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创建于:2023-08-24 20:09:32
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展览|MarianGoodmanEnvelopperlaTerre◾️展览信息:◽️EnvelopperlaTerre◽️艺术家:GiuseppePenone◽️展期:2024.10.16-12.21◽️空间:MarianGoodman◽️地址:79rueduTemple,75003Paris ◾️关于展览:玛丽安古德曼画廊巴黎分馆很高兴 在位于Temple街66号的空间举办朱塞佩佩诺内(GiuseppePenone)的个人作品展《 包裹大地》( envelopperlaTerre )。本次展览标志着与玛丽安古德曼画廊合作制作的新限量版《 包裹大地》(Avvolgerelaterra)2024的首次亮相。继画廊于2022年出版的布鲁斯瑙曼(BruceNauman)限量版《日记》(Journal)之后,这本新版作品重温了我们的历史,呼应了 玛丽安古德曼在1960年代创立的先锋艺术出版公司 Multiples,Inc.的活动。 《包裹大地》由17座用赭石和黄色颜料制成的陶土雕塑组成,名字指的是一种原始姿态,强调了自然与人类之间错综复杂的关系。此次展览将展出2010年至2015年期间创作的同名纸上作品,以及与 《Pressione》( 1977年)对话的作品,这是一幅罕见的大型沉浸式木炭墙绘,专为此次展览而复制。◾️关于艺术家:在其五十年的职业生涯中,朱塞佩·佩诺内运用了多种材料和形式来探索雕塑的基本语言。作为贫穷艺术的倡导者,佩诺内探索呼吸、成长和衰老以及其他非自愿过程,创作了一系列作品,包括雕塑、表演、纸上作品和摄影。佩诺内早期的表演作品直接回应了他家乡意大利加雷西奥附近的森林,在那里他与树木、水和大理石互动。在AlpiMarittime (滨海阿尔卑斯山)作品 (1968年)中,他的手势和干预在很长一段时间内留下了物理痕迹:树干被铜线、石头和艺术家手工铸成的青铜扭曲;用绳索和鹿皮制成的装置对天气做出反应;佩诺内的脸、手和脚的模型浸入河床中。1969年,佩诺内创作了第一件作品《 树》:“剥去外皮的”成熟木材,沿着外部生长环去除木材,露出树干核心处的小树的记忆。随着佩诺内不断改进技艺并尝试不同的尺寸和装置,这个正在进行的系列作品经历了各种变化。1970年,他甚至当着观众的面雕刻了一件《树》 ,将雕塑与表演融为一体。同年,他创作了《逆转眼睛》 作品,在作品中他戴着定制的镜面隐形眼镜拍摄了自己的照片。尽管镜片剥夺了艺术家自己的目光,但却让他能够客观地记录图像,真实地反映出周围的环境。◾️关于画廊:玛丽安·古德曼画廊支持当代最具影响力的艺术家的作品,这些艺术家代表了五代人不同的思想和实践。画廊的独特之处在于它与艺术家之间持久而根深蒂固的合作与理解——这种联系与世界各地的策展人、思想领袖和艺术机构并存。画廊的展览计划以其水准和严谨为特点,为艺术家提供了国际平台来展示他们的作品,促进与新观众的重要对话,并在非营利和机构领域推进他们的实践。◾️图文致谢:MarianGoodman◾️媒体合作:everyart2021
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展览|MadisonGallerySoaringNature◾️展览信息:◽️SoaringNature◽️艺术家:SantiagoParra◽️展期:2024.11.4-2025.1◽️空间:MadisonGallery◽️地址:320SOUTHCEDROSAVENUE,SUITE200,SOLANABEACH,CA92075◾️关于展览:加利福尼亚州圣地亚哥——麦迪逊画廊将举办圣地亚哥·帕拉的个人展览《翱翔自然》。帕拉出生于哥伦比亚,他的教育背景丰富多彩,从哥伦比亚国立大学开始,然后在波哥大的安第斯大学接受艺术教育,后来在旧金山艺术大学磨练他的技艺。他的艺术发展证明了他的奉献精神和塑造他独特风格的丰富文化影响。视觉模型具有纹理和流畅的运动感,由黑色颜料的漩涡和起伏创造,以不同的方式将它们区分开来。大胆、富有表现力的黑色线条让人想起弗朗兹·克莱恩的画布和理查德·塞拉的炭笔画,这启发了帕拉创作大型单色画,这些画作展现了帕拉的自然本性。帕拉的艺术是一个美丽的谜,是他潜意识的秘密,通过狂野的笔触不言而喻。