。与知名建筑师隈研吾先生多次合作,呈现白石画廊的审美理念及展示当代艺术的视野。不忘初心,白石画廊将继续支持来自世界各地有建树的艺术家,同时也推广年轻艺术家,拓展国际市场及影响力。


◾️图文致谢:白石画廊
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|卓纳画廊(巴黎)「日下翅央个展」


◾️展览信息:
◽️「日下翅央个展」
◽️展期:2024.9.5-2024.10.5
◽️艺术家:日下翅央
◽️空间:卓纳画廊(巴黎)
◽️地址:108,rueVieilleduTemple75003Paris


◾️关于展览:
卓纳画廊很高兴与日下翅央(ShioKusaka)一起举办第二次展览,这也标志着画廊在巴黎重新修缮后的首展。日下翅央以其对陶瓷媒介饶富意趣且充满直觉的创作手法而广为人知,她所创作的器皿饱含有机的不完美、反复出现的技法与图案,以及暗示了历史、当代、未来之形态的图像。艺术家复杂的设计突出了诗意的不规则性和光学特性。Kusaka的作品灵感来源于广泛的参考:个人观察、纹理、图案、建筑、幻想和外太空等等。


◾️关于艺术家:
日下翅央1972年出生于日本盛冈(Morioka),现于洛杉矶生活和工作。日下翅央是洛杉矶的一位从事陶瓷创作的艺术家。她自幼和祖母学习日本茶道,并培养了对于陶瓷器皿的高超的鉴赏能力。2001年,翅央于华盛顿大学西雅图分校(UniversityofWashington,Seattle)获得学士学位。2003年,她移居洛杉矶,并开始专注于对粘土这一媒材的研究。翅央借鉴了弥生时代(Yayoiperiod)的日本陶器、埃及第十八王朝的美学理念,以及当代观念艺术大师——索尔·勒维特(SolLeWitt)的壁画等。她的作品经常介于具象与抽象之间,她运用形状、图案和色彩,将绘画与雕塑融合,创造出独特的艺术语言。她以开放的态度进行创作,其作品时常带有一种谦逊的气质,同时不失幽默。


◾️关于美术馆:
卓纳画廊是一家当代艺术画廊,在纽约、洛杉矶、伦敦、巴黎和香港设有分店,目前代理70多位艺术家和庄园。该画廊一直是各种媒体和流派的创新、独特和先锋展览的所在地。卓纳画廊活跃于一级和二级市场,帮助培养了当今一些最具影响力的艺术家的职业生涯,并长期代表着广泛的国际艺术家群体。


◾️图文致谢:卓纳画廊
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|魔金石空间《有情况且》


◾️展览信息:
◽️《有情况且》
◽️展期:2024.8.31-2024.10.19
◽️艺术家:梁伟
◽️空间:魔金石空间
◽️地址:北京市朝阳区酒仙桥路2号798艺术区798东街798


◾️关于展览:
在一个由线上和线下现实塑造的极端个人主义社会里,没有一个视角主导一切。相反,同时存在无数种对现实的解读,而每一种解读也随时准备变换。梁伟的作品挖掘了这种错位感,从这个混乱分裂的社会中创造了她的世界。

粱伟的每幅画都是一个独立的宏观世界。在每个世界的组成里,图像生长、变异,聚合、累积,以不受约束的生命力演化着。不过,她的画并不由图像构成,因为所有输入到作品中的图像,都会被一段内在过程彻底消化、吸收。从过程中衍生出的内容,可以理解为源于现实的心理地图。它们是海量图像和海量资料的改编,如同世界的DNA慢慢展开。

此外,梁伟还有一系列新的小型纸上作品,它们不形成复杂的世界,而像是另类生命体寻找着、测试着它们的存在位置。


◾️关于艺术家:
梁伟是来自北京的艺术家,1999年毕业于法国斯特拉斯堡大学造型艺术学院。
艺术家的重要展览包括:等……于,魔金石空间,北京(2021);绵延:变动中的中国艺术,北京民生现代美术馆,北京(2020);寂静的重叠,Bernier / Eliades画廊,布鲁塞尔,比利时(2019);Out of Ink,佩拉美术馆,伊斯坦布尔(2019);临其境,魔金石空间,北京(2018);.com/.cn,K11艺术基金会、MoMA PS1,香港,上海(2017);然前然后,魔金石空间,北京(2016); 歧义花园,四方美术馆,南京(2013);居住地——来自中国和巴西的艺术家,香格纳画廊,上海(2012);中国影像艺术 1988-2011,上海民生美术馆,上海(2011);亚洲城市网络2007,首尔美术馆,韩国(2007);第 12 届加尔各达电影节,印度(2006);中国发电站,伦敦,英国(2005)。


◾️关于美术馆:
魔金石空间于2008年成立于中国北京。
魔金石空间始终坚持从自身的语境出发,以反思的姿态介入当下的社会生态。我们聚焦于艺术家的个体实践,力求为艺术家提供一个严肃、开放、实验性的平台,并通过广泛而深入的研究,系统地梳理艺术家的工作。
魔金石空间一直尝试跨越艺术机制的既定边界,营造一个拥有更多可能性的空间,一个有态度的空间,并为公众提供一个不一样的观看、接近、参与当代艺术的窗口。


◾️图文致谢:魔金石空间
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|拾萬空间(杭州)「黼藻精灵」


◾️展览信息:
◽️「黼藻精灵」
◽️展期:2024.9.7-2024.10.7
◽️艺术家:路佳霖
◽️空间:拾萬空间(杭州)
◽️地址:杭州市西湖区转塘街道长埭村孵鸡湾[公交站]


◾️关于展览:
拾萬空间(杭州)于2024年9月7日带来艺术家路佳霖的个展:黼藻精灵。
本次展览将展出艺术家最近的十件作品,它们透亮、平静、灵动,如同被封存起来的时间精灵一般,将当下的人与物凝固在一个宁静、平和的瞬间。路佳霖生于黑龙江哈尔滨,后因考入广西艺术学院而来到广西南宁,这一北一南两座城市几乎跨越了中国大陆的南北两极,巨大的人文、地理差异带给了路佳霖一种独特的陌生与新奇感。而在学习和创作中,他则通过大量的写生来逐步了解这个崭新的环境,由于没有先入为主的思维定式,这些作品反而超越了人们对广西的固有认知,呈现出一种难得的松弛与轻盈——2023年拾萬(石家庄)的个展即是这类作品的反映。

而在本次展览中,路佳霖的新作则逐渐脱离了纯写生式的创作,部分作品先是用相机进行记录,然后再回到工作室进行动作和色彩的回调和推进。因而,它们不再是某一时刻的情境以及情绪复现,而是经过时间的沉淀和情感的汇合,呈现出一种“理解”之后的总结性感悟,进而,非瞬间的线性时间在此凝结,日常的一瞥化身庄严,迎接着人们一起进入这个“黼藻精灵”般的世界。


◾️关于艺术家:
路佳霖 1998年生于黑⻰江省哈尔滨市。2017-2024年就读于广⻄艺术学院美术学院谢森工作室,现工作生活于广⻄。


◾️关于美术馆:
拾萬空间,于2014年成立于北京草场地艺术区,2018年迁址到北京798艺术区。2021年底开设石家庄分馆拾萬当代艺术中心,并于2023年底迁至石家庄市井陉县北障城村。2023年初在杭州市西湖区转塘街道的孵鸡湾建立分部。拾萬北京总部位于798包豪斯建筑集群中的一处二楼下陷式空间,石家庄分部深入到太行山古村落中的一座老教堂,而杭州空间则改造自龙坞茶山旁的一间农舍。拾萬空间对常规化的展览保持警惕,希望从当代艺术的语境出发,通过持续的展览和项目,来回应我们共同的生存境遇,激发出当下文化中被忽视的部分。


◾️图文致谢:拾萬空间
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|佩斯画廊(首尔)「王光乐个展」


◾️展览信息:
◽️「王光乐个展」
◽️展期:2024.9.4-2024.10.26
◽️艺术家:王光乐
◽️空间:佩斯画廊 · 首尔
◽️地址:汉南洞 Le Beige 大楼


