搜索

4.6展览|景德镇陶瓷大学龙泉研究院 《破境之景》◾️展览信息:◽️《破境之景》◽️艺术家:VeronikaHorlik◽️策展人:金文伟、冯俊◽️展期:2025年4月5日至2025年6月5日◽️空间:景德镇陶瓷大学龙泉研究院 ◽️地址:龙泉市青瓷文化创意基地二期12号楼◾️关于展览:本次展览展出艺术家VeronikaHorlik于景德镇陶瓷大学龙泉研究院驻地期间创作的11件/套陶瓷作品,呈现她对青瓷釉色的独特理解与感知,同时延续其一贯对自然与人类关系的深入探讨。展览题为“破境之景”,既是艺术家与龙泉青瓷文化的一次深度对话,也象征着她在传统与当代之间探索与突破的过程。作品灵感部分源自她早年参与植树造林的经历,传递出对自然生态的关怀与敬意。展览通过青瓷这一千年媒介,构建出一个关于生态、文化与心灵感知交织的视觉空间,引导观众重新审视人与自然的深层联结。Veronika在开幕致辞中对驻地团队及社会各界的支持表达感谢,并希望本次展览能唤起更多人对环境与人类共生关系的思考。◾️关于艺术家:VeronikaHorlik在加拿大魁北克省蒙特利尔生活和工作。她获得了麦吉尔大学的文学硕士学位(2005年)和新斯科舍艺术与设计大学(NSCAD,2011年)的陶瓷艺术硕士学位。作为受过专业训练的陶艺家,她参与过许多展览,包括魁北克、新斯科舍、纽芬兰、安大略、阿尔伯塔,以及意大利和罗马。她曾在魁北克蒙特利尔举办的第三届弗吉尼亚·麦克卢尔陶瓷双年展“573°”荣获多项殊荣;2015年加拿大RBC陶瓷新兴艺术家公众选择奖。◾️关于机构:景德镇陶瓷大学龙泉研究院的国际陶艺交流项目旨在展示分享来自多元艺术领域艺术家的优秀创作成果,深化艺术理论与创作实践的融合,促进青瓷艺术领域的学术交流,拓展公众对龙泉青瓷艺术多样性的认识。同时,分享艺术家的创作成果,感受不同的创作理念和表现形式,丰富城市的文化生活,深化青瓷行业学术建设。◾️图文致谢:景德镇陶瓷大学龙泉研究院◾️媒体合作:everyart2021
K_819
安东尼·卡罗AnthonyCaro(1924)安东尼·卡罗在二十世纪雕塑的发展中发挥了关键作用。20世纪60年代初,他开始创作色彩鲜艳的抽象钢铁结构作品,并直接将其放置在地面上,省去底座这一做法标志着作品与观众之间关系的彻底转变。除了钢铁,他还用青铜、铅、银、粗陶和木材以及纸张创作作品。卡罗不断革新抽象雕塑的语言,加上他在伦敦圣马丁艺术学院的影响力巨大的教学工作,使他成为亨利·摩尔和大卫·史密斯等艺术家的接班人,并且以创新艺术家的身份独树一帜。他的雕塑坚决摒弃具象,但仍然可以作为人类经验的类比。正如艺术史学家罗莎琳德·克劳斯所观察到的那样:“卡罗表现的人体不是从外部看的样子,而是从内部感受的样子,其关系受到主观条件的制约。”卡罗出生于英国的新莫尔登,在剑桥大学基督学院攻读工程学,之后在伦敦皇家艺术学院学习雕塑。1951年至1953年,他担任亨利·摩尔的助手。他早期的作品探索了现代主义人物造型的表现力,这些作品先用黏土塑形,然后铸成青铜。1956年,他的首次个人展览在米兰的纳维利奥画廊举行,次年在伦敦的吉普尔·菲尔斯画廊举办了首次伦敦个展。1959年,福特基金会的一笔资助让卡罗得以前往美国。在那里,他结识了美国先锋派艺术家,包括画家海伦·弗兰肯塔勒、罗伯特·马瑟韦尔和肯尼斯·诺兰,以及雕塑家大卫·史密斯。史密斯用焊接钢材创作的作品让卡罗对雕塑的可能性有了新的认识。回到伦敦后,卡罗在创作上做出了决定性的转变,他开始用钢梁、钢板、钢棒和钢管焊接、拼接成作品,这些作品没有固定的或单一的焦点。他还进一步背离了雕塑的传统,用大胆、平涂的色彩来给这些作品上色。1963年,卡罗在伦敦怀特查佩尔美术馆举办的雕塑展取得了突破性成功,引起了评论界的广泛关注。20世纪60年代中期,他开始创作一系列名为“桌面作品”的小型雕塑,这些作品会延伸到展示它们的桌子边缘。1969年,他在一家旧钢琴厂建立了工作室,并开始用卷钢制作大型未上漆的作品。他的巨作《奥林匹亚之后》(1986-1987年)以雕塑形式回应了希腊奥林匹亚宙斯神庙的多人物山墙,而《特洛伊战争》系列(1993-1994年)则与具象和叙事雕塑传统相呼应。《最后的审判》(1995-1999年)是一个由25个部分组成的陶土、木头和钢铁雕塑装置,于1999年在第48届威尼斯双年展上展出。