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创建于:2024-07-27 19:41:35
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1996年英国特纳奖得主:道格拉斯·戈登DouglasGordon(1966-)1984-1988年,戈登格拉斯哥艺术学院学习雕塑和环境艺术。在1988-1990年,在伦敦斯莱德艺术学院就读,并深入探索他对电影和影像的兴趣。1990年毕业后,回到格拉斯哥,并参与了TransmissionGallery。于两年后,在格拉斯哥的Tramway展出《24小时惊魂》。20世纪90年代中期,戈登移居德国科隆,并于此创作了《从上帝到虚无》(1996),一件跨越四面墙的文本作品;《三英寸黑》(1997),一组照片;《暗雨光明之间》(1997),一个大型视频装置。2000年,戈登在英国利物浦泰特美术馆举办了首次大型回顾展《黑点》。展览汇集了其主要作品,以艺术家设计的广阔布局展出,从博物馆顶层延伸至货运电梯,最终抵达馆外一处地点。随后几年里,从1992年至今(1999–)的几乎所有电影或视频作品,在包括罗马英国学校、旧金山现代艺术博物馆和巴黎市现代艺术博物馆等众多国际地点展出,构成了戈登电影与视频作品的近乎全面展览。2006年,纽约现代艺术博物馆举办了戈登的作品回顾展,展出了十三部重要电影;2010年,伦敦泰特不列颠美术馆则展出了超过八十件基于文本的作品《1989年至今(1989–)所写、所讲、所闻、所闻》,其中包含了从1989年至今所有文字记录。两年后,戈登被法国共和国授予“艺术与文学骑士勋章”。身份主题、自我形象、肖像和死亡继续出现在戈登的近期雕塑、文本作品、霓虹灯以及电影和视频作品中。如2016年的我无处可去:流离失所者的肖像,一部关于美过先锋电影教父乔纳斯·梅卡斯的电影肖像。2017年,黑色彭斯-大理石的精确复制品,戈登将其碎成几块,放置在维多利亚时期的原作脚下。在一系列相关的雕塑中,戈登描绘了他双手和前臂在拥抱姿势中的部分,这些姿势可以被解读为天真或邪恶,表达了个人内心正在进行的心理斗争。同年,戈登受委托为伦敦托特纳姆宫路的新伊丽莎白线车站创作作品。他整理了自己之前的文本作品集,其中一些可追溯到20世纪80年代末,当时他作为学生居住在该地区——它们几乎是回忆——并将它们翻译成伦敦最广泛使用的几种语言,反映了如今居住在城市中的全球社区。这一系列短语,题为undergroundoverheard(2023),随着游客通过售票大厅,在大屏幕上移动,于2024年揭幕。
Eunice
1995年英国特纳奖得主:达米恩·赫斯特DamienHirst(1965-)达米恩·赫斯特是一位英国集合艺术家、画家和观念艺术家,他的作品刻意具有挑衅性,探讨虚无与美、死亡与重生,以及医学、技术和死亡。被视为1990年代艺术界的宠儿,赫斯特将甲醛中的死动物呈现为艺术。像法国艺术家马塞尔·杜尚一样,赫斯特使用现成品产生令人震惊的效果,在这个过程中,他质疑了艺术本身的本质。此外,他会借鉴其他艺术运动与艺术家。例如,其作品中大规模展示柜的常见格式借鉴了极简主义的前例,而他在创作中使用捡拾材料和助手则使他与其他同时代的艺术家产生了联系,比如美国艺术家杰夫·库恩斯,他刻意消解了艺术家手工的作用。20世纪80年代初,他以画家和拼贴艺术家的身份开始了他的艺术生涯。在1986年至1986年,就读于伦敦金史密斯学院,在此策划了一场有影响的学生展览“冻结”。赫斯特在福尔马林中展示动物,以及带有活蛆和蝴蝶的装置作品,被视为对死亡和人不愿面对死亡的反思,并且他的大部分作品都赋予了复杂的标题,凸显出他对于死亡的普遍关注。使得赫斯特作为艺术家和挑衅者的声誉迅速提升。后来,赫斯特的作品包括由旋转机制作的画作、装满烟头的放大烟灰缸、人体躯干的宏伟解剖模型、装满药物的药箱、其他装满捡拾物品的奇趣箱,以及镶嵌钻石的铂金铸就的人头骨《为上帝之爱》。
Eunice