◾️关于展览:
佩斯画廊首尔空间正在展出中国艺术家王光乐在韩国的首次个展,以结合画廊空间特定建筑的形式,呈现来自“无题”和“寿漆”系列的三件绘画新作。此次展览自 2024 年 9 月 4 日持续至 10 月 26 日,与 2024 年首尔弗里兹艺博会同期开幕,呈现艺术家将时间视作一种只能体验而难以言喻的普遍元素,由此展开的持续探索与艺术实践。
王光乐基于过程的绘画以时间性和身体性为核心,长期关注形式与意义之间的张力关系,对他独特的抽象艺术语法。他的许多作品都源于对平凡生活中个人的、存在主义的观念。


◾️关于艺术家:
王光乐 1976 年出生于福建,2000 年毕业于中央美术学院油画系。其绘画作品曾多次参加国内外重要展览,其中包括加利福尼亚亚太三年展 (2013) 、釜山双年展(2010)和布拉格双年展(2009)。与他合作过的国际知名艺术机构包括尤伦斯当代艺术中心、中央美术学院美术馆、今日美术馆、民生现代美术馆、中国美术馆、上海龙美术馆、北京泰康空间、德国路德维希美术馆 、荷兰鹿特丹布尼根博物馆、意大利博茨瓦诺当代美术馆、澳大利亚悉尼白兔美术馆、美国亚洲艺术博物馆、美国卢贝尔家族收藏和当代艺术基金会等。王光乐的近期个展包括:“王光乐:褪色”,佩斯画廊,伦敦(2022)、“王光乐:波浪”,北京公社,北京(2021)、“王光乐:双色”,佩斯画廊,纽约(2019)等。艺术家现工作和生活于中国北京。


◾️关于美术馆:
佩斯画廊创立于1960年,它是全球最知名的当代艺术画廊,代理了众多二十至二十一世纪最为重要的艺术家及艺术家基金会,始终扮演着艺术界生力军的角色。佩斯画廊如今已步入第七个十年,将继续秉承其使命,为全球最具影响力和创造力的艺术家提供支持,并与全世界的人们共同分享这些具有时代前瞻性的艺术创作。


◾️图文致谢:佩斯画廊
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|里森画廊「编织者迷宫」


◾️展览信息:
◽️「编织者迷宫」(第二章)
◽️展期:2024.8.31-2024.10.12
◽️艺术家:丁鸿丹 瑞安·甘德 夏纳·霍维兹 黄婷岚 奥托邦戈·恩坎加任倢 沈瑞筠 切尼·汤普森 王也
◽️空间:里森画廊
◽️地址:上海市黄浦区虎丘路27号2楼


◾️关于展览:
在乔治·R·R·马丁(GeorgeR.R.Martin)的《冰与火之歌》(ASongofIceandFire)中,一处“编织者迷宫”(Pattern-maker'sMaze)的设定十分有趣:“只有走出迷宫的人才能拥有智慧”。假设围绕着从创作到收藏为核心的全球艺术产业是一个迷宫,那么从业者究竟是设置者,还是闯关者?我们是否可以选择?在经纬相交下的盘根错节间又如何去选择?
交织丛现的迷宫中,难见坦途,但艺术家们从未停止运用智慧去选择,也总会让作品更多的启发与想象。过去、现在和未来?不同维度中艺术家如何去选择?
与以视听语言建构的第一章节“迷宫”相比,“编织者迷宫”的第二章节“编织者”显得更加宁静,却带来别样的感官体验,以不可阻挡之势将来者裹挟其间。假设我们试图“迷宫”和“编织”中找到一种共性,深入其中的人不断面对的无非是“选择”,就像每一个走入展厅的人,向左或向右行进亦将完成各自织就的路径。


◾️关于艺术家:
丁鸿丹的绘画关注新的现实下同辈人的真实生活与精神状态。她以现实主义的手法,呈现当代女性对生活日常及社会关系的多重思考。丁鸿丹1995年出生于广州,现生活工作于北京。

瑞安·甘德雕塑、电影、写作、平面设计、装置艺术、行为艺术,多变的创作形式为瑞安·甘德(RyanGander)赢得了国际盛誉。通过一系列的发散性思维过程,甘德的作品将日常与深奥、被忽视和平凡的事物联系起来,是对语言和知识的诘问,也是对外观模式和艺术的重塑。

夏纳·霍维兹(ChannaHorwitz,1932-2013)出生于美国洛杉矶,生前生活和工作于此。如今,霍维兹与玛丽·阔思(MaryCorse)、约翰·麦克拉肯(JohnMcCracken)等人一起被奉为观念艺术和西岸极简主义的代表人物。她是一位大器晚成的艺术家,其作品前后于2013年和2014年在惠特尼双年展和威尼斯双年展中展出。霍维茨于2013年去世,享年80岁。

黄婷岚出生于中国长沙,目前居住于长沙。她于2020年毕业于美国马里兰艺术学院获得艺术硕士学位,之前在中国鲁迅美术学院获得学士学位。她的作品的主题通常是与空间和存在这两个部分相关。通过描绘空间内家具和物件的摆放方式和状态来展现人与空间相互作用影响的关系。用内部空间的物品之间的关系来反应人们在外部空间的人际关系。目前她的作品通常以夸张的颜色和复杂的纹样的纺织形式呈现,以单面织和双面织两种技法为主。

奥托邦戈·恩坎加(OtobongNkanga)的作品以生态学主题间的关联性为前景,逐渐成为一种精炼的诗性纠缠。她的跨学科实践着眼于身体、领土、矿物质和地球之间复杂的社会、政治与物质关系。同时,恩坎加的研究导向型实践打破了极简主义与观念主义、感官和超现实的研究方法之间的界限,将人类与景观、有机物与无机物、全球北方经济与全球南方经济联结起来。通过绘画、装置、表演、摄影、织物与雕塑、恩坎加通过创造性的方法,将自然界中植物、草药、矿物和有机物汇聚起来并转译为相互串联的情境,唤起观众对记忆、劳动、家庭、关怀、所有权、情感、触觉和嗅觉的思考。

任捷1982年生于中国上海,2010年毕业于上海大学美术学院雕塑系;2014年毕业于中国美术学院雕塑系。现生活工作于广州。

沈瑞筠是一名艺术家和策展人,1976年生于广州,现生活在广州和纽约。她的作品以绘画为起点,从自然中获取灵感,强调经验和过程。作品通过包括装置、动画和新媒体等多种媒介,以多维空间多重角度的认知方式;探索虚与实,精神和物质,日常与脱俗,个体与群体,规范和例外等矛盾双方随时转换和交织的状态。

切尼·汤普森(CheyneyThompson)实践的核心是极具分析性的创作手法,及在当代的语境中,对绘画的创作、分布和呈现方式进行不懈实验。他的创作过程遵循一套严谨的规则,以准则系统为工具来减少创作决策中的主观性。汤普森的创作研究法涵盖了如数学理论、复合算法、经济公式或数字颜色系统等多种精密的结构。因此,他最终呈现的是作品的形式特质与创作意识之间的对话。

王也1991年出生于湖南长沙。2013年于中央美术学院取得艺术与设计学士学位。2017年于耶鲁大学艺术学院雕塑系取得艺术硕士学位。他在家乡学习了如何编织传统渔网,近期则在研习湘绣的刺绣技法。王也的跨媒介作品常常结合影像,雕塑,手工艺,和装置。他的灵感常来自于作为文化遗产的民间艺术,因其自然地展现了美学和价值的形成和演化。


◾️关于美术馆:
里森画廊是全球具有影响力及历史悠久的国际当代艺术画廊。由尼古拉斯·劳格斯戴尔(NicholasLogsdail)于1967年创立,开启了在艺术史中占非常重要地位的极简艺术和观念艺术先驱的职业艺术生涯。目前画廊通过在伦敦、纽约、洛杉矶、上海和北京设立的艺术空间,支持和发展的国际艺术家超过60位。


◾️图文致谢:里森画廊
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|觀空間 JUSTARTSPACE 《秘境》


◾️展览信息:
◽️《秘境》
◽️展期:2024.9.3-2024.11.30
◽️艺术家:王清丽
◽️空间:觀空間
◽️地址:广州天河花城大道尚东柏悦府二楼 好酒好蔡x觀空間艺廊