他并不特别想“表达”自己,而是想打开无法表达的东西,让这种能量驱动他。一种动物般的本能促使他在画布上无所顾忌地移动,只有想法。帕拉的美学探索和质疑抽象图像制作的本质,成为将人类本质转化为画布。麦迪逊画廊和创始人罗娜·约克将圣地亚哥·帕拉的一系列精选作品结合在一起,举办了一场展览,以其原始、本能的能量和对抽象图像制作的深刻探索而引人入胜。帕拉广阔的单色画以其引人注目、富有情感的黑色线条而著称,吸引观众去接触人类意识之下狂野、野性的精神。除了展示帕拉独特的艺术视野外,这场展览还证明了麦迪逊画廊致力于通过将重要的拉丁美洲和全球艺术家带到该地区来加强南加州的文化对话。◾️关于艺术家:圣地亚哥·帕拉(SantiagoParra)1986年出生于哥伦比亚波哥大。他在哥伦比亚国立大学学习文学,随后在波哥大洛斯安第斯大学接受艺术教育,后来在旧金山艺术大学学习美术。了解了电影和电视。 帕拉以他那幅大型、抽象且极富表现力的黑白画作而闻名。他的画布捕捉到了书法般图像的悬浮平面感,将两种看似不相容的美学时刻——自发性和沉思——融为一体,而这些都由这位哥伦比亚艺术家的创作过程的运动、力量、重力和技巧所塑造。他探索了典型抽象形式的表现可能性。他以大胆的方式用大胆的雕塑笔触重新定义抽象结构。他的作品既是一种美学探索,也是对抽象图像制作本质的质疑。◾️关于画廊:麦迪逊画廊由LornaYork于2001年创立。该项目专注于国际知名、博物馆级艺术家,他们的作品有助于国内外的文化对话。该画廊展示了重要的拉丁艺术家,并首次将国际艺术家带到圣地亚哥。画廊的核心项目专注于年轻和新兴艺术家,但画廊也通过历史展览来强调该项目,以提供深度和背景。麦迪逊画廊代理的艺术家受到评论界的关注,并被广泛展出。画廊的许多主要艺术家最初在麦迪逊画廊展出,现在正在国际上和其他城市的知名画廊展出,证明画廊已成为年轻人才的跳板。◾️图文致谢:MadisonGallery◾️媒体合作:everyart2021
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展览|LehmannMaupinOffthebeatentrack◾️展览信息:◽️Offthebeatentrack:theartisticmeanderingsofSungNeungKyung◽️艺术家:SungNeungKyung◽️展期:2024.10.18–11.9◽️空间:LehmannMaupin◽️地址:501W24thStreetNewYork◾️关于展览:立木画廊荣幸地推出《不走寻常路:成陵京的艺术漫游》展,这是艺术家在韩国以外的首次个展。《不走寻常路:成陵京的艺术漫游》回顾了艺术家数十年的艺术生涯,展出了从1970年代至今的作品。宋是韩国先锋艺术的先驱人物,他以探索非常规媒介而闻名,包括表演、摄影和档案方法,以研究知识和权力的构建,通常是对社会政治摩擦的回应。10月24日星期四下午5点,宋将在画廊空间举办表演,展示艺术家正在进行的系列作品《煽动诗歌之火》和《绘画表演》,随后举行开幕招待会。 作为20世纪70年代和80年代颇具影响力的艺术团体“空间与时间”的核心成员,宋的艺术实践受到概念艺术和韩国民主政治动荡的影响。他的作品通常以日常物品为主题,解构既定的形式,用他的身体吸引公众,将平凡变为挑衅。宋的实践以过程为导向,专注于以摄影装置形式记录的短暂作品和独特的表演。不走寻常路:宋陵京的艺术漫游将宋艺术实践的关键部分整合在一起。作为20世纪70年代第一批接触摄影的韩国艺术家之一,宋对这一媒介的兴趣始于与报纸合作;他举办了表演,剪掉了文章中的文字,只留下广告和图片。在画廊中以可打印影片的形式呈现的《阅读报纸》中,宋将当地报纸的标题剪掉,直到只剩下骨架。这一行为表明,意义不是由固定的定义形成的,而是由其公共使用和表达形成的。 艺术家广受好评的《场地》系列始于1979年,展现了他对语言与权力之间动态关系的长期兴趣。在这里,艺术家精心安排了包含图形符号(如虚线、箭头、圆圈和三角形)的新闻照片特写镜头,然后用墨水在其表面添加其他符号。通过这种方式,宋批评了媒体审查制度,并提出了知识生产和信息共享的替代模式。在《场地2》(1980年)中,艺术家拍摄了一张出租车司机的新闻照片,箭头指向出租车计费表,选择这个箭头是为了参考政府关于出租车计费表更换和波动票价的有争议的政策。宋在18张底片上画箭头,将注意力引向与原报纸编辑所强调的位置不同的位置,打乱了原始图像的预期信息。