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4.18展览|佩斯-纽约「馆藏视角:路易斯·内维尔森」◾展览信息:◽「馆藏视角:路易斯·内维尔森」(CollectionView:LouiseNevelson)◽艺术家:路易斯·内维尔森(LouiseNevelson)◽展期:2025.04.9-2025.08.10◽空间:惠特尼美国艺术博物馆◾关于展览:美国艺术家路易斯·内维尔森(LouiseNevelson,1899–1988)作品正在纽约惠特尼美国艺术博物馆举办的特展「馆藏视角:路易斯·内维尔森」中展出,并持续至8月10日。“我将纽约视作一座巨型雕塑,”路易斯·内维尔森曾说。内维尔森出生于乌克兰,自1920年代至1980年代在曼哈顿生活创作。她以单色组合装置闻名——那些堆叠重构的现成品,承载着她对纽约天际线变幻的痴迷。夜间穿行街头搜寻废弃物料时,她总能发现被丢弃之物的艺术潜能。当这些包含诱鸭器、生菜筐与钢筋碎片在内的物体被统一涂以黑色,具体可辨的细节被掩蔽,抽象形态从中诞生。◾关于艺术家:美国超现实主义雕塑家路易斯·内维尔森(LouiseNevelson),1899年出生于俄罗斯的基辅,后移居美国。是20世纪最受赞誉的雕塑家之一。因其纪念性、单色、木质壁画和户外雕塑而闻名世界,她是20世纪最重要的先锋雕塑家,是场地特定装置艺术的先驱。1929年,她开始在纽约颇具影响力的艺术学校艺术学生联盟学习,曾在慕尼黑和纽约跟随汉斯·霍夫曼学习,并曾担任迭戈·里维拉的助手。 1941年,她在纽约尼伦多夫画廊举办了她的首次个人画展,她的作品在全球超过九十个公共收藏中展出。其中包括纽约大都会博物馆、纽约所罗门·R·古根海姆博物馆,纽约现代艺术博物馆、洛杉矶艺术博物馆、巴黎蓬皮杜当代艺术中心等。路易斯·内维尔森于1988年4月17日在纽约去世,享年88岁。◾关于画廊:佩斯画廊创立于1960年,它是全球最知名的当代艺术画廊,代理了众多二十至二十一世纪最为重要的艺术家及艺术家基金会,始终扮演着艺术界生力军的角色。佩斯画廊如今已步入第七个十年,将继续秉承其使命,为全球最具影响力和创造力的艺术家提供支持,并与全世界的人们共同分享这些具有时代前瞻性的艺术创作。◾图文致谢:佩斯画廊PaceGallery◾媒体合作:everyart2021
艺术小嘴
斯坦利·惠特尼StanleyWhitney(1946)斯坦利·惠特尼解释道:“我从顶部开始,自上而下创作。”这涉及到一种呼应关系。一种颜色会引发另一种颜色。是色彩决定了构图,而非相反。惠特尼充满活力的抽象画作打破了网格的线性结构,赋予其新的、意想不到的色彩、节奏和空间韵律。他从皮特·蒙德里安、乔治·莫兰迪以及美国拼布艺术等多样化的来源汲取灵感,在每幅画布上用色块和色条构建出一种色彩上的呼应关系。多年来,他一直在试验单一构图方法看似无限的潜力,将方形画布大致划分成多个区域。薄薄涂抹的油画颜料保留了他活跃的笔触,并在每块鲜艳色彩的矩形区域相互重叠的边界处营造出一定程度的透明感和张力。通过不同尺寸的画布,他巧妙地铺设下一组组色块,倾听每种颜色的召唤,探索其自由手绘几何图形在亲密和宏大尺度上的变化效果。实验爵士乐——查理·帕克、迈尔斯·戴维斯、奥内特·科尔曼——是惠特尼的背景音乐,其即兴创作的标志性手法不断为他的绘画过程注入新的活力。惠特尼1946年出生于费城,曾在堪萨斯城艺术学院学习,1968年移居纽约市。1972年,他从耶鲁大学艺术学院获得艺术硕士学位,但发现自己与20世纪70年代和80年代政治和理论导向的当代艺术界格格不入,当时人们期望一位非裔美国艺术家直接探讨种族和文化身份的主题。惠特尼更感兴趣的是锤炼一种抽象的视觉语言,其早期作品包含被空白区域环绕的色块。在其职业生涯的这一阶段,他还专注于手势的力量,并沉浸在日常的绘画实践中。尽管惠特尼在其整个职业生涯中一直致力于色彩实验,但他独特的创作手法是在20世纪90年代于罗马生活和工作期间逐渐形成的,其作品从无拘无束的不规则形态转向了更具层次感的堆叠布局,这成为了他成熟风格的显著特征。