◾️关于展览:
觀空间欣喜宣布:将于2024年09月03日至11月30日在尚东柏悦府 好酒好蔡×觀空间艺廊举办[柏悦·雅集]第七回展-秘境,呈现著名当代艺术家王清丽近年油画、雕塑等作品若干件。
王清丽的画绘声绘色。王清丽是油画科班出身,扎实的造型与色彩功底令她在大刀阔斧式的游弋间收放自如。从早期的《女人与马》《红唇故事》,到《欲望都市》《中国女孩》《新女儿经》,再到《驯夫记》《秘密公园》,女性形象的出现与明亮色彩的交织是其画面的突出特征。王清丽豪不吝啬对自身女性情感的肆意挥霍,恰如画布上色块间的正面交锋与畅快行走。


◾️关于艺术家:
王清丽生于湖北荆州沙市,1986年毕业于湖北美术学院油画专业。现任教于湖北经济学院艺术设计学院,教授。作品多次参加国内各重要展览,并赴法国、意大利、南非、日本、韩国、台湾等地展出,部分作品被美术馆及艺术机构收藏。代表作品有:《欲望都市》《新女儿经》、《秘密公园》、《新韩熙载夜宴图》、《新清明上河图》《新富春山居图》等系列。


◾️关于美术馆:
觀空间2015 年创立于广州,画廊秉承“观型、观心、观道”的理念,紧密结合东方哲思与国际艺术风潮,致力于打造华南地区最具影响的当代艺术平台。


◾️图文致谢:觀空间
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|東京画廊BTAP 《朦胧与去蔽》


◾️展览信息:
◽️《虚实之间》
◽️展期:2024.9.15-2024.11.9
◽️艺术家:王舒野
◽️空间:東京画廊BTAP
◽️地址:北京市朝阳区酒仙桥路4号798艺术区内陶瓷三街E02


◾️关于展览:
東京画廊+BTAP荣幸宣布王舒野个展《朦胧与去蔽》将于9月15日开幕。
本次展览的作品多以故宫为创作题材。故宫是中国的代表性建筑,对王舒野来说,也是他80年代大学时常去借景畅想天地古今的地方,午门前、宫墙外都留下许多寻迹于精神深处的脚步,这次展览呈现的作品把艺术家当时向内深究的意愿延续到对当下感知可能性的探索。展题“朦胧与去蔽”中“朦胧”是艺术家试图呈现的前认识的感知状态,因其是非认识性的视觉,也自然呈现出朦胧的状态。“去蔽”指的是超越日常观看方式的局限,并从而开显出被其遮蔽的直通世界整体和直指存在本身的感知可能性。运用这样的感知方式,不用仰望星空,只是观看室内一隅,我们也可能感知至大无外的存在的整体。艺术家把周知的景观转换为“前认识的视觉感知表现”作为常用手法,以之强调对惯常的认识性视觉感知的颠覆和反向增补。

王舒野的创作所围绕的“感知去蔽”的原创性方法论实验,主要基于对现实中人与世界的关系的反思。日常生活中,人们总是封闭于人本位、自我本位感知立场。如果文明的走向过度偏颇于人本位的诉求,那无疑是危险的,人心也将会愈加不得安宁,王舒野认为“艺术的可贵之处不在于能够呈现人的自我表达,而在于能够开启人的自我超越其感知局限的可能性”。用去除认识性感知清空自我并且超越对象化世界观,让清空了的自我反映或融入世界整体和存在本身的永恒无限,既是一种极致的诗意,也是一种终极的肯定和解放。

本次展览将持续至11月9日,欢迎您莅临参观。


◾️关于艺术家:
王舒野1963年出生于黑龙江省齐齐哈尔市。1989年毕业于中央工艺美术学院(现:清华大学美术学院)。
1990年移居日本,十年间未发表作品,为探究哲学、宗教等精神思想和视觉艺术而默修独研。期间形成基于现代性反思的原创性艺术方法论:提出“无差别观看”(即非认识性视觉),实验以此来开拓视觉上的“与世界的非对象化关系”;作品以废除了物体认识的现实世界新呈现,来揭示被日常的人本位视角的对象化世界观所遮蔽的非对象化感知维度,并进而揭示该感知维度中的世界的自安自足。这种艺术实验,与其渴望平衡日常生活和现代文明背后的感知偏颇紧密相连。
2001年以来,在多家著名艺术机构连年举办个人艺术展,并应邀参加各种重要国际性联展。2011年获得日本文部科学省文化厅主办的第21届“TAKASHlMAYA美术奖”。现为独立艺术家,工作生活于北京和日本镰仓。“新䑃胧主义”的发起艺术家。


◾️关于美术馆:
1967 年以东京为中心,于银座创立画廊以来,白石画廊持续作为艺术业界中少数具先驱性的存在。2012 年设立“轻井泽新艺术美术馆”,是在日本少数的私人美术馆项目。自2015年以来,白石画廊相继在香港、台北、新加坡、北京、首尔设立画廊空间,持续深耕亚洲艺术市场。与知名建筑师隈研吾先生多次合作,呈现白石画廊的审美理念及展示当代艺术的视野。不忘初心,白石画廊将继续支持来自世界各地有建树的艺术家,同时也推广年轻艺术家,拓展国际市场及影响力。


◾️图文致谢:東京画廊BTAP
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|贝浩登画廊(上海) 《残影》


◾️展览信息:
◽️《残影》
◽️展期:2024.9.13-2024.10.19
◽️艺术家:西格丽德·桑德斯卓姆
◽️空间:贝浩登上海
◽️地址:上海市黄浦区虎丘路27号3层


◾️关于展览:
正负片耦合的屏画、蒙太奇片出的地貌,西格丽德·桑德斯卓姆在贝浩登(上海)的“白盒子”中植下一片峰丛。山中光影莫测又似曾相识,景致全然敞开。有关“抽象”与“风景”的阐释在概括的笔触中生成,充盈的文本无穷尽地奔向画面。这批创作的趣味与深度正在于此。

如非以沉默应对,将抽象风景作为文本加以考察已成为惯用的读画手段。在地理学、社会学、哲学等定量、定性的解析和扩张下,感觉与梦境被常识和逻辑界出了缜密的外廓,图像背负起了接踵而至的使命与价值,“开放性”和“展望性”则在“是什么”以及“为什么”的考证中被逐步吞没。“体验”不再作为图像及其内部空间发起的首要任务,仿佛一旦丧失宏大命题与社会热点的倚仗,自然景观与直觉的再现就将沦为流媒体中匮乏而悦目的计时按摩。

在“人工智能复制的时代”中,当感性被无休止地提炼并激活,桑德斯卓姆的作品看似是一出陈酒新装,却暗含了创作者针尖般的洞察:“流动”本身成为被诅咒又被祝福的存在,而一切被宽宥的、前进的、遗忘的、磨灭的,则成了令人疲惫不堪的、永恒的现在。作为图像的绘画究竟该如何存在?桑德斯卓姆在山、水、地、日中发问,将“何处”与“如何”凝结,并于流动的间歇内完成了对人与世界的“地照”(Earthshine)。


◾️关于艺术家:
西格丽德·桑德斯卓姆实践的核心在于探究作为图像的绘画精神,尤其是通过她对抽象风景的探索。她从地理、社会学和哲学中汲取灵感,细腻地表达感官和幻想。圆盘的构图形象、倾倒而出的颜料色彩等元素特征充当了绘画的变形策略,使纯粹的抽象绘画勾联起更精确的视觉意象,例如山脉、水源、土地、阳光和阴影。这种即时的观看体验进一步探讨了围绕着绘画的疑问:它发生在何时何地?又是如何发展成为视觉邂逅和感知的场域?

