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创建于:2024-07-27 19:41:35
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亚当·麦克尤恩AdamMcEwen(1965)亚当·麦克尤恩的作品介于颂扬与哀悼之间。在伦敦《每日电讯报》撰写讣告之后,他开始为比尔·克林顿(BillClinton)和杰夫·昆斯(JeffKoons)等在世人物撰写讣告,凸显了历史与虚构之间的模糊界限。与点石成金的神话相反,麦克尤恩回应了极简主义艺术的耀眼宣言,创作出充满现代历史沉重忧郁的当代作品。作为对艺术众多生命与死亡的沉思,他营造了一个空间,将困境重重的当下与艺术史上一个强大且充满争议时刻的余波融合在一起,就像他的讣告叙述了富人、名人、美人和恶人的未来完成时一样。麦克尤恩那充满黑暗遗物和褪色记忆的死亡地带,从物质和精神层面直面我们过去和现在那肮脏的财富。亚当·麦克尤恩1965年出生于英国伦敦。1987年,他从牛津大学基督教堂学院获得文学学士学位,1991年又从加州艺术学院(瓦伦西亚校区)获得艺术学士学位。麦克尤恩的作品曾在世界各地的重要展览中展出,包括“实践轴心”,明尼阿波利斯中途当代艺术中心(2006年);“入我/出我”,纽约P.S.1当代艺术中心(2006年);“乞讨、借用与窃取”,迈阿密鲁贝尔家族收藏馆(2009年);“现实主义的延伸”,北迈阿密当代艺术博物馆(2009年);“幽灵:当代摄影/视频/表演”,纽约所罗门·R·古根海姆博物馆(2010年,后巡展至西班牙毕尔巴鄂古根海姆博物馆);“最后的报纸”,纽约新当代艺术博物馆(2010年);“美国难以看清”,纽约惠特尼美国艺术博物馆(2015年);以及“渐进实践”,迈阿密德拉克鲁兹收藏当代艺术空间(2016年)。麦克尤恩的作品曾入选2006年惠特尼双年展。近期个展包括纽约麦克阿利斯特研究所(2003年);达拉斯戈斯·迈克尔基金会(2012年);格拉斯哥现代艺术研究所(2013年);圣玛丽·迪奥切塞诺博物馆,皮耶内市(2015年)。“耳鸣”,现代学院,格拉斯哥(2016年);以及“亚当·麦克尤恩:我想我坠入爱河”,阿斯彭艺术博物馆,科罗拉多州(2017年)。麦克尤恩的作品被迈阿密鲁贝尔家族收藏、杜塞尔多夫朱莉娅·斯托谢克收藏、格林威治布兰特基金会艺术研究中心、纽约所罗门·R·古根海姆博物馆、纽约惠特尼美国艺术博物馆、苏格兰阿伯丁艺术画廊与博物馆、墨西哥城胡米克斯收藏、迈阿密德拉克鲁兹收藏以及英格兰艺术委员会收藏等公共机构收藏。麦克尤恩策划过多个项目和展览,其中包括与内维尔·韦克菲尔德合作的“权力、腐败与谎言”(2004年,纽约罗思·霍洛维茨画廊);“州际公路”(2005年,纽约妮可·克拉格斯布伦画廊);以及与内特·洛曼合作的“狗奴之下”(2007年,高古轩画廊)。2010年,他在巴黎的东京宫策划了“新鲜地狱”,这是2010年“白板”系列的活动。麦克尤恩目前居住和工作在纽约市。
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马克·坦西MarkTansey(1949)马克·坦西的每一幅画作都是一场视觉冒险,探索着感知、意义和主观性的本质。他以具象和风景画的传统为基础,将自己广博的历史知识融入层层文学、哲学和数学的典故之中。透视和比例的扭曲与他精湛的技艺相结合,使观看和理解一幅图像的含义变得复杂起来。坦西在加利福尼亚州圣何塞长大,父亲是一位艺术史学家,他从小就熟悉艺术。这段经历为他日后创作细致入微的画作奠定了丰富的视觉参考基础。1969年,坦西进入洛杉矶的艺术中心设计学院学习,在那里他开始探索对大众媒体的挪用,这预示了20世纪80年代“图片一代”艺术家们对类似问题的研究。