通过这种改变的行为,宋挑战了编辑权威和报纸叙述中蕴含的政治含义,使用了塑造公共话语的相同工具来颠覆和解构它。◾️关于艺术家:成陵京(生于1944年,韩国礼山,现居住和工作于韩国首尔)的创作涉及非传统媒体,包括表演、摄影和档案实践,旨在探究知识和权力的建构。成陵京的作品处于表象与现实的交汇处,介入了交流、传播和传播的过程。通过对传统话语的抵制,他试图挑战和瓦解各种权威,包括政治和艺术规范体系。他的创作本质上以过程为导向,涉及短暂的事物,经常涉及一次性活动或表演;他的作品通常以照片或接触印刷品的形式存档,并以各种摄影装置的形式展出。 成尚均于1967年在韩国首尔弘益大学获得美术学士学位。他的作品曾在以下画廊举办个人展:纽约立木画廊(2024年,即将举行)、韩国大邱新罗画廊(2024年)、韩国首尔现代画廊(2023年)、韩国首尔扎哈博物馆(2023年)、韩国首尔白克艺术中心(2023年)、韩国首尔韩国文化艺术基金会(ARKO)(2001年)、韩国大邱三德画廊(1991年)、韩国首尔青坡剧场(1998年)和韩国首尔宽勋画廊(1985年)。 展出其作品的部分联展包括“我们的组合:SungNeungKyungxLangLee”,水原艺术空间光教,水原,韩国(2024年);“大师级的注意力追求者”,釜山现代艺术博物馆,釜山,韩国(2024年);“只有年轻人:1960年代至1970年代的韩国实验艺术”,国立现代美术馆,首尔,韩国(2023年);巡展至纽约所罗门·R·古根海姆博物馆(2023年);和加利福尼亚州洛杉矶汉默博物馆(2024年);“假面舞会”,韩国国立现代美术馆,果川,韩国(2022年)等。◾️关于画廊:1996年,RachelLehmann和DavidMaupin在纽约共同创立了LehmannMaupin。自成立以来,LehmannMaupin一直是领先的当代艺术画廊,在美国、欧洲和亚洲均设有分店。25多年来,LehmannMaupin一直致力于将国际艺术家引入新地区,并建立长期的策展关系。该画廊以支持多元化的声音而闻名,其项目自豪地展示了那些作品挑战身份认同并塑造国际文化的艺术家。如今,该画廊在纽约、首尔和伦敦设有永久分店,团队成员则常驻香港、上海、新加坡和棕榈滩。近年来,鉴于新市场机会的增多,该画廊在米兰、阿斯彭、棕榈滩、台北和北京开设了季节性空间。◾️图文致谢:LehmannMaupin◾️媒体合作:everyart2021
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展览|AlmineRechGalleryGlancesandEchoes◾️展览信息:◽️GlancesandEchoes◽️艺术家:EnIwamura◽️展期:2024.10.25-12.28◽️空间:AlmineRechGallery◽️地址:20Av.delaCosta,98000Monaco◾️关于展览:AlmineRech上海很高兴与画廊合作举办岩村缘的首次个人展览,展览时间为2024年10月25日至12月28日。岩村是这一代最具创造力的艺术家之一,他出生并成长于京都附近,他开发了一种独特的陶瓷雕塑创作方法,这种方法受到他对日本文化历史和当代流行文化的兴趣、他的海外旅行以及他作为一个相对较年轻的父亲的个人经历的影响。岩村的作品精致,充满日本精湛工艺自然流露的优雅感,并且不可避免地巧妙而有趣,重新思考并重振了陶瓷艺术自诞生以来的悠久而有影响力的传统。岩村周围环绕着未受污染的自然环境,并受到该地区丰富的陶瓷历史的启发,他利用自己对日本古代手工陶器的欣赏,包括绳文时代(公元前14,000年至300年)的手工器皿和古坟时代(公元300年至538年)的陶土埴轮人物,开始将自己对一种新雕塑的设想付诸实践。几个世纪前,圆柱形的埴轮人物,其眼睛和嘴巴被挖空,被放置在墓冢的顶部和旁边。从今天的角度来看,它们简单但出人意料地富有表现力的形式迎合了日本流行文化对所有可爱事物的迷恋。 [◾️关于艺术家:视觉艺术家约翰·M·阿姆莱德(JohnMArmleder)是Ecart集团(1969年)的联合创始人,与激浪派运动关系密切,自1960年代末以来创作了一系列多元化的作品,涵盖表演、素描、雕塑和绘画。他的作品通常以对生活和艺术之间深刻互联的感觉以及对物品和引语的挪用为特征,充满了一系列影响和参考,超出了现代主义的白话文以及任何形式的分类。阿姆莱德凭借1979年的家具雕塑系列获得了国际认可,该系列将标志性的设计和绘画结合在一起,反思了艺术品作为装饰品的琐碎问题。