桑德斯卓姆的作品横跨双重领域——既是概念的框架,又是体验的结构,在艺术家、作品和观众之间建立了动态的相互作用。随着抽象的加深,她对荒凉风景的广泛描绘不断挑战着绘画作为一种媒介的本体论参数。这种天生的模糊性在她的艺术及其与观众的互动中都发挥着关键作用。

西格丽德·桑德斯特罗姆(生于1970年)于美国耶鲁大学获得绘画硕士学位(2001年);曾就读于美国缅因州斯科威根绘画与雕塑学院(2000年),并于荷兰格罗宁根的密涅瓦艺术学院获得美术学士学位(1997年);也曾于纽约库伯联盟艺术学院学习(1995年)。她曾获得法国梅内尔布多拉·玛尔故居布朗基金会研究员驻留(2018年)、法国格雷兹苏卢万瑞典皇家美术学院驻留奖学金(2014年)、琼·米切尔基金会画家和雕塑家奖学金(2008年)以及纽约约翰·西蒙·古根海姆纪念基金会奖学金(2008年)。桑德斯特罗姆曾担任德克萨斯州休斯顿艺术博物馆的核心研究员(2001-2003年)。她目前是赫尔辛基艺术大学美术学院的教授,曾担任斯德哥尔摩皇家艺术学院教授(2010-2020年)和纽约巴德学院助理教授(2005-2010年)。

西格丽德·桑德斯特罗姆被广泛纳入公共收藏,包括美国休斯顿艺术博物馆、瑞典斯德哥尔摩现代美术馆、瑞典布罗斯现代艺术博物馆、瑞典马尔默艺术博物馆、瑞典斯德哥尔摩公共艺术基金、美国堪萨斯威奇塔州乌利希美术馆、瑞典斯特罗斯艺术博物馆以及耶鲁大学美术馆。桑德斯特罗姆目前生活工作于瑞典斯德哥尔摩。


◾️关于美术馆:
1990年,21岁的埃马纽埃尔·贝浩登(Emmanuel Perrotin)在巴黎创立了贝浩登当代艺术画廊,该画廊遍布三大洲。自2005年以来,这家巴黎画廊一直位于玛莱区Turenne街76号的18世纪酒店。贝浩登在七个国家开展业务,2012年5月在香港开设贝浩登,2013年在纽约开设贝浩登,2016年在首尔开设贝浩登,2017年在东京开设贝浩登,2018年在上海开设贝浩登,2024年在洛杉矶开设贝浩登。巴黎画廊在2014年收购了舞厅,这是一个700平方米(7500平方英尺)的展厅,位于17世纪的酒店d'Ecquevilly,被称为“Grand Veneur”。画廊面积超过7000平方米(75000平方英尺)。


◾️图文致谢:贝浩登画廊
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|贝浩登(香港)《水线》


◾️展览信息:
◽️《水线》Water Line
◽️展期:2024.9.14-2024.11.9
◽️艺术家:ob
◽️空间:贝浩登香港
◽️地址:尖沙咀梳士巴利道18号K11807室


◾️关于展览:
ob创作的艺术世界是一个能让整个人安静下来的世界,柔和的色彩、朦胧的场景以及瞪着大眼睛不发一语的女孩形象能够让人放松,卸下层层盔甲。淡化了棱角的油彩笔勾勒出的蓝色氤氲,集聚着水汽的能量,总会让各种情绪在人的体内积累、发酵,而后流动,画面中的一切似乎也随之缓慢地变化,时而要消逝至无痕,时而又清晰如光景重现,如梦魇一般,却又有着实存的物质对象,让人在现实与梦境之间游走
水成为了她画作中的媒介,而绝不仅仅是主题。无论是睡莲盛放的水池,还是野餐中远眺的海岸,泛舟的湖水,甚至是装满水的浴缸,水承载着艺术家对于物质的内在想象,将对于水的深挖本质的想象不断拓展,由水的流动性、不确定性、边界性、透明性等等出发,赋予现实各种非客观性的变形,并通过水将它们聚合在一起。水就像是一种萌芽,触发了朝向另一个世界穿行的机关。
在这个世界中,美人鱼在水边悠哉地抚弄花朵;小女孩的身上长出了白色的翅膀,与身后池塘中的天鹅融为一体;小女孩从水面上方的洞口观望着海水中的生物,长长的辫子仿佛也参与了它们的嬉戏。与此同时,我们在画中依然可以辨认出属于香港这座城市的码头风景,在日常生活中经常会出现的窗边景色,还有独自坐在飞机上望向窗外的身影,这些又不可避免地将我们拉回现实。由此,ob实质上勾画了一个充满不确定性的世界。
她所描绘的这样一个充满不确定的世界带给我们的是进行非客观化感受与想象的启示。当我们尽力地排除逻辑与科学的主观性,强调客观性在维持世界正常运作的重要性时,往往会发现世界成了混杂散乱的存在,缺少了非客观性,身边的东西变成了静止的、仅仅只是对象的无机物,甚至变成与我们自身无关的事物。我们苦于无法与世界调和,无法与他人和谐的境况之中。然而,在ob的画中,这些事物,过去的、现在的、未来的;对立的、矛盾的;似乎在水的统一作用之下,谐调在一起,向我们展示了似乎有些怪异,但充满美好意愿的想象。她的作品又一再触发、唤醒着人们的想象,让人们也得以在外界景象中汲取偏爱的形象,这些形象承载着丰富而又充实的情感,使人们实现自身精神能量的转换。
当然,对于ob而言,除了实际经历的事件、双眼可见的景象,某些不可名状、难以辨清的“间”(Awayi)同样是构成这个想象世界不可或缺的因素。她感到:“在当今世界上,很难一言以蔽之地对某个问题或者事件进行断定。因为事实上很少有东西可以黑白分明地进行判断。人类的心理是一个复杂的混合体,其中包含着各种相互冲突的元素,比如生与死、男性与女性、儿童与成人、这些相互冲突的元素会在一个人的内心深处不断涌动。当你试图让复杂的事物变得易懂时,可能相较于原本既定的那些因素,从某些缺失的地方可能会看得更清楚。类似这样一种距离(间),可以激发每个人的想象力,并加深对他者的理解。”显然,这里所说的这种“间”包含了时间上的、距离上的、人与人相互关系中的各种缝隙、欠落,它是不可见的,甚至仅限于个人的直接感受,然而正是这样一种对不可见之物的察知,代表了一种对想象开放的维度,并最终会归于想象的空间。


◾️关于艺术家:
ob是自2010年开始流行的日本社交媒体世代艺术家中最重要的一员。作为一名在京都求学的大学生,她通过插画传播分享平台Pixiv与其他同龄艺术家接触,并组织策划了多场当地展览。ob在展览“Wassyoi”后获得了广泛的关注和赞誉,其展览名称本身来源于日本街头节日上狂欢者所唱的圣歌。电子游戏和社交媒体已成为日本新一代艺术家日常生活环境的一部分,而ob身处其中,通过在精致与氛围兼备的画作中反复描绘大眼睛的小女孩,探索着女性心灵的梦幻滤镜。ob于2013年与知名化妆品品牌植村秀合作,并多次在国际艺术博览会上亮相。


◾️关于美术馆:
1990年,21岁的埃马纽埃尔·贝浩登(Emmanuel Perrotin)在巴黎创立了贝浩登当代艺术画廊,该画廊遍布三大洲。自2005年以来,这家巴黎画廊一直位于玛莱区Turenne街76号的18世纪酒店。贝浩登在七个国家开展业务,2012年5月在香港开设贝浩登,2013年在纽约开设贝浩登,2016年在首尔开设贝浩登,2017年在东京开设贝浩登,2018年在上海开设贝浩登,2024年在洛杉矶开设贝浩登。巴黎画廊在2014年收购了舞厅,这是一个700平方米(7500平方英尺)的展厅,位于17世纪的酒店d'Ecquevilly,被称为“Grand Veneur”。画廊面积超过7000平方米(75000平方英尺)。


◾️图文致谢:贝浩登画廊
◾️媒体合作:everyart2021
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展览|白石画廊 《虚实之间》


◾️展览信息:
◽️《虚实之间》
◽️展期:2024.9.13-2024.10.20
◽️艺术家:角谷纪章、甘泓儒 、陈俐 、刘欣然、盐泽凯伦
◽️空间:Backstage携手白石画廊于兰心大戏院
◽️地址:上海市黄浦区茂名南路57号兰心大戏院三楼


◾️关于展览:
Backstage携手白石画廊,在2024年9月13日至10月20日期间共同呈现来自中国和日本的新生代艺术家群展《虚实之间》,展出的艺术家包括:角谷纪章、甘泓儒、陈俐、刘欣然和盐泽凯伦。
艺术源自生活中的点滴,但在创作领域,许多艺术家并不追求对生活的描绘的准确性,而是基于他们对世界的独特想象来呈现“真相”。他们通过不同的媒介、色彩和技法营造出各自作品的气韵, 在虚实之间,与我们的感官、记忆和情绪接触,从而表达自己的心境。通过亲密的记忆和独特的故事的交织,以及视觉感官上对美的体验,是艺术家邀请观众重新审视和理解自我的机会。
“什么是现实,现实在哪里?”此次展览在古老的兰心大戏院的幕后空间呈现,在虚与实的模糊界限当中,徐徐展开叙述与对话。