1974年,坦西搬到了纽约,并进入亨特学院的研究生课程学习,在那里他进一步探索了如何以超现实的场景重新构想和呈现历史弧线。坦西的画作是单色的,且具有近乎摄影般的精准度,这是通过一种减法绘画法实现的:坦西首先用白色石膏底料涂满画布,然后通过覆盖颜色来勾勒出构图的大致形状,最后仔细地刮掉几层颜料,以呈现出画布下面不同程度的底色。他往返于纽约和罗得岛州的朴茨茅斯两地工作,大约每两年创作一幅画,每幅画都是由素描、拼贴画和收集来的零碎物件组合而成。2004年,坦西在纽约高古轩画廊西24街分馆举办的近期画作展上首次使用了群青蓝,这种色调如今已成为其作品的显著特征。这些群青蓝画作因其紧迫感而备受赞誉,画中描绘了壮丽的自然景观,点缀着小人物、在巨浪中航行的船只以及令人眩晕的倒影,巧妙地将上下、过去与现在融为一体。尽管这些复杂的场景以简化的精确手法呈现,但当观者仔细审视其中的诸多细节时,便会发现那些充满情感的细微时刻,颜料的流动性在不破坏整体超现实效果的情况下得以展现。
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海伦·马登HelenMarden(1941)海伦·马登的画作色彩鲜明,这得益于她游历希腊、印度和摩洛哥的经历。她用树脂将饱含色彩的丙烯颜料和天然粉末颜料与贝壳、羽毛和海玻璃等现成物品混合在一起,为表现性抽象艺术的美学和技法注入了新的多样性和目的性。无论是灵感来源还是所选媒介,她的画作都扎根于自然世界,同时通过信念和直觉与精神领域建立了联系。马登1941年出生于匹兹堡,现居纽约市、纽约州蒂沃利、摩洛哥马拉喀什以及西印度群岛的尼维斯岛,在那里她经营着精品度假村“金岩”(也是她活跃的Instagram账号名),该度假村是她与已故丈夫布赖斯·马登(1938-2023)共同创办的。1963年,她从宾夕法尼亚州立大学毕业,获得艺术学士学位。之后,受保罗·鲍尔斯翻译的诸如丹吉尔的穆罕默德·马尔贝特等说书人的作品启发,她前往欧洲和摩洛哥旅行,之后定居纽约市。正是在纽约,她对与塔希斯主义相关的艺术家(如亨利·米肖、让·弗奥特里耶和沃尔斯(A.O.沃尔夫冈·舒尔策))作品中的自发性和即时性产生了兴趣,同时也对抽象表现主义产生了兴趣。20世纪80年代初,在詹妮弗·巴特利特、伊丽莎白·默里和基基·史密斯等艺术家的鼓励下,马登开始认真作画,并在纽约和希腊的伊德拉岛都设有工作室。她参加了多个群展,包括纽约新当代艺术博物馆的“谁选择谁”(1994年)、纽约绘图中心的“1996年夏季精选”(1996年)、宾夕法尼亚州立大学帕尔默艺术博物馆的“情侣对话”(2006年)和“不可思议的契合”(2013年)。她还参加了纽约惠特尼双年展(1995年)和布鲁斯高质量基金会的“最后的布鲁克林双年展”(2014年),其作品被纽约现代艺术博物馆收藏。在纽约高古轩画廊举办的马登2019年首次个展“蒂沃利”(Tivoli)中,展览以她位于纽约州北部的居住地命名。她展出了用未加工的粉末状颜料直接在画布上层层堆叠,并加入丙烯颜料的树脂液进行浇注而成的画作。每幅作品都融入了贝壳、珠子和塑料等物件和材料。这些对空间、物体和色彩的富有表现力的探索,蕴含着体验、情感和一种自然的生命力。画作的有机特质因酸性色调而得到强化,将战后抽象艺术的粗粝感转化为当代的活力。2021年,她在纽约高古轩画廊举办的后续展览《一年的苦涩之光》中,展出了一些画作,画中将各种漂浮物和杂物添加到生物形态的形状中,再次将人造物与有机物融合在一起。附加的元素——其中包括从普罗温斯敦一家商店购买的贝壳和从尼维斯海滩收集的贝壳,以及从马拉喀什市场购买的豪猪刺——沿着颜料的线条分布,暗示了这两组材料之间存在着一种流动的关系。