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创建于:2024-07-27 19:41:35
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贾米安·朱利亚诺-维拉尼JamianJuliano-Villani(1987)贾米安·朱利亚诺-维拉尼将对当代视觉文化的广泛喜爱与对具象绘画悠久历史的深入了解相结合,从众多的参考素材中汲取灵感,创作出令人难以置信且富有感染力的画面。朱利亚诺-维拉尼1987年出生于新泽西州纽瓦克市,现居纽约并在此工作。作为商业丝网印刷工人的女儿,她小时候曾在父母的工厂里帮忙,顶着97华氏度的高温折叠了四千多件约翰·保罗二世教皇的T恤衫,同时深受90年代和00年代大众市场印刷设计的影响。她毕业于新泽西州罗格斯大学的梅森·格罗斯艺术学院,获得艺术学士学位。在校期间,她受到了该机构与激浪派的历史联系、约翰·尤和拉斐尔·奥尔蒂斯的教导以及齐默利艺术博物馆70年代苏联概念派绘画藏品的影响。2013年,朱利亚诺-维拉尼在纽约的罗森项目空间举办了她的首次个展《我,我自己和耶和华》,展出了融入拉尔夫·巴克希1992年电影《酷世界》中角色的画作。这些作品探讨了种族、身份、挪用等主题,比如在《热浪》(2013年)等画作中,还展现了绘画等级制度的崩塌,同时揭示了这位艺术家对卡通民主性质日益增长的欣赏。此后,朱利亚诺-维拉尼在纽约、伦敦、米兰、上海等地举办的展览中,继续创作出一系列源自她高中时期就开始积累的视觉素材的画作。用她自己的话说,她是在“以转瞬即逝之物创作转瞬即逝之物”,通过精心挑选和聚焦,她旨在提升其描绘对象的地位。有些画作中出现了艺术家本人的写作片段,或是诸如奥瓦塔奇(1894-1985)等其他艺术家的作品,而另一些画作则以刻意的模糊性来挑战种族和性别刻板印象。朱利亚诺-维拉尼于2021年在挪威斯塔万格艺术厅(KunsthallStavanger)举办的展览《试着解释你的感受》(TryExplainingHowYouFeel),通过从独特的美国视角重新构想卡雷尔·阿佩尔(KarelAppel)的粗犷阳刚之气和贫穷艺术(ArtePovera)的美学,对美国的历史和自我形象进行了松散的审视。2022年,朱利亚诺-维拉尼在纽约蒙托克的牧场(TheRanch)与已故的迈克·凯利(MikeKelley)的作品一同展出,该展览揭示了两位艺术家作品之间众多直接和间接的共鸣,包括他们对卑贱和亵渎形象的共同偏爱。同年,她的画作被纳入塞西莉亚·阿莱马尼(CeciliaAlemani)策划的第59届威尼斯双年展(59thBiennalediVenezia)“梦之乳”(TheMilkofDreams)展览。2021年,朱利亚诺-维拉尼与长期合作伙伴比利·格兰特(他是Dearraindrop集体的创始成员)以及来自流行迪斯科二人组Sateen的鲁比·扎尔斯基共同开设了东村画廊和项目空间O'Flaherty's。在运营的第一年,画廊展出了金·丁格尔、阿什利·比克顿、安西娅·汉密尔顿、博博和Gelatin的作品。2022年夏季项目《爱国者》的公开征集活动收到了一千多件作品。正如朱利亚诺-维拉尼的绘画实践依赖于对众多外部资源的重新语境化一样,O'Flaherty's也致力于展示同事和合作伙伴的作品。这个空间是她与格兰特十年合作实践的重要组成部分,也是他们两人艺术实践的延伸。
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沃尔顿·福特WaltonFord(1960)沃尔顿·福特的大幅水彩画借鉴了传统自然历史艺术中详尽的细节和叙事范围,却颠覆了其惯例。福特从各种不同的视觉和文字资料中汲取灵感,包括博物学家的插图和场景模型、科学实地研究、探险家的记述、动物园管理员手册,以及寓言、神话、历史艺术和好莱坞电影。他富有想象力地诠释了这些材料中的事件,还常常在画作边缘题写文字,以提供更多的阐释。他描绘了文化与自然历史的交汇点,暗指殖民主义、物种灭绝以及人类世所带来的生态后果,同时以诙谐和讽刺的笔触缓和了作品中的暴力、悲剧和对自然界的哀悼。福特出生于1960年,在纽约的哈德逊河谷长大。如今,他居住和工作在纽约市。他曾就读于普罗维登斯的罗德岛设计学院,于1982年毕业。20世纪90年代初,福特开始将自然历史插图的元素融入自己的作品中。1994年,他在印度待了几个月,期间一边画当地的鸟,一边思考全球殖民主义的影响,这促使他持续思考野生动物和历史寓言,而这也成为了他创作的核心。