◾️关于艺术家:
角谷纪章(b.1993)出生于神户,2022 年完成东京艺术大学研究生院日本绘画博士课程(美术学博士)。目前,他在母校美术学院日本绘画系担任助理。他曾在东京茑屋书店和Courtyard Hiroo举办个展,并在东京、釜山等地的双人展和群展中展出。
角谷纪章将自己的创作定义为 “让人们展开想象的工具”。就像 “磨砂玻璃窗系列”中的 “磨砂玻璃”和 “窗帘系列”中的 “窗帘”起到了 “杂音”的作用,在这里作品和他人的目光交织在一起。这种不相容的感觉激发了观者的想象力;反之,它唤起了观者脑海中的场景,形成了每个人所拥有的独特的 “现实”。角谷的风景画利用快照的模糊特征或采用含水量高的媒介,悄悄地捕捉观众的日常生活,同时核心上暗示着日本的现状。

甘泓儒(b.1993)出生于台湾,2015年毕业于台湾艺术大学书画系, 2020年取得马萨诸塞艺术学院绘画硕士。现定居于纽约。在两派系统的训练下,他开始探索时间跟情感的关系,并从生活中的荒诞概念中汲取灵感,透过转印的技巧,反复的堆叠而相互交织。
他以一种令人联想到英国浪漫主义的方式,将东西方的色彩和空间观融合在一起,并使用伴随他成长经历中的花布,转植在他的画面中。他的笔触展现了东方与西方视觉表达的融合,平衡了两个系统间对“少即是多”的理解,同时保留了东方留白的哲学意涵“恍兮惚兮,其中有象”,并赋予其西方的视觉形式。同时,他将画面处理成另一种诗意的想象空间。在他的作品中,细腻与灵动的笔触相互交融,体现了东西方艺术哲学的和谐共生。作品曾在多个著名展览中展出,包括2019年的哈佛大学史密斯中心、2021年在波士顿的个展、2022年的台北艺术博览会,以及2024年在纽约的个展。

陈俐(b.1996)出生于浙江宁波,2018年本科毕业于格拉斯哥艺术学院,并于2020年获得中央圣马丁艺术学院纯艺专业的硕士学位。现工作、生活于上海。
陈俐近期的创作主要通过矿物颜料绘画,现代漆艺和陶艺作为媒介来展开并探索流动的矛盾美学。她关注于当代语境下的女性叙事,东方神秘美学和现代化进程中社会日常的“非理性”维度。她试图了解当下现代性与神秘主义或是精英文化与迷信之间的冲突和共存,以及这种理性与直觉之间的拉锯所导致的一种雌雄同体般的微妙状态和迷宫般的混沌美学。陈俐的作品在伦敦、新加坡、北京等地广泛展出。

刘欣然(b.1998)出生于中国,刘欣然一位在伦敦工作的艺术家。她拥有芝加哥艺术学院学士学位 ,并获得了皇家艺术学院的硕士学位。她的作品曾在芝加哥、伦敦、香港、北京等地展出。刘欣然的作品探究了她的个人记忆以及身体所经历过的时间和空间。这些零碎的回忆在创作中溶解,又在画布上重组成为新的形象。这些形象在画面中飘忽不定,像轻声低语一般渐渐消逝。在她的作品中,任何事物都可以作为描绘的对象,如桌上的杯子或是书架上的纪念品,也可以是从笔记中抽取出的涂鸦般的文字。对刘欣然来说,这些物品是家庭文化和个人身份的投射。而当她用笔触与线条再一次地描绘这些物品后,便能够在画布上重塑她的个人记忆和文化体验。

盐泽凯伦(b.1998)出生于神奈川县,东京造形大学造形研究系美术研究领域专业研究生毕业。童年时期曾在荷兰生活多年的盐泽凯伦,始终摸索着以作品作为媒介来扩展交流领域。盐泽除了将童年的记忆与日常生活中的情感融入平面作品中之外,还追求着透过视觉以外的感官所认识到的世界表像,开拓透过声音、光线及立体等能对五感产生影响的表现形式。

盐泽在国立新美术馆举办的2018亚洲创造美术展荣获最优秀造型奖。在东京都美术馆举办的第48届美术祭典-东京展-(2022)荣获优秀奖。2020年,她的作品被中国德基艺术博物馆收藏。


◾️关于美术馆:
1967 年以东京为中心,于银座创立画廊以来,白石画廊持续作为艺术业界中少数具先驱性的存在。2012 年设立“轻井泽新艺术美术馆”,是在日本少数的私人美术馆项目。自2015年以来,白石画廊相继在香港、台北、新加坡、北京、首尔设立画廊空间,持续深耕亚洲艺术市场。与知名建筑师隈研吾先生多次合作,呈现白石画廊的审美理念及展示当代艺术的视野。不忘初心,白石画廊将继续支持来自世界各地有建树的艺术家,同时也推广年轻艺术家,拓展国际市场及影响力。


◾️图文致谢:白石画廊
◾️媒体合作:everyart2021
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展览|摩天轮画廊 《此地彼时》


◾️展览信息:
◽️《此地彼时》
◽️展期:2024.8.18-2024.11.8
◽️艺术家:史怡然 黄宝莹
◽️空间:摩天轮画廊
◽️地址:深圳市宝安区海府一号A栋603(需要预约)


◾️关于展览:
摩天轮画廊将史怡然和黄宝莹两位艺术家的最新创作呈现于展览“此地彼时(Here and Then)”,并邀请策展人顾灵来为本次展览穿针引线,策划主题,这是摩天轮画廊期盼已久的重要展出。

史怡然和黄宝莹的创作,从艺术家切身的场域出发,在看似生活化的场景中传递着细腻且有力的思索与感悟,她们的创作都是生活,传递着诞生自生活的艺术,这与画廊“将艺术融入生活”的理念不谋而合。两位艺术家一位从北方移居到南方,一位从东方辗转到西方,她们将跨文化、跨民族、跨地域的多元视角,将自己对于情绪、异乡、家庭、自我的观察与感知诉说在作品里,这也许是身处当下快节奏的城市环境中,人们最渴望被沟通与亟待被唤醒的思绪。

“此地彼时”是摩天轮画廊的第十个展览,置身画廊空间,回溯过往瞬间,我们在艺术中回转,在探寻中突破,第十个展览将是一个新的开始,路漫漫其修远兮,吾将上下而求索。我们期待摩天轮画廊的新老朋友能够享受在“此地”,感受到“彼时”。


◾️关于艺术家:
史怡然 1983年出生于内蒙古,现生活工作于杭州。史怡然长期以来的具象绘画都围绕着她的旅行经历展开,抽象的遥远时空与具体的当下情景之间的关系令她非常着迷。长期的异乡生活造就了她生命境遇的一种无根感。空间的转移与拼贴一直是诱发她创作的内驱力,以此为基础发展出有关地方性、场所、视觉经验与记忆错综并行的绘画语言。史怡然通过精准把握独特的表皮肌理来抓取“超感”和异样的魅境;持续探索色彩自身的语义,时而运用超越标准工业印刷的色域,让画面中的光之空间跳脱到观者眼前,形成不断涌现的平行现实。她借用版画中层层叠色的手法,把笔触变成单纯的区间。她还节制地使用胶带拼贴的手法,略带制作感的刻痕与书写性的笔触碰撞出时空误植的深沉诗意。她的作品已纳入东京艺术大学美术馆、浙江美术馆与成都现代艺术馆收藏。

黄宝莹 1997年出生于深圳,现生活工作于纽约。黄宝莹的绘画以静物和具体的场景为主,这些对她具有特殊意义的物件,承载着过去经历中感受到的苦楚、忧伤与流离。长年旅居纽约造就了她多层次的身份归属感,在绘画中,黄宝莹得以表达个人经验里根深蒂固却不连贯的情感以及隐藏于与外界的距离感背后那最内省和真实的自我,在对过去过敏和与当下脱节的冲突之间寻得慰藉。她尤其关注图像之间的关系,运用半透明媒介来实现画面中的图像并置,例如玻璃窗的反光或透底的复合图层。


◾️关于美术馆:
摩天轮画廊Ferris Gallery于2021年在深圳前海湾区创立,我们策划艺术家展览及艺术活动,启发人们对艺术的感知和探索。


◾️图文致谢:摩天轮画廊
◾️媒体合作:everyart2021
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展览|拾萬空间(北京)《悸动的肠道》