它们的形状暗示着生物实体,但又没有达到具象表现的程度,而展览富有诗意的标题则暗示着一种来之不易的智慧。阿加佩是马登2023年在雅典高古轩画廊举办的展览,展出了她在伊德拉工作室创作的早期作品,以及一系列新的丙烯和树脂画作,这些新作再次彰显了她对大胆笔触和色彩的执着。无论是早期作品还是近期作品,都同样强调了地点的重要性。尽管最近的作品是在她的蒂沃利工作室完成的,但海洋般的蓝色和深沉的酒红色让人联想到希腊的海景和陆地,这些景色自马登早期旅行以来一直影响着她。带着这些经历,她创作出的画作能有效地将观者带往遥远的地方,也能引领他们进入冥想般的内心状态。
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卡塔琳娜·格罗斯KatharinaGrosse(1961)卡塔琳娜·格罗斯现场绘画而闻名,她将充满爆发力的色彩直接喷洒在建筑、室内和景观上。她欣然接受创作过程中出现的各种事件和意外情况,为表面和空间开启无数感知的可能性。她将绘画视为一种沉浸式的主观体验,使用喷枪,使艺术创作行为与手部动作保持距离,并将姿态转化为一种推动性的标记。格罗斯出生于德国弗赖贝格,她从小就开始绘画,一直对色彩和光线与思维本身的融合方式保持着敏锐的感知。在20世纪90年代的画布作品中,她将不同密度和温度的色彩并置,反复使用垂直透明的笔触。这促使她创作了直接在墙上作画的相关作品,在走廊和楼梯间铺满了令人惊叹的人造色彩。她引入喷枪作为绘画工具,开始在建筑的内部和外部进行创作。1998年,她在瑞士伯尔尼美术馆创作了自己的第一件作品,这是一幅单色画,用喷枪在画廊的上角喷上了深绿色,部分颜色蔓延到了相邻的两面墙上以及天花板上。2000年,格罗斯成为柏林魏森塞艺术学院的教授;2010年至2018年,她在杜塞尔多夫艺术学院任教。20世纪90年代末至21世纪初,格罗斯将之前作品中相互交织的线条与喷枪喷出的云状形态和雾气相结合。随着她对这种媒介的流动性及广阔表现力的探索,现场创作的画作规模不断扩大。2004年,在休斯敦当代艺术博物馆,她将喷枪喷向展厅内部,同时喷向散落在地上的衣物、纸张、鸡蛋和硬币;2005年,在巴黎的东京宫,她在墙上挂了两幅巨大的画布:一幅已经画好,另一幅空白。她在现场画了后者,还画了挂画布的那面墙。然后她取下画好的画布,靠墙斜放在地上,留下一个空白的白色矩形。对于格罗斯来说,绘画、雕塑和建筑之间没有区别。除了在画布和诸如建筑物和树木之类的现成材料上作画之外,她还创作了大型的聚氨酯、聚苯乙烯泡沫塑料和铸金属雕塑,这些雕塑充当了她绘画的抽象骨架。她的现场绘画作品《无题小号》于2015年被纳入威尼斯双年展,同年德国威斯巴登博物馆举办了她纸上作品的大型回顾展。2016年,她在美国一系列重要的公共委托项目中又增添了一笔,为纽约洛克威的莫玛PS1的“洛克威!”系列在蒂尔登堡创作了一件作品,用红、白、洋红色的喷漆将一个废弃的水上运动中心改头换面。次年,高古轩画廊在纽约为格罗斯举办了她的首次个展,展出了几组相互关联的绘画中的重要作品以及一件铸金属雕塑。在这些画布上,单体形式从一幅画迁移到另一幅画,出现在新的层次中或融合成簇,时而向前推进,时而向后退缩。这些画作记录了格罗斯对色彩、密度和速度的持续思考,以及她在整个绘画过程中直接在画面上使用模板的情况。在她最近的环境适应性绘画作品中,格罗斯融入了从天花板垂下并铺展到地面的长条状涂绘织物,从而为她的沉浸式绘画增添了更多的维度。为悉尼的Carriageworks创作的《马又跑了两步,然后停了下来》(2018年)由超过27000平方英尺的悬垂织物构成,这些织物在该建筑19世纪工业风格的架构中被悬垂、打结和折叠。在为布拉格国家美术馆创作的《奇迹之图》(2018年)中,格罗斯在两面墙上悬垂了多幅松散的布面画作,形成了一条气势恢宏的长廊。《奇迹之图》在柏林的工作室地面上绘制而成,它架起了格罗斯工作室画布与现场绘画之间的桥梁,其水彩般的色彩区域被白色的负空间残影所点缀。这一发展在高古轩英国街举办的《想象原型》(2018年)中得以延续,整个画廊的一面墙被一块涂绘织物覆盖,展现了新的空间和时间转变。