2006年,沃尔顿·福特的《怒虎:水彩画》在纽约布鲁克林博物馆展出,随后巡展至佛罗里达州西棕榈滩的诺顿艺术博物馆(2007年)以及得克萨斯州圣安东尼奥艺术博物馆(2007至2008年)。这场中期回顾展展出了五十多幅巨幅且细节精致的水彩画,其创作灵感来源于包括博物学家约翰·詹姆斯·奥杜邦和探险家理查德·伯顿等历史人物的记载。2007年,塔森出版社出版了《五卷书》,这本大部头图书以一部古老的印度动物寓言集命名,全面概述了福特的职业生涯。2010年,福特在欧洲的首次机构展览《兽谱》在柏林的汉堡火车站当代艺术博物馆展出,并巡展至维也纳的阿尔贝蒂娜博物馆和丹麦胡姆勒巴赫的路易斯安那现代艺术博物馆(2010-2011年)。随后,2015至2016年,他在巴黎的狩猎与自然博物馆举办了一场展览,展出了他创作生涯中的作品,以及一系列受法国18世纪神秘狼形生物“吉瓦丹野兽”启发创作的作品,这些作品与博物馆的历史艺术藏品和动物标本陈列融为一体。2017年,高古轩画廊(比弗利山庄)举办了“卡利法亚”展览,展出了受加利福尼亚神话、传说和民间故事启发创作的全景画,画中出现了灰熊、狮鹫、米高梅狮子以及从拉布雷亚沥青坑中浮现的史前生物。2022年,高古轩画廊在纽约举办了福特的巨幅水彩画展,作品主题包括西班牙探险家卡韦萨·德·瓦卡的旅程、最后一只大海雀的捕杀以及被奥杜邦描绘的金雕捕猎场景。这些作品将野生动物作为幻象和象征,探讨了历史资料中对真相的扭曲。
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斯特林·鲁比SterlingRuby(1972)斯特林·鲁比的作品涉及自传、艺术史以及社会内部的暴力和压力等问题。他运用多种美学策略和媒介——包括雕塑、绘画、拼贴、陶艺、油画和视频——来探究流动性与静止性、表现主义与极简主义、卑劣与纯净之间的张力。鲁比出生于德国比特堡空军基地,父亲是美国人,母亲是荷兰人。他幼年时移居美国,在宾夕法尼亚州东南部的一个农场长大。在那里,他接触到了阿米什人的拼布工艺和宾夕法尼亚红陶,这两者直接激发了他最初涉足服装制作、软雕塑和陶艺创作的灵感。1996年,鲁比毕业于兰开斯特的宾夕法尼亚艺术与设计学院。2002年,他从芝加哥艺术学院获得艺术学士学位,随后于2005年在加利福尼亚州帕萨迪纳的艺术中心设计学院获得艺术硕士学位。鲁比在洛杉矶生活和工作,这座城市有形和无形的景观为他提供了源源不断的灵感。他的“SP”系列画作(2007-2014年)中的一个子系列“VIVIDS”(2014年)是受他去工作室途中变幻莫测、色彩斑斓的天空启发而创作的充满活力的色彩场域,而“SUBMARINE”(2015年)和“TABLES”(2015-2019年)系列则是用附近回收的庞大工业部件创作而成。鲁比的作品常常探讨诸如城市标记和涂鸦之类的破坏行为如何能产生一种绘画式的崇高感。无论是他的“YARD”系列画作(2015-2016年),还是“WIDW”系列画作(2016年-),他都借鉴了拼贴画的速度和动感,将漂白的布料和硬纸板碎片融入其中,并将抽象的色彩场域与工作室的废弃物碎片相结合。鲁比不断突破艺术媒介的界限,于2019年推出了自己的成衣系列。
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乌尔斯·费舍尔UrsFischer(1973)乌尔斯·费舍尔挖掘各种材料的潜力——从黏土、钢铁、颜料到面包、泥土和农产品——创作出令人迷失方向、感到困惑的作品。通过比例失真、错觉以及常见物品的并置,他的雕塑、绘画、照片和大型装置作品探索感知与表征的主题,同时保持着机智的不敬和尖刻的幽默。费舍尔1973年出生,其艺术生涯始于在苏黎世设计学院学习摄影。后来他曾在伦敦和洛杉矶生活,并在柏林和纽约与鲁道夫·斯汀格尔共用工作室。在他的作品中,缺席与在场的主题以及艺术创作的过程贯穿始终,费舍尔利用桌子、椅子、阴影和光线来探索变形和拟人化。在《带(1995-2001)》中,圆鼓鼓的布面椅腿与木椅融为一体,而在《为不同坐姿设计的椅子研究》(1993年)中,覆盖在家具上的锯末和橡胶模具暗示了人体的缺席。食物也是费舍尔作品中的一个重要元素。腐烂、融化、崩塌的食物与金属、砖块和灰浆等永久性材料并置,起到了警示死亡的作用。《腐朽的基础》(1998年)由一座砖砌结构建筑构成,其基础是正在腐烂的农产品;《无题(面包屋)》(2004-2005年)是一座用面包建成的瑞士小木屋,任由长尾小鹦鹉啄食;而在《问题画作》(2010年-)中,铝板上的肖像被鸡蛋、辣椒和猕猴桃的图像以及扭曲的螺栓和半支香烟所遮蔽。