◾️展览信息:
◽️《悸动的肠道》
◽️展期:2024.9.14-2024.10.20
◽️艺术家:梁姝妮
◽️空间:拾萬空间(北京)
◽️地址:北京市朝阳区798艺术区798西街02号


◾️关于展览:
拾萬空间(北京)非常荣幸地带来艺术家梁姝妮的个展:悸动的肠道。本次展览分为两部分展开,一楼的空间呈现的是艺术家二十三件雕塑装置,二楼展厅则集中展示她的二十一件架上绘画作品。展览将于2024年9月14日开幕。
梁姝妮的创作一直从身体以及随之带来的切身感受和具体经验出发,进而去传递一种自内而外的小心试探的动机,并伸展出一种向外触摸的动作,最终尝试建立起对外部世界的生命感知。在普遍的意义上,身体是生命体的组织和结构,而在梁姝妮那里,身体不仅是体验生命的基础,同时还是与客观世界沟通的语言和渠道,因而在与外部环境不断交替的相互影响中,身体不断被放逐于自然环境、城市环境、生存环境以及情感环境的容器中,既抵触也依存——乃至身体与身体,也在不断尝试触摸、感受与窥探,最终,梁姝妮通过这一原始的途径感受和理解世界,身体也成为了她判断以及借由创作来描绘世界的第一生发地。
一楼展厅中的装置和雕塑便直击生命的缘起与死亡的遐想,那是骨与肉的诞生和消亡,一种生命从哪里来到哪里去的浪漫想象——锲入骨髓,又化归于事关宇宙万物的个人情感依托中。二楼的绘画作品则深入到具体的身体及局部结构与周围环境的关系,二者看似格格不入,但反映的恰是它们之间复杂、紧密乃至挣脱与依存的境遇,而艺术家的少数民族背景,她的性别以及细腻的情感和情绪,最终都化身于努力超脱现实又直逼身体感受的玄妙里……

◾️关于艺术家:
梁姝妮,1989年生于贵州贵阳。2010年毕业于云南艺术学院文华学院服装设计专业,现生活和工作于广东广州。

◾️关于美术馆:
拾萬空间对常规意义的方盒子展览保持警惕,意欲从当代艺术语言中的语法和语意结构出发并将之延展到更广泛的领域;希望通过持续的展览和项目,激发出当下文化中被忽视的部分,将当代艺术思想和价值生发到你我的身边。


◾️图文致谢:拾萬空间
◾️媒体合作:everyart2021
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展览|凯旋画廊 「涌现」

◾️展览信息:
◽️「涌现」
◽️展期:2024.9.7-2024.10.13
◽️艺术家:徐渠
◽️空间:凯旋画廊 TRIUMPH GALLERY
◽️地址:北京市朝阳区酒仙桥路798艺术区2号院A05


◾️关于展览:
凯旋画廊荣幸宣布将于2024年9月7日至10月13日期间,推出艺术家徐渠在画廊空间的首次个展「涌现」。展览从徐渠作品的多元性入手,囊括绘画、影像、装置、雕塑、再到墙绘及壁纸,呈现艺术家在不同媒介创作中对于不同议题和社会系统运转间关联的思考。

在这个名为“涌现”的展览中同时包含了一部戏剧,它将池塘、迷宫与陀螺的三重意象铺展为渐次递进的三幕,只是时序在这里不再起到任何决定或限制作用:在展厅/舞台上时间以空间化的形式呈现,如同穹顶的另一个变体。然而在这出戏剧中贯穿着一种相反的运动,从收缩和下沉——在普鲁斯特那里,精神蜕去了物质和具体事物“难以消化的外壳”,回到自身和记忆的内在世界——转为弥散和涌现——从物质性的“泥淖”和具体事物的“外壳”中有某种东西正要穿出和显现它自己。

◾️关于艺术家:
徐渠,1978 年生于中国江苏 ,2008年获得布伦瑞克艺术大学艺术与电影专业硕士学位,现工作、生活于中国北京。
徐渠通过艺术实践传达其对社会的态度以及对世界的认知。他的创作核心在于探寻不同维度和领域内社会系统之间的相互关联。始于对社会现实敏锐深刻的洞察,徐渠由目光所及的细微处出发,见微知著,穿梭于不同价值体系和审美经验,延伸出对于社会系统运转间关联的反思。基于他对于自身思索凝练且清晰的呈现方式的追求,徐渠在艺术实践中针对不同议题选择适宜的媒介,他的艺术实践呈现出多元性,涉及绘画、行为、影像、 装置和雕塑。
徐渠部分个展包括:《无恶不欢》,南山社,西安,中国,2023;《徐渠:降临》,龙美术馆西岸馆,上海,中国,2023;《中轴线》,当代唐人艺术中心,首尔,韩国 ,2023;《复活》,当代唐人艺术中心,北京,中国 ,2021;《直线》,当代唐人艺术中心,香港,中国,2021;《旷野》,亚纪画廊,台北,中国,2020;《成色》,MDC画廊,香港,中国,2019;《混沌》,MDC画廊,米兰,意大利,2019;《疼痛》,天线空间,上海,中国,2018。徐渠在路易威登基金会艺术中心(法国巴黎)、K11 艺术基金会(中国香港)、尤伦斯当代艺术中心(中国北京)、泰康空间(中国北京)、OCAT 上海馆(中国上海)、二十一世纪民生美术馆(中国上海)、龙美术馆(中国上海)、广东时代美术馆(中国广州)、松美术馆(中国北京)、和美术馆(中国佛山)等国内外知名机构参加过群展。

◾️关于美术馆:
凯旋画廊于2007年在北京798艺术区创立,画廊主营当代艺术与20世纪中国艺术。
凯旋画廊作为中国艺术商业发展初期成立却依旧活跃的画廊,坚信用艺术语言表现人类境况是理解世界的高级方式。画廊持续关注艺术生态,帮助及支持艺术家对艺术语言的探索,并在其职业生涯的发展中起着重要作用。同时,协助藏家及艺术机构建立专业的收藏体系。画廊目前正向西方现当代艺术领域拓展,并帮助藏家开启这一领域的收藏及体验,以专业、内敛的态度,在全球化的视野中推动当代艺术。


◾️图文致谢:凯旋画廊
◾️媒体合作:everyart2021
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展览|空白空间 《世界就这样持续了很久》

◾️展览信息:
◽️《世界就这样持续了很久》
◽️展期:2024.9.7-2024.10.19
◽️艺术家:吴思林
◽️空间:空白空间
◽️地址:北京市顺义区金航东路3号院D7栋1层


◾️关于展览:
我们高兴地宣布,吴思林在空白空间的第二次个展“世界就这样持续了很久”将于2024年9月7日开幕并持续至2024年10月19日。本次展览将呈现吴思林最新的丙烯绘画创作。
相较于过往的创作,吴思林新近的绘画并不直接以某个文本作为作品最初的来源和启发,而是将其思绪投注到“灾难”的主题中。近年来各式人为或自然灾难的频发让人无法忽视,画家则在其画布上对其加以描绘与回应——战争机器倾然而至,洪水奔涌来去,留下一地狼藉……
在这样的主题之下,画家那一贯的充盈着想象力的细节和融合了多重透视的方法描绘着她所忧虑的世界,提供给观者以诸多省思的瞬间。《空袭》里,线描轻轻勾勒的战斗机于画面中划过,残缺不全的窗帘映照着四分五裂的田野,而孩童的风铃飘摇其间,召唤着已然破碎的家园。在《残骸》中,事物间的形体差距被极限地放大,庞然的坦克以不容置疑的体量碾压着其下的世界;相形之下,土地之上的士兵、树木如螳臂当车般被碾轧殆尽。而《世界上的某个角落》则以更为细琐的内容与情节展现出战场之下的生灵百态。这些看似“黑暗”的内容在画家稚拙的画风中看似被加以消解,却让人更感残酷。
另一方面,作为吴思林的创作中一大特征,画家在此次的创作中仍然有意识地将画框本身加以改造甚至雕塑化,这些处理不仅时常改造着我们面对画面时的观看体验,更与画面内容形成更为有机的整体。《人类搬走以后》左缘物件的加入形塑出炮弹轰击地面的质地,更将原本平行的视角扭转为俯视。《网》周边伸出的四条边框延展和强化了画面中本体与倒影形成的网状结构,而点缀其间的雕塑物则进一步使得画面呈现出难辨其向的错觉。而例如在《残骸》中顺延坦克炮管绽放出的玫瑰,则暗示出画家对其所绘画残酷局面仍留存的希冀。
而诸多作品中反复出现的树木,或孑然而立,或簇拥成林,即便被灾难倾覆摧倒,其后仍然勉力地生长。在某种意义上,它们也应和着画家对这一动荡不安世界的体悟和反思:世界运行有常,在这失望与希望并行的时刻,偏离的轨道也终将在万物对生命的渴望中重新回归。