克里斯托弗·伍尔ChristopherWool (1955)克里斯托弗·伍尔最为人所知的是他那些在白色画布上用黑色大字模喷绘出的字母画作,但他拥有多种风格;他综合运用喷绘、手绘和丝网印刷等多种绘画技法,在绘画与擦除、动作与抹去、深度与平面之间营造出张力。他将一层又一层的白色和浅白色颜料涂在之前作品中使用的丝网印刷元素之上——这些元素包括从复制品、照片细节的放大图、屏幕和他自己的画作的宝丽来照片中提取的单色形式——在看似消解画作实质的同时,使这些充满张力的画作表面不断增厚。最终只剩下一些残影和视觉障碍,每一处都定格在各自的时间节点上。通过这些涂抹与消解的多重手法,伍尔模糊了先前元素的边缘痕迹,将复制与否定转化为创作当代绘画新篇章的手段。因此,他的画作与其说是通过其呈现的内容来定义,不如说是通过其未呈现的内容和所保留的空白来定义。伍尔于1955年出生在芝加哥,现在纽约生活和工作。他曾在纽约布朗克斯维尔的莎拉劳伦斯学院和纽约工作室学校求学。伍尔的作品在世界各地的众多个展和群展中展出。个展包括旧金山现代艺术博物馆(1989年);荷兰鹿特丹博伊曼斯-范伯宁恩博物馆(1991年,巡展至瑞士伯尔尼美术馆和德国科隆艺术协会);洛杉矶布罗德家族基金会(1992年);希腊水蛇工作室奥菲乌斯收藏(1998年);洛杉矶当代艺术博物馆(1998年,巡展至匹兹堡卡内基艺术博物馆和巴塞尔美术馆);日内瓦当代艺术中心(1999年);法国第戎的康索尔蒂姆(2002年,巡展至苏格兰邓迪当代艺术中心,展期至2003年);伦敦卡姆登艺术中心(2004年);西班牙瓦伦西亚现代艺术学院(2006年);苏黎世联邦理工学院(2006年);葡萄牙波尔图塞拉维斯博物馆(2008年,巡展至德国科隆路德维希博物馆);巴黎市现代艺术博物馆(2012年);以及纽约所罗门·R·古根海姆博物馆(2013年,巡展至芝加哥艺术学院)。
anglejuner
埃德·鲁沙EdRuscha(1937)在艺术生涯的初期,埃德·鲁沙自称为“一位处理题材的抽象艺术家”。他摒弃了与抽象表现主义相关的学院派内涵,转而借鉴广告中的惯用手法,将文字作为形式、符号和材料置于绘画的前沿。他以幽默和机智在多种媒介中创作,游走于符号与实质之间,在自然和人造的景观中探寻崇高之美。1956年,鲁沙从俄克拉荷马城搬到了洛杉矶,在那里他进入了肖恩纳德艺术学院学习。在艺术学院期间,他一直以弗朗茨·克莱因和威廉·德·库宁的风格作画,后来偶然看到了贾斯珀·约翰斯1955年创作的《带四张脸的靶子》的复制品。约翰斯将现成图像作为抽象画支撑的做法令他深受触动,于是他开始思考如何利用图形来揭示绘画作为物体和幻象的双重身份。1959年,他创作了自己的第一幅文字画《E.鲁沙》,故意在计算画布上书写自己名字首字母和姓氏所需空间时出错,将最后两个字母“HA”写在上方,并用箭头标出“错误”。毕业后,鲁沙开始在广告公司工作,磨练了自己在图表设计方面的技能,并思考了比例、抽象和视角等问题,这些问题后来成为了他的绘画和摄影创作中不可或缺的部分。1963年,他出版了自己的第一本艺术家书籍《二十六个加油站》,这是一系列他在沿着66号公路从洛杉矶到俄克拉荷马城的旅途中拍摄的平淡无奇的照片。此后,鲁沙创作了十几本艺术家书籍,其中包括长达25英尺、采用折纸式装订的《日落大道上的每一栋建筑》(1966年)以及他改编的杰克·凯鲁亚克的经典之作《在路上》(2009年)。鲁沙还绘制了逼真的书籍图像,并在书脊和内页上用颜料书写文字:各种形式的书籍充斥着他对语言、艺术传播和信息传播的探索。鲁沙20世纪60年代的画作探索了语言的嘈杂与流动性。比如《哦哦哦》(1962-1963年)这幅作品,黄色的粗体字“哦哦哦”印在蓝色的背景上,让人几乎无法看着这幅画而不念出声来。自1993年在高古轩画廊举办首次个展以来,鲁沙已在该画廊举办了21场个展,其中包括2017年的《定制的诱惑:1974-1984年的素描》,该展览展出了十年间用粉彩、干颜料和各种可食用物质(从菠菜到胡萝卜汁)创作的反向模板素描。2004年,鲁沙的素描首次回顾展在纽约惠特尼美国艺术博物馆举行。