这位艺术家还因其著名的Pour and PuddlePaintings系列而闻名。“这些作品源于他对拉里·庞斯(LarryPoons)的钦佩,与阿姆莱德更广泛的实践相一致,它们没有隐藏其制作策略,也没有隐藏其本身过程的意义:唤起一个摆脱形式限制、道德义务以及品味和风格惯例的时代。”(摘自斯蒂芬妮·莫伊斯顿(StephanieMoisdon)的《豌豆的布鲁什》(LaBrucheduHaricot),布鲁塞尔阿尔米内·莱希出版社,2015年)。◾️关于画廊:岩村延1988年出生于日本京都,父母都是画家,从小在艺术氛围浓厚的环境中长大。在金泽工艺美术学院工艺专业毕业后,他开始对国际艺术界产生兴趣。他认为陶瓷有潜力成为一种国际语言,可以跨越不同的文化、民族和国家。岩村延目前的研究调查了他如何通过他的装置艺术作品影响和改变占据空间的观众的体验。当岩村描述他作品中的空间和规模时,他引用了日本的“ Ma”哲学。Ma意味着距离、时刻、空间、关系等意义。人们不断地阅读和衡量彼此之间不同的“Ma”,在特定时刻,找到人与人之间或地点之间合适或舒适的“ Ma ”可以提供特定的关系。通过他的作品,岩村打算与现场响应装置创造这样的邂逅,并通过进入空间,让观众有机会认识“Ma ”。◾️图文致谢:AlmineRechGallery◾️媒体合作:everyart2021
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展览|VictoriaMiroJoyfulSorrow◾️展览信息:◽️JoyfulSorrow◽️艺术家:ChrisOfili◽️展期:2024.10.26–12.14◽️空间:VictoriaMiro◽️地址:SanMarco1994,30124Venice,Italy◾️关于展览:《欢乐的悲伤》是英国著名画家克里斯·奥菲利(ChrisOfili)的双展:巴黎大卫·茨维尔纳画廊(DavidZwirnerParis)展出新画作,威尼斯维多利亚米罗画廊(VictoriaMiroVenice)展出纸上作品,延续了艺术家对威廉·莎士比亚的《威尼斯摩尔人奥赛罗的悲剧》(1603-04)的探索。展览还附有与学者、诗人和作家杰森·艾伦-佩桑特(JasonAllen-Paisant)合作的新出版物。奥菲利以丰富、多层次的画作而闻名,在此作品中,他进一步探讨了奥赛罗,让我们思考蜕变、爱情、外界影响对我们内心的影响,以及我们对世界施加的力量。威尼斯维多利亚米罗画廊展出了一系列水彩画,名为《奥赛罗——反思》,艺术家在威尼斯时开始创作。它们不断变化的颜色和形式反映了人物复杂的内心世界——他的脆弱和他的快乐悲伤。每幅水彩画的底部都刻有“奥赛罗”,字母伴随着潜水和滚动的相互关联的图形。艺术家认为这些作品部分是自画像,但这并不意味着他在创作这些作品时试图以某种方式将自己塑造成奥赛罗。相反,自画像在这里被探索为一种富有想象力的共情运动——一种在心灵之眼中、在充分发挥自己的主观性的情况下转向他人的开放式冲动。然而,这种通过自我接近他人的计划是在认识到再现行为永远无法完全捕捉自我或他人的情况下进行的。每幅水彩画均装裱在艺术家设计的雕花烧焦木制百叶门画框内,百叶门内表面如镜,打开时,给人以保护、反思和启示的感觉,让人产生内在自我与外在自我之间的互动。◾️关于艺术家:克里斯·奥菲利(ChrisOfili)的作品融合了抽象和具象,探索欲望、身份和表象的交汇;他的绘画和纸上作品充满活力、象征意义,而且往往充满神秘感,融合了一系列美学和文化来源。他的作品曾在迈阿密当代艺术学院(2017-2019年)、伦敦国家美术馆(2017年)、纽约新博物馆(2014-2015年)、芝加哥艺术俱乐部(2010年)、伦敦泰特英国美术馆(2010年和2005年)、汉诺威凯斯特纳协会(2006年)、纽约哈莱姆工作室博物馆(2005年)和伦敦蛇形画廊(1998年)等场馆举办个展。奥菲利于2003年代表英国参加第50届威尼斯双年展,并于1998年获得特纳奖。他现居住和工作在特立尼达。◾️关于画廊:VictoriaMiro代理40位知名和新兴艺术家。画廊的宗旨始终如一:推广优秀和创新的艺术家,培养世界各地新一代艺术家中的佼佼者。◾️图文致谢:VictoriaMiro◾️媒体合作:everyart2021
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