◾️关于艺术家:
吴思林的绘画创作既包含着东西方绘画的经验与传统,又混合着她的奇思妙想与对个体生存状态的共情与省思。在她的绘画中,丰富的色彩在出人意料的线条与笔触中流转、具象的人物身姿则在转瞬间幻化为抽象的图景。于她的笔下,透视随心绪恣意地变换、不受束缚,而情感则落实到每一处细微的起落笔尖。人物与周遭共构成出人意料的剧场,并在不断累积的创造过程中,形塑出一个属于艺术家自己丰富、完整而迷人的世界。
吴思林,1992年出生于中国重庆,现生活和工作在北京。2015年在中央美术学院实验艺术学院获得学士学位,2021年在中央美术学院版画系获得硕士学位。

◾️关于美术馆:
空白空间于2004年创立于北京,2009年迁至草场地并展开全新的艺术计划,2021年在顺义区开设空间并持续至今。作为推动全球当代艺术传播与交流的专业画廊机构,空白空间以高度策展性和研究性的方式成为中国极具先锋和实验精神的艺术发声场之一。


◾️图文致谢:空白空间
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|白石画廊 《涌的频率》| The Traces of Driving Rapids

◾️展览信息:
◽️《涌的频率》| The Traces of Driving Rapids
◽️展期:2024.8.10-2024.9.7
◽️艺术家:任天进
◽️空间:白石画廊(北京)
◽️地址:北京市朝阳区酒仙桥路4号798艺术区七星东街

◾️关于展览:
白石画廊北京欣然宣布将于2024年8月10日-9月7日期间,呈现任天进(b.1962)个展《涌的频率》。开幕活动将于2024年8月10日周六下午3-5时进行,届时艺术家本人将莅临现场。

“涌现”是事物量变引发质变的过程,是新与旧的互动和回响。它存在于自然界、生命群体和宇宙中,是创造性和可能性的诞生地。人控制不了非本体之“涌现”,但偶尔能捉摸到本心“涌现”的频率,通过强化学习,与“混沌边缘”被更迭的自己此消彼长地对话、共舞,从而接近了改写未来时序的可能。
任天进的艺术创作,如同一场与心流“涌现”的对话,亦是一次与创作对象能量互换的修行。他以其独特的艺术语言,探索着自我生存模式和精神内核的重构路径。

任天进作为一位兼具深厚学养和阅历丰富的艺术家,多重身份也塑造了他在丰盛的社会资源中游刃有余、同时精进内省的生活方式,对东西方文化背景下的书法艺术的深刻思考亦展现于他的创作之中。他对书法的审美方法非常严谨 – 既理解汉文化圈对书法是从文本内涵、章法布局到笔法墨韵的全方位的赏析,也理解西方人在观看书法时的局限,更偏向从画面布局、笔触气势等更直观的层面去把握。从这当中他领悟到,东方的书法家如果能从西方的鉴赏方式中获得借鉴和启示,能使书法艺术从内部实现其现代转型。

任天进在近六年进行了十分具实验性且高产的创作,同时他采用了形式多样的绘画工具,造就了质感层次丰富、极具风格辨识度的系列作品,包括基于书法原初笔划创作的《一划》系列,每一“划”都极富个性和差异;《山恋》系列,是艺术家用油画刀书写的一个变体阶段,从抽象编码逐步转型到具象塑形的过程。展览还将展出艺术家的《莫奈》、《侧记》、《境游》、《云梦》系列作品,望观者在笔触构建的空间之中,寻找到藏匿的象形,感受到山水气息的灵性以及人与其能量的交换。艺术家最具影响力的雕塑《太湖石》、《胡杨》系列也在展览中呈现;作品巧妙地融入了三维的文书和笔法,将古老的传统和当代的生命力结合,引发观者对生命和真理的思考。任天进的艺术语言并非孤独或高高在上,而是充满亲和力,如同流动的旋律;是自然而然的发生、倾斜而出的“涌现”。


◾️关于艺术家:
任天进(b. 1962)中国美术学院艺术学博士、法国格勒诺布尔高等商学院管理学博士、美国加州大学伯克利分校哈斯商学院博士后。中国美术学院现代书法研究中心研究员、美国加州大学伯克利分校哈斯商学院研究员。
艺术家任天进致力于书法、绘画、雕塑和装置等艺术的创新创作。几十年里游走在东方与西方文化之中,多元的社会文化环境,令他深入吸收了东西方文化的精髓,其鲜明独特的艺术风格植根于传统文化,却不拘泥于传统;从东方艺术根基出发,吸取了西方艺术创作手法的精髓,他的艺术创作是开放式、跨边界、跨语境的实践,既蕴含了传统的返璞归真之纯美,又融入了西方现代主义的简约奔放,显示了他自由的创造力和想象力,同时在创作中巧妙而大胆地将各种表现形式有机融合,使作品具有极强的故事性和观赏性,跨越了传统与当代、设计与纯艺术之间的界限,显示了不同时空下,不同文化和思想之间的碰撞交流、穿越和并行。多幅作品被著名博物馆、艺术院校、重要机构和个人所收藏,其中包括美国旧金山亚洲艺术博物馆、芝加哥艺术学院、中国美术学院、上海实业、平安集团、东原集团、英国阿斯顿马丁拉贡达公司等。

◾️关于美术馆:
1967 年以东京为中心,于银座创立画廊以来,白石画廊持续作为艺术业界中少数具先驱性的存在。2012 年设立“轻井泽新艺术美术馆”,是在日本少数的私人美术馆项目。自2015年以来,白石画廊相继在香港、台北、新加坡、北京、首尔设立画廊空间,持续深耕亚洲艺术市场。与知名建筑师隈研吾先生多次合作,呈现白石画廊的审美理念及展示当代艺术的视野。不忘初心,白石画廊将继续支持来自世界各地有建树的艺术家,同时也推广年轻艺术家,拓展国际市场及影响力。


◾️图文致谢:白石画廊
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|白石画廊(东京)《InterxFaces—交错的面孔》

◾️展览信息:
◽️《InterxFaces—交错的面孔》
◽️展期:2024.9.6-2024.9.28
◽️艺术家:高桥宣光、川岛优、辻本建辉
◽️空间:VENUE白石画廊
◽️地址:东京银座新馆东京都中央区银座 6-4-16
Whitestone Ginza New Gallery, 6-4-16 Ginza, Chuo-ku Tokyo, 104-0061, Japan


◾️关于展览:
白石画廊银座新馆为您欣然呈现高桥宣光、川岛优、辻本建辉的三人展《InterxFaces—交错的面孔》。本次参展的三位艺术家他们分别是,以丙烯美人画而闻名的高桥宣光(b.1966)、以岩彩画为基调的川岛优(b.1988)、以及以油画颜料、丙烯、岩彩等为基础的复合媒体艺术家辻本健辉(b.1989)。
从“肖像画”的主题俯瞰三位处于不同世代、且有着不同背景和技法的艺术家,在凸显他们各自的视点和个性的同时,探索出他们之间会产生怎样的交感和共鸣。
高桥宣光多用丙烯、气枪、树脂等描绘人物,色彩明快且充满节奏感的画风吸引了众多人的视线。关于为什么会偏爱画“脸”,高桥举例说明到因为人类感官的所有“输入和输出”几乎都是通过“脸”而来的。通过作品,高桥探讨了日趋复杂化的现代感性和交流的形式。
川岛优的作品皆是只有黑白两色,给人的第一感觉是让人联想到冷酷的大理石纹理。川岛所描绘的静态表情的女性形象,并没有特定的模特,而是通过他自己内心的过滤器体现了许多女性的表情。在这种神秘的氛围中,也包含了人们对现世的不安。
“轨迹”是辻本健辉作品的主题之一,从古文书、神话、自然和他人的笔迹等中提取作为主题的动植物并创造出梦幻且令人着迷的画面质感。虽然辻本还很年轻,但其成熟的世界观却包含着悠久的时间轴,与岩彩等随处可见的材质融合在一起让人感受到无尽的生命力。
在由三位艺术家描绘的“脸”所创造出的时空中,我们究竟可以窥见到怎样的时代性?我们衷心期待您的到来。