2009年,费舍尔在纽约新博物馆举办了《玛格丽特·德·蓬蒂》展——这是他在美国博物馆举办的首次大型个展,展出了包括镜面迷宫和令人毛骨悚然的壁纸房间在内的沉浸式装置和幻觉环境系列。2011年威尼斯双年展上,他用蜡复制的16世纪晚期詹博洛尼亚的雕塑《掠夺萨宾妇女》慢慢融化,高悬在描绘着办公椅和戴着眼镜、穿着运动外套的男子的蜡烛上方。费舍尔自2001年以来创作的蜡烛作品,既证明了他对熵的掌控,也体现了他对传统的兼收并蓄与摒弃。费舍尔于2012年在高古轩举办了首次个展。次年,在洛杉矶当代艺术博物馆举办的回顾展中,他邀请了1500名志愿者在开幕前几周于盖芬当代艺术馆制作黏土雕塑,这是他正在进行的项目“是”(2011年至今)的一部分。此后,他多次在高古轩举办展览。2018年的“玩”展展出了马德琳·霍兰德编排的舞蹈,他将纽约西21街541号的画廊改造成了一个充满偶然相遇的场所,参观者与仿佛拥有生命的办公椅互动。2022年,在洛杉矶的马尔基亚诺艺术基金会,他展出了数字雕塑“混沌#1-#500”,以一组投影视频的形式呈现,每组视频都包含一对虚拟物体,它们环绕并相交。这件作品探索了运动、空间和同时性,由3D建模、动画和动作捕捉方面的专家耗时两年完成。在《分母》(2020-2022年)中,该作品于2022年首次在纽约西24街555号高古轩画廊展出,费舍尔呈现了一个12英尺高的LED立方体,上面展示着电视广告片段,这些片段以不断变化的组合形式贯穿了这一媒介的历史。费舍尔每完成一项材料上的壮举,就会以复杂而有趣、杂乱却完美的方式开启另一项挑战。
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贾蔼力JiaAili(1979)贾蔼力是中国新一代艺术家中的先锋人物,他最为人所知的作品既蕴含着艺术史的知识,又充满挑战绘画现有形式和边界的冲劲。贾蔼力早期创作的目标是反映个体的脆弱性与整个社会变迁之间的对应关系。他通过广泛的艺术实践不断探索和发展这一理念,其作品融合了抽象、肖像、奇幻意象、日常生活场景以及文化符号,巧妙地将过去、现在和未来交织在一起。贾于1979年出生在中国东北的丹东。他的童年和青少年时期见证了这个国家的巨大变革。2004年,他毕业于沈阳铁西区鲁迅美术学院第二工作室(新具象主义),随后于2005年至2007年在那里任教。结束教职后,贾搬到了北京的黑桥村,同年他的突破性个展《荒原》开幕,使他登上了国际舞台。2008年,北京举办奥运会的那一年,贾开始创作《我们来自世纪》(2008-2011)。这幅史诗般的画作展现了他精湛的社会主义现实主义技巧以及对古代大师的深刻理解,包括运用多层薄而透明的色彩来营造光与影、形与空间之间的生动对话。贾笔触中较为松散的部分借鉴了中国古代道教绘画中具有神秘象征意义的图像,以实现他在人类共同处境中探索自我剖析的目的。在随后的作品中,贾运用了流畅的自然主义手法,描绘出令人信服的奇异场景,并营造出富有情感分量的氛围。贾将创作过程描述为本质上是直觉性的,他运用形式逻辑来召唤出一种超凡的视觉体验。在过去的十年里,贾继续以宏大的规模进行创作,通过更微妙和复杂的色彩运用及结构,拓展了其早期画作那种阴暗、戏剧性的风格。他创作的发展历程可以通过一系列展览来追溯,这些展览在新加坡美术馆(2012年)、威尼斯格拉西宫小剧场(2015年)、西班牙马拉加当代艺术中心(2017年)以及纽约高古轩画廊(2019年)举办。在2019年纽约高古轩画廊的展览中,展出了29幅画作,其中包括四联画《小奏鸣曲》(2019年),在这幅作品中,硬边多面体在超凡脱俗的场景中漂浮,这些场景通过解体的主题相互连接,反映了这位艺术家作为画家的最新突破。自2018年以来,贾一直在纽约设有一个工作室。在过去的几年里,贾先生走访了中国与朝鲜、俄罗斯和蒙古接壤的边境地区,沿着乌苏里江和黑龙江的部分河段,以及大兴安岭山脉,由此开启了一系列的山景画创作。这些作品将他对历史和文学主题的探究与真实地点的特性相结合,同时借鉴了卡斯帕·大卫·弗里德里希(1774-1840)浪漫主义风景画的风格。部分画作采用传统的画框,还有一些则置于玻璃罩下,玻璃上刻有即兴创作的线条图案。这些线条图案可以被解读为对山景模糊性的精神体现,以及现实主义与抽象主义的交汇。第三组作品则融入了更大的独立式金属和玻璃框架,将画作转化为特定场地的装置艺术。这一系列作品标志着贾先生创作风格的转变,但依然保留并拓展了其作品中那种转变和幻想的感觉,再次将人类体验与广袤的自然相联系。
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