国际｜展览征集 #国际艺术征集 #威尼斯双年展 2026/6/20第20届威尼斯国际建筑双年展中国馆正式启动征展！链接：https://mp.weixin.qq.com/s/HjLhgghk3aHBtg2wIpii6Q5月19日，威尼斯双年展主席皮特兰吉洛·布塔福科和第20届威尼斯国际建筑双年展总策展人王澍、陆文宇共同宣布2027年威尼斯国际建筑双年展的主题为“做建筑——为了面向真实现实的共存的可能性” （Do Architecture-For the Possibility of Coexistence Facing a Real Reality）。展览将于2027年5月8日至11月21日（预展时间为5月6日至7日）在双年展固定场地绿园城堡（Giardini）、军械库（Arsenale）以及威尼斯市内的其他场地举办。本届建筑展的总主题设定强调建筑应当摒弃空洞理论、扎根真实场景、开展实践探索，将聚焦气候变化、城乡发展、本土文脉与时代创新等议题，兼顾历史文化传承与当代建筑革新。威尼斯双年展基金会主席布塔福科表示，本届双年展将回归建筑本源，探讨建筑与土地、材料、使用人群和场景的关系，积极寻求建筑与自然、记忆与创新、传统与当代的共存之道。本届建筑双年展总策展人王澍、陆文宇是中国著名建筑师和教育者，代表作包括杭州国家版本馆、中国美术学院象山校区、宁波博物馆、南宋御街历史街区等。威尼斯双年展中国馆办公室诚邀国内策展人、建筑师和相关学者参与第20届威尼斯国际建筑双年展中国馆策展方案的公开征选。参选人员需提交完整的策展方案，相关参选细则如下：一、基本要求（一）展览主题：中国馆展览主题应对本届双年展总主题有所呼应，结合近期出台的《城市更新“十五五”规划》，通过展示中国高质量推进城市更新，建设创新、宜居、美丽、韧性、文明、智慧的现代化城市有关举措和实践，为人类社会共同面临的现实问题和世界建筑行业发展提供中国智慧和中国方案，提升中国建筑设计的国际影响力。（二）策展方案：中国馆策展方案应从建筑角度诠释对中华优秀传统文化的创造性转化与创新性发展，立体展现我国在历史文脉保护传承、城市空间活化更新、智慧城市建设等方面取得的最新实践成果。方案应具备清晰、完整的叙事逻辑，参展作品应紧扣展览主题、兼具中国特色与国际视野，实现思想内涵、内容表达与展陈形式的有机统一。（三）展陈形式：对展陈形式没有特殊限定，但应充分考虑中国馆的室内外空间条件，因地制宜，注重内外关联，通过空间叙事、动线设计拓展观众对展览的感知和互动体验。展陈设计和搭建应严格遵守威尼斯双年展组委会的场地使用规范，确保安全。（附件：中国馆平面、立面图。下载链接：https://pan.baidu.com/s/1XykFkjPQJy3s0ScQp25wJQ?pwd=pjfk 提取码: pjfk）（四）参展资质：策展人应为中国国籍，有建筑艺术或相关领域的策展和从业经验（请提供简历或有关资质证明），策展理念和呈现方式能代表当今国际前沿水准，具有较强的资源调动和整合能力，并能够根据展览的组织、协调和推广需要组建稳定和有责任心的工作团队。二、策展方案（一）策展理念：对中国馆展览的主题、策展理念及与总主题之间的关联性进行充分阐述，应考量中国馆作为国家级对外展示平台的水准与要求，结合当下时代语境和科技创新，展示具有中国特色、体现中国精神的建筑艺术作品。（二）整体方案：应包含举办展览的完整要素，如展品介绍、展陈设计、技术和施工方案、运输方式等；应明确参展建筑师及作品，不得虚构罗列未征得同意的参展建筑师、学术支持等人员名单。展陈效果应该遵循内容和形式的整体性和创新性相统一。（三）展览费用：应包括展览整体预算、寻求资金支持的可行性方案等。（四）宣传计划：应包括计划开展的境内外宣传活动和时间节点规划等。（五）配套活动：围绕展览计划举办的配套活动，如学术讲座、圆桌会议、现场导览等。（六）工作日程表：应包括各阶段计划完成的重点事项。（七）应急预案：应包括因自然灾害等不可抗力导致展品运输、搭建安装出现问题或其他意外事件发生时可采取的应对举措。三、费用原则（一）中国馆主办方将负担中国馆的场地租金、展览期间的场地看护、举办开幕活动和部分宣传推广费用。（二）中国馆展览的策展方需负担展览策划、展品筹集（含展品、展陈的制作、搭建）、展品境内及国际运输费用，布、撤展费用，举办相关配套活动、开展媒体宣传以及展览期间观众意外伤害险等费用，主办方将对上述费用予以部分支持。四、方案评审（一）展览方案的评审工作将由中国馆主办方组建的专家评审委员会负责，并按照相关工作流程具体安排。（二）专家评审委员会将对所有符合条件的策展方案进行评审。一旦方案被选定，将及时通知相应申请人。方案一经评定，未经主办方同意不得擅自修改。（三）中国馆主办方将对提交的策展方案严格保密，未被选定的方案恕不退回。五、方案提交（一）提交时间：2026年9月30日前。（二）提交方式：电子邮件或邮寄。 电子邮箱：europe@chinaculture.org 邮寄地址：威尼斯双年展中国馆办公室 北京市东城区朝阳门北大街10号 邮编：100020（三）联系方式： 联系人：张彦雯 电话：010-59881962 工作时间：周一至周五 9:00-11:00，14:00-17:00欢迎将中文版作品集同步至EveryArt官方邮箱：everyart@163.com获得更多合作机会。 方要飛 2026-06-20 0 评论 57 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #Hito Steyerl #当代艺术家 #威尼斯双年展 #希托·史泰耶尔 希托·史泰耶尔 Hito SteyerlHito Steyerl（1966— ）是德国艺术家、电影制作人、作家与媒体理论家，以 essay film（影像论文）、数字文化（Digital Culture）、人工智能（AI）、监控系统（Surveillance System）与图像政治（Image Politics）研究闻名。