◾️关于艺术家:
高桥宣光(b.1966)的创作受到喜多川歌磨和写乐的版画和佛像的影响,回到日本后,他继续以他在纽约手工照相排版的经验,使用图层(图层群)来进行创作。他擅长一种以人脸和身体为主题自由表达阴影和色彩的风格。通过重复的在其作品中输入和输出,他将重叠时间的生活状态像层次结构一样投射到过去、现在和未来。

川岛优(b.1988)日本当代艺术当中最具前途的艺术家之一。他不但继承了日本传统绘画技术,同时运用单调的纹理和敏锐的笔触绘出他独特及非人性的肖像来触动社会的心灵。于2013年自爱知县立艺术大学毕业后,继续修读日本画课程硕士学位。同年,首次在〈INTEN展〉中获得奖项;并在次年的“FACE 2014” 获得艺术大奖以及观众奖,得奖作品《TOXIC》被东乡青儿纪念损保日本兴亚美术馆所收藏。川岛在2015年于白石画廊东京举办第一次个展,他的作品同时也在世界各地的艺博会中展出,如香港、台湾和上海等。

辻本健辉(b.1989)在家乡的画塾学习了绘画的基础之后,又自学了油画的技法。在2007年长崎县展上以最小的年龄获得了野口弥太郎奖。2013年在昭和会展(日动画廊主办)上也获得松村谦三奖。不仅如此,他还在各地的团体展上崭露头角。

◾️关于美术馆:
1967 年以东京为中心,于银座创立画廊以来,白石画廊持续作为艺术业界中少数具先驱性的存在。2012 年设立“轻井泽新艺术美术馆”,是在日本少数的私人美术馆项目。自2015年以来,白石画廊相继在香港、台北、新加坡、北京、首尔设立画廊空间,持续深耕亚洲艺术市场。与知名建筑师隈研吾先生多次合作,呈现白石画廊的审美理念及展示当代艺术的视野。不忘初心,白石画廊将继续支持来自世界各地有建树的艺术家,同时也推广年轻艺术家,拓展国际市场及影响力。


◾️图文致谢:白石画廊
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|今格空间 《沉默》

◾️展览信息:
◽️《沉默》Silence
◽️展期:2024.8.3-2024.9.30
◽️艺术家:付小桐
◽️空间:今格空间(深圳)
◽️地址:深圳市南山区蛇口望海路1187号海上世界文化艺术中心L2-201A

◾️关于展览:
今格空间很荣幸的宣布将承办付小桐在今格空间的第二次个展“NUN-6 Silence”将于2024年8月3日开幕。本次展览是艺术家在深圳的首次个展,展览将持续到9月30日
“NUN”是艺术家近年来一直使用的个展名称。在古代,“NUN”指的是一个混乱的生命体,曾经被称为地球母亲,现在被翻译为修女。付小桐利用“修女”这一古老的女性母题,开始探索女性与社会、女性与精神世界的方方面面。在付小桐的艺术线索中,她经常以代表身体的宣纸作为创作的源头,然后延伸到雕塑、电影等不同的媒介。作品从女性的视角进行反思和思辨,同时从心灵的形式上散发出东方的审美气质。
在本次展览中,付小桐将展出其最新的“纸上针孔”系列作品,将“山水”的形态巧妙地转化为一层层起伏的山丘,漂浮在云层之上的峻岭前。它似乎是云雾的峰顶堆积成一幅广阔的山景,或者是背影那平静安详的身影。
艺术家的线条准确地将前景推向了远景,使作品散发出一种空灵的魅力。另一组作品是一个5米长的纸作品,由40张小宣纸组成,灵感来自付小桐在柏林和北京之间飞行时飞机上的云。她将这些对云的记忆转化为抽象的视觉和含蓄的张力,呈现在宣纸上;在平面上观察到的“云”和针以图像的形式并列在一起,其中云从西向东漂浮,针从东向西移动,刺入艺术家的瞳孔,形成了无限接近和不可接近的状态。这种锐利的视角更多地来自于艺术家的自觉选择——女性的脆弱与坚韧,在文化差异中努力清醒,在作品的拓展中不断重塑自己的主体性。

◾️关于艺术家:
付小桐,1976年出生,中国山西人,2000年毕业于天津美术学院油画系,获学士学位,2013年毕业于中央美术学院实验艺术系,获硕士学位。她目前在柏林和北京生活和工作。近年重要个展:NUN-6(银杏空间,深圳,2024);NUN-3(北京银杏空间,2022);NUN-3 (Chambers Fine Art,纽约,2022) 付小桐作品被Fidelity Arts、美国康奈尔大学约翰逊美术馆、美国洛杉矶郡立美术馆、澳大利亚白兔美术馆、中国浙江美术馆等公共机构收藏。

◾️关于美术馆:
今格空间2014年在北京成立,2017年入驻蜚声中外的北京798艺术区,2023年6月在位于上海普陀区西苏州河畔的M50艺术区开辟新空间,同年9月在风景秀丽的深圳蛇口海上世界文化中心开幕大湾区首个空间。 作为一家当代艺术收藏投资的专业咨询服务机构,今格空间关注多元化的当代艺术表达,积极支持艺术家的创作实践并帮助建立其声望;同时,我们聚焦收藏家在社会变革的大背景下因文化身份、历史使命、生活方式、多元投资等需求与当代艺术进行的深层对话。

◾️图文致谢:今格空间
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan
展览|宏艺空间 《身体图式》

◾️展览信息:
◽️《身体图式》Body Schema
◽️展期:2024.8.15-2024.9.15
◽️艺术家:李里
◽️空间:宏艺空间一号馆
◽️地址:深圳市福田区深南大道1003号 大中华IFC 1楼

◾️关于展览:
这是一次对身体建构以及边界的探讨,当静态的平衡与动态的联合相辅相成,交织在一个场域中,仿佛可以触及心灵。“身体图示 Body Schema” 把日常身体的部位以一种互相关联、不可分割的状态表现出来,被感觉着的感觉是身体的存在,是运作意向性。
在《一次自省-自我建筑的砖块 An Introspection - Bricks of Body Architecture》 系列作品中,当身体融入体验的对象,唤起了各种觉知并完成了现象层面的转化,与外在对象形成了一种情感的联合。“感官的边界之外是身体的边界,身体的边界之外是空间的边界,空间的边界之外是城市的边界,城市的边界之外是世界的边界”,LAMPLEE希望让观众重视观察身体内部的感觉,以及周围空间所带来的肢体延伸。
在作品 《联合身体剧场 The Body Theatre》 中,随着行为者的身体姿态产生变化,身体化身为砖块,非仅仅只是一个姿态的重现,而是从习惯来理解回到了自身协调,这是身体图示所指向的其中一个意义:生命的成长便是周而复始不断经历着新生整合,新的秩序出现之前,旧的秩序逐渐解构凋零。

◾️关于艺术家:
LAMPLEE 李里是一名设计美指和综合材料创作者,研究涉及纺织艺术、技术交互和现象学,也受东方“圆融” 精神的影响,将多角度、平衡的美学元素融入的方方面面,呈现感觉的并置与分离并暗示着一种动态的整体性一—即所有元素在相互影响的进程中形成自相矛盾的并列。在完成英国皇家艺术学院的专业学习后,逐渐拓宽早期实用性为主导的设计观念,更加专注于对感官体验的刻画与表达,致力于通过更多元自由的艺术实践深入自身对理性诗意的美学探索。

◾️关于美术馆:
GREAT ART SPACE 致力于发掘和扶持有潜质的艺术家,提供国际艺术交流平台,培养大众的艺术鉴赏能力,让艺术走进我们的生活。通过展览、艺术活动和与其他艺术机构的合作,画廊以与艺术家的密切合作为我们的观众创造一种新的生活方式而自豪。GREAT ART SPACE 洛杉矶空间坐落于比佛利山庄的金三角,是比佛利山庄的第一家 NFT 画廊,致力于展览策划收藏来自于世界各地的当代艺术,并持续鼓励发展国际艺术交流的精神。

◾️图文致谢:宏艺空间
◾️媒体合作:everyart2021
Eavan