他继续尝试不同的形式,并运用美国的通俗语言,思考随着网络技术改变人类交流的本质,这种语言是如何演变的。2005年,鲁沙代表美国参加了第51届威尼斯双年展,展出了《帝国的进程》,这是一个由十幅画组成的装置作品。该作品灵感源自19世纪美国艺术家托马斯·科尔的同名著名画作系列,暗指围绕现代主义进步愿景的陷阱。2018年,鲁沙的《帝国的进程》与科尔的画作在伦敦国家美术馆同期展出。埃德·鲁沙的“现在,然后”(NOWTHEN)于2023年在纽约现代艺术博物馆(MuseumofModernArt)开幕,并于2024年巡展至洛杉矶郡艺术博物馆(LosAngelesCountyMuseumofArt)。这是这位艺术家二十多年来首次全面回顾展,展出了他六十余年艺术生涯中的250多件作品,展现了其对全球艺术家、设计师和作家产生影响的标志性作品以及鲜为人知的一面。
anglejuner
贾米安·朱利亚诺-维拉尼JamianJuliano-Villani(1987)贾米安·朱利亚诺-维拉尼将对当代视觉文化的广泛喜爱与对具象绘画悠久历史的深入了解相结合,从众多的参考素材中汲取灵感,创作出令人难以置信且富有感染力的画面。朱利亚诺-维拉尼1987年出生于新泽西州纽瓦克市,现居纽约并在此工作。作为商业丝网印刷工人的女儿,她小时候曾在父母的工厂里帮忙,顶着97华氏度的高温折叠了四千多件约翰·保罗二世教皇的T恤衫,同时深受90年代和00年代大众市场印刷设计的影响。她毕业于新泽西州罗格斯大学的梅森·格罗斯艺术学院,获得艺术学士学位。在校期间,她受到了该机构与激浪派的历史联系、约翰·尤和拉斐尔·奥尔蒂斯的教导以及齐默利艺术博物馆70年代苏联概念派绘画藏品的影响。2013年,朱利亚诺-维拉尼在纽约的罗森项目空间举办了她的首次个展《我,我自己和耶和华》,展出了融入拉尔夫·巴克希1992年电影《酷世界》中角色的画作。这些作品探讨了种族、身份、挪用等主题,比如在《热浪》(2013年)等画作中,还展现了绘画等级制度的崩塌,同时揭示了这位艺术家对卡通民主性质日益增长的欣赏。此后,朱利亚诺-维拉尼在纽约、伦敦、米兰、上海等地举办的展览中,继续创作出一系列源自她高中时期就开始积累的视觉素材的画作。用她自己的话说,她是在“以转瞬即逝之物创作转瞬即逝之物”,通过精心挑选和聚焦,她旨在提升其描绘对象的地位。有些画作中出现了艺术家本人的写作片段,或是诸如奥瓦塔奇(1894-1985)等其他艺术家的作品,而另一些画作则以刻意的模糊性来挑战种族和性别刻板印象。朱利亚诺-维拉尼于2021年在挪威斯塔万格艺术厅(KunsthallStavanger)举办的展览《试着解释你的感受》(TryExplainingHowYouFeel),通过从独特的美国视角重新构想卡雷尔·阿佩尔(KarelAppel)的粗犷阳刚之气和贫穷艺术(ArtePovera)的美学,对美国的历史和自我形象进行了松散的审视。2022年,朱利亚诺-维拉尼在纽约蒙托克的牧场(TheRanch)与已故的迈克·凯利(MikeKelley)的作品一同展出,该展览揭示了两位艺术家作品之间众多直接和间接的共鸣,包括他们对卑贱和亵渎形象的共同偏爱。同年,她的画作被纳入塞西莉亚·阿莱马尼(CeciliaAlemani)策划的第59届威尼斯双年展(59thBiennalediVenezia)“梦之乳”(TheMilkofDreams)展览。2021年,朱利亚诺-维拉尼与长期合作伙伴比利·格兰特(他是Dearraindrop集体的创始成员)以及来自流行迪斯科二人组Sateen的鲁比·扎尔斯基共同开设了东村画廊和项目空间O'Flaherty's。在运营的第一年,画廊展出了金·丁格尔、阿什利·比克顿、安西娅·汉密尔顿、博博和Gelatin的作品。2022年夏季项目《爱国者》的公开征集活动收到了一千多件作品。正如朱利亚诺-维拉尼的绘画实践依赖于对众多外部资源的重新语境化一样,O'Flaherty's也致力于展示同事和合作伙伴的作品。这个空间是她与格兰特十年合作实践的重要组成部分,也是他们两人艺术实践的延伸。
anglejuner