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阿什利·比克顿AshleyBickerton (1959)阿什利·比克顿在20世纪80年代中期崭露头角,当时他创作了一系列充满讽刺意味的抽象作品,探讨消费主义和身份认同等问题。他创立了自己的品牌“苏西”(刻意带有“女性化”色彩),制作出刻意显得冷漠的“自画像”,将他虚构公司的标识与各种现实世界的实例并置。这些作品的商业气息因精美的钢、皮革和橡胶外壳而更显浓郁。他还创作了“静物画”,其中融入了显示自身不断波动的市场价值的数字屏幕,以此讽刺艺术成为商业投机的对象。自20世纪90年代初移居印度尼西亚巴厘岛以来,比克顿在绘画和雕塑中探索文化错位,其作品具有华丽的手工制作美学。比克顿于1959年5月26日出生在巴巴多斯。1982年,他从加州艺术学院获得艺术学士学位,并于1985年完成了纽约惠特尼美国艺术博物馆的独立研究项目。次年,他与彼得·哈利、杰夫·昆斯和迈耶·韦斯曼一起参加了纽约索纳本德画廊的一场展览,这场展览巩固了他与纽约新兴的“新几何”运动的联系(尽管他觉得自己与当时同时出现的商品艺术和新概念主义倾向更为接近)。他这一时期创作的许多作品——包括《为大众创作的抽象画》(1986年)、《墙墙》(1986-1988年)和《风景》(1988年)等系列——其结构都像是包装箱或手提箱,暗示着实用功能,但除了自我宣传和自我保护之外,没有明确的目的。1993年,比克顿的工作风格有意地转向了“异域风情”。他移居巴厘岛后,其作品风格华丽,带有戏谑意味,与他之前那种概念性的超然风格形成了鲜明对比,不过不同媒介、流派和主题之间的相互渗透依然存在。他运用精致的具象手法来讽刺西方人对充满性诱惑的海外生活的幻想,用艳丽的色彩描绘自己、家人和朋友,引入了怪诞的“蓝人”形象,将其作为在异域热带环境中迷失的典型欧洲男性;用艺术家的话说,他“在陌生的21世纪迷失了方向,置身于完全不同的社会文化与心理衡量标准之中,显然无法理解”。自2010年代初以来,比克顿将他的创作实践完整地循环了一圈,将其中异质的模式和手法融合成一种包罗万象的视觉语言。在“海洋块”系列中,该系列最初是在他搬到巴厘岛前不久于纽约构思的,他用树脂和玻璃纤维营造出水的质感;而在“漂流物”系列的混合媒介绘画中,他运用早期作品中的构图手法,将诸如海洋垃圾和各种海洋装备之类的物品重新置于一种与它们自然环境相悖的语境中。比克顿20世纪80年代和90年代作品中的工业元素也出现在“矢量”系列中,其中各种硬件与让人联想到他早期作品中对商业的超然关注的标识并列出现。然而,该系列并非宣扬自然与技术之间的简单对立,而是探讨了我们对自然资源的利用,同时暗示地球将比人类的破坏性影响存在得更久。比克顿的作品被众多国际公共收藏机构收藏,其中包括纽约现代艺术博物馆、纽约惠特尼美国艺术博物馆、洛杉矶当代艺术博物馆、加拿大温哥华美术馆、伦敦泰特不列颠美术馆、阿姆斯特丹市立博物馆以及东京原美术馆。2017年,他的回顾展“装饰性歇斯底里”在伦敦纽波特街画廊开幕;同年,他的首次美国个展在纽约FLAG艺术基金会举行。2018年,他的作品被纳入华盛顿特区赫什霍恩博物馆和雕塑园举办的“全新:20世纪80年代的艺术与商品”展览。
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