罗马的艺术和建筑——包括宏伟的罗马斗兽场和法尔内塞宫的立面,以及在意大利国家伊特鲁里亚博物馆展出的层层叠叠的骨灰瓮——启发了他对色彩与几何关系的深刻理解。意大利一直是惠特尼创作灵感的核心来源,他每年夏天都会在帕尔马附近的工作室作画。尽管惠特尼作品中的动态和特征都指向了基本的建筑结构,但他那轻盈、自由且迅速的运用方式却颠覆了任何有关重力的暗示。惠特尼陶醉于其作品中即兴发挥的魔力,同时也不愿承认自己有任何个人色彩理论:“我喜欢将其视为纯粹的魔法,”他说道,“人们说这种颜色有这种效果,那种颜色有那种效果。而我会说,颜色就是它本身的样子。”惠特尼在纽约州的布里奇汉普顿和意大利的帕尔马生活和工作,目前是费城天普大学泰勒艺术与建筑学院的退休教授。他的作品被包括纽约大都会艺术博物馆、纽约惠特尼美国艺术博物馆、费城艺术博物馆、亚特兰大高等艺术博物馆和加拿大国家美术馆在内的公共机构收藏。2015年,他的作品回顾展“橙色之舞”在纽约哈莱姆区的斯图迪奥博物馆开幕;他还曾在包括得克萨斯州沃思堡现代艺术博物馆(2017年)和意大利威尼斯的泰波罗·帕西宫(2022年)在内的机构举办过个展。2017年,他参加了在雅典和德国卡塞尔举办的第14届文献展。
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纳撒尼尔·玛丽·昆恩NathanielMaryQuinn(1977)纳撒尼尔·玛丽·昆恩在其由个人和收集来的素材拼贴而成的肖像画中,探究了视觉记忆与感知之间的关系。来自网络、时尚杂志和家庭照片的图像碎片汇聚在一起,形成了既具有新达达主义风格又坚定写实的混合面孔和人物形象,唤起了面对面交流时的那种亲密感和强烈感。昆恩从小就热爱绘画,他在芝加哥南区长大。九年级时,他获得了印第安纳州卡弗尔学院寄宿学校的奖学金,但到校一个月后,昆恩就收到了父亲的来信,说他的母亲突然去世了。次月他回芝加哥过感恩节,却发现他的父亲和兄弟们已无影无踪地离开了他儿时的家。这次打击进一步激发了他的艺术创作,他决定专心学业,并在自己的名字中加上了母亲的名字玛丽,这样她的名字就会出现在他所有的学位证书上。2000年,他从印第安纳州克劳福德维尔的瓦巴斯学院获得了艺术和心理学学士学位,2002年又从纽约大学获得了艺术硕士学位。在完成艺术硕士学位后,昆恩搬到了布鲁克林的贝德福德-斯图维森特社区,在那里他一边继续作画,一边担任问题青少年的教师。2013年,他取得了突破,开发出一种新技法,使他的作品受到了广泛关注。他的一名学生的母亲邀请昆恩在她家举办的艺术沙龙上展出五幅作品。然而,在开幕当天,他只完成了四幅。于是他即兴创作,开始描绘一段模糊的过往记忆,将潜意识中的图像碎片拼凑在一起。当他退后一步时,他认出了哥哥查尔斯的嘴。不久之后,布鲁克林当代非洲侨民艺术博物馆的执行馆长看到了这幅名为《查尔斯》的画作。2013年8月,该博物馆的橱窗里又展出了昆恩另外五幅风格相似的作品。同年,艺术家兼教授威廉·维拉隆戈(WilliamVillalongo)将昆恩的作品纳入了在纽约苏珊·英格莱特画廊(SusanInglettGallery)举办的群展《美国之美》(AmericanBeauty)中。《纽约时报》的艺术评论家霍兰·科特(HollandCotter)对昆恩在该展览中的画作给予了高度评价,这使得昆恩的作品在美国和欧洲的众多画廊中相继展出。自从画了查尔斯之后,昆恩一直在拓展并完善一种创作过程,即从大众媒体中收集那些吸引他的图像,剥离它们原有的文化背景,然后以纯粹美学的方式重新利用它们。接着,他在工作室里利用这些视觉片段,将自己对过去和现在的想象具象化。他用油画颜料、炭笔、水粉、油画棒和粉笔,一丝不苟地重现这些收集来的图像中的细节和面部特征,在创作过程中会遮盖部分画面。通过借鉴拼贴画的媒介形式,并将其转化为一种连贯的绘画二维性,昆恩表明,多样性是一种永恒的状态,而非短暂的瞬间。昆恩的首次个人博物馆展览《这就是生活》于2018年12月至2019年3月在威斯康星州麦迪逊当代艺术博物馆展出。
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