卡罗对建筑的兴趣在伦敦千禧桥(2000年)的设计中达到了顶峰,这座桥是他与福斯特建筑事务所合作设计的。2008年,他的作品在法国加来海峡省的三家博物馆展出,以配合他在布尔堡圣约翰洗礼堂的《光之教堂》装置的开幕。卡罗的中期作品回顾展曾在伦敦海沃德美术馆(1969年)和纽约现代艺术博物馆(1975年)举办。1992年,英国文化协会在罗马古迹图拉真市场组织了他的雕塑展,随后于1995年在东京当代艺术博物馆举办了大型展览。为庆祝卡罗八十岁生日,2005年伦敦泰特不列颠美术馆举办了回顾展。2011年,他1960年至2010年间的作品选集在纽约大都会艺术博物馆的伊里斯和B.杰拉尔德·坎托屋顶花园展出。2013年,卡罗在威尼斯的科雷尔博物馆举办了回顾展,恰逢第55届威尼斯双年展,展览在他去世时仍在展出。1987年,他被封为爵士,1992年获日本艺术协会颁发的“艺术贡献奖”雕塑奖,2000年被授予大英帝国功绩勋章——这是自1963年亨利·摩尔以来首位获此殊荣的雕塑家。
anglejuner
阿德里亚娜·瓦雷若AdrianaVarejao(1964)在其丰富多样的作品中,阿德里亚娜·瓦雷若运用巴洛克式的模拟、并置和戏仿手法,对巴西身份的神话多元性以及造就这种多元性的复杂社会、文化和审美互动进行反思。瓦雷若借鉴了由殖民主义和跨国交流的历史所激发的强大的视觉遗产,创造出融合了多种形式的作品——既是建筑又是雕塑的绘画;戏剧化的、经过绘画处理的雕塑;令人着迷的多频道视频——这些作品揭示了记忆和表征的多重性。瓦雷若出生于里约热内卢。1983年至1985年,她在帕克拉热视觉艺术学校学习。1986年,她开始尝试油画创作,用厚厚的颜料重新诠释了巴西米纳斯吉拉斯州欧鲁普雷图18世纪教堂里华丽的巴洛克壁画和宗教圣物。1992年,瓦雷若在中国旅行了三个月,在那里她研究了宋朝(公元960年至1279年)的陶瓷和中国古典山水画。从那次旅行开始,她开始思考以欧洲为中心的叙述如何扭曲甚至抹去各种艺术手法和主题的历史,随后她创作了一系列绘画作品,在这些作品中,熟悉的图像——地图、宗教图像、殖民时期的风俗场景——被模拟的血腥伤口和肉质突起所打断,或者以更微妙的方式颠覆了叙事。她这一时期的作品明确地借鉴了巴西历史中的暴力和色情元素,以“食人”精神为指导,这是巴西现代主义中的一个关键概念,它重新审视了土著图皮人的食人仪式,将食人这一社会禁忌转化为后殖民时期巴西文化吸收的象征性图腾。瓦雷若从中国归来后,开始收集巴西地方民间艺术的范例,比如圣像画和阿祖莱霍(一种源自阿拉伯的釉面陶土瓷砖,自中世纪以来一直是葡萄牙民族艺术中使用最广泛的装饰形式)。她对阿祖莱霍及其在巴西作为强制和自愿文化混血的隐喻深感着迷,由此创作了她的《阿祖莱哈奥》(大瓷砖)系列画作(1988年起)。在画布平铺的情况下,她先在其上涂抹一层厚厚的粘性灰泥,随着灰泥慢慢干燥,形成的裂纹构成了一幅深邃的表面裂痕地图。早期的《阿祖莱哈奥》画作通常由更大图案的碎片组成,以错乱的叙事形式排列在巨大的网格中,而近年来更大规模的单幅作品则呈现出地震般的表面,既抽象又具有地质和人体的特征。对瓦雷若而言,巴洛克风格的空间戏剧性呈现出多种形态:在她于1999年开始创作的《肉之废墟》系列中,一系列大型独立雕塑模拟了带有彩绘内脏的瓷砖建筑残片。这些作品的副标题中所提及的具体地点表明,熟悉的场所被过去和现在的暴力幽灵所萦绕。《桑拿房与浴室》系列(2001年起)则是完全虚构的瓷砖内部空间,以复杂的单色渐变绘制而成,看似冷冰冰的无菌环境,却充满心理张力。在这些心灵迷宫中,光线从不可察觉的源头射出,人体的痕迹时隐时现,以散落的头发或血迹的形式呈现。近年来,瓦雷若对墨西哥前西班牙时期、殖民时期和现代的文化产生了浓厚的兴趣。2017年1月,她作为安帕罗博物馆的客人访问了普埃布拉,研究当地的塔拉韦拉陶器和乔卢拉多色陶器。她随后对塔拉韦拉陶器的投入,其多元的文化来源与迄今为止一直引导她艺术灵感的巴西巴洛克风格相呼应,促使她的绘画作品开辟了新的方向,在这种方向中,硬边抽象画的清晰形状和明亮色调与前西班牙时期的工艺先驱展开对话。通过这种对时间、文化和地点的有意识交织,瓦雷若让人们注意到此前被主流主导叙事分隔开来的美学体系之间的相似之处,并提出了关于艺术形式生命力的重要问题。
anglejuner