她长期通过影像、装置、文本与数字媒介，探讨图像在互联网时代如何被生产、传播、操控与消费，被认为是当代“后互联网艺术（Post-Internet Art）”与“批判性媒体艺术（Critical Media Art）”的重要代表人物之一。Hito Steyerl 的创作核心在于“图像如何影响现实”。她并不只是将 video 作为叙事工具，而是将 image circulation（图像流通）、algorithm（算法）、data system（数据系统）与 digital infrastructure（数字基础设施）视为一种新的社会结构。她关注的并不仅是图像本身，而是图像背后所隐藏的权力关系、资本逻辑与技术机制。她的作品经常围绕：网络影像、人工智能、军事技术、监控系统、虚拟现实、社交媒体、以及数字资本主义展开。这些元素在作品中经常以 documentary（纪录片）、fiction（虚构叙事）、internet aesthetics（网络美学）与 academic research（学术研究）相互交织的形式出现，使观众不断游走于真实与虚构之间。Hito Steyerl 最具代表性的作品之一《How Not to Be Seen: A Fucking Didactic Educational .MOV File》（2013）以幽默而讽刺的方式讨论在高度监控的数字时代，人是否还有可能“消失”。作品模仿教学影片与网络视频的形式，通过荒诞的叙事揭示 surveillance culture（监控文化）与 digital visibility（数字可见性）的问题。她将复杂的政治与技术议题转化为具有娱乐性与批判性的视觉体验，使观众在观看过程中不断反思自己与图像系统之间的关系。在视觉与空间形式上，Hito Steyerl 经常结合：Essay Film（影像论文），Multi-channel Video（多屏影像），Digital Installation（数字装置），Research-based Practice（研究型创作），AI & Machine Vision（人工智能与机器视觉），Virtual Reality（虚拟现实），Data Visualization（数据可视化）以及 Internet Culture（网络文化）。她尤其关注：图像如何成为商品、算法如何影响认知、技术如何塑造社会结构、以及人在数字时代中的身份与处境。同时，她的作品也呈现出一种独特的 critical humour（批判性幽默）。虽然讨论的是战争技术、资本控制、监控与数据权力等严肃议题，但她经常使用 meme culture、游戏语言与网络幽默，使复杂理论以更具传播性的方式进入公众视野。Hito Steyerl 曾参加 Venice Biennale、Documenta、Istanbul Biennial 等重要国际展览，并在 Tate Modern、MoMA、Centre Pompidou、Stedelijk Museum、Serpentine Galleries 等机构举办展览或被永久收藏。她被广泛认为是当代最具影响力的媒体艺术家与图像理论实践者之一，其作品持续影响着关于 AI、数字社会与视觉文化的全球讨论。 Lili 2026-05-29 0 评论 67 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #里克力·提拉瓦尼 #Rirkrit Tiravanija #当代艺术家 #威尼斯双年展 里克力·提拉瓦尼 Rirkrit TiravanijaRirkrit Tiravanija（1961— ）是泰国裔当代艺术家，以关系美学（Relational Aesthetics）、参与式艺术（Participatory Art）与社会互动实践（Social Interaction Practice）闻名。他长期通过 cooking、conversation、shared activity 与公共交流行为，构建介于艺术、生活与社会关系之间的空间经验，被认为是当代“关系性艺术（Relational Art）”与“社会参与式实践（Socially Engaged Practice）”的重要代表人物之一。Rirkrit Tiravanija 的创作核心在于“艺术是否能够成为人与人之间关系发生的场所”。他并不只是把 gallery 当作展示物件的空间，而是将 eating、talking、waiting、sharing 与 gathering 视为作品本身，使艺术从 object（物件）转向 experience（经验）与 interaction（互动）。他的作品经常不以传统 sculpture 或 image 为中心，而是通过：煮饭、共同用餐、临时空间、公共活动、文本、声音、甚至空置空间，创造一种 social atmosphere（社会氛围）。观众不再只是“观看作品”，而是直接进入一个由行为与交流构成的 temporary community（临时共同体）。Rirkrit Tiravanija 最具代表性的作品之一《Untitled (Free)》（1992）中，他直接在画廊内搭建厨房，为观众免费烹饪泰式咖喱。作品的重点并不在“食物”本身，而在于：陌生人之间的交流、停留、共同分享时间的过程、以及 gallery 如何从观看空间转变为 social space（社会空间）。他的实践因此重新定义了：艺术作品是否必须是“物件”、以及 participation（参与）是否能够成为艺术媒介。在视觉与空间形式上，Rirkrit Tiravanija 经常结合：Temporary Architecture（临时空间结构），Social Interaction（社会互动），Cooking & Food（食物与烹饪），Text-based Installation（文本装置），Public Gathering（公共聚集），Performance Situation（行为情境），Open Environment（开放环境）以及 Everyday Activity（日常行为）。Rirkrit Tiravanija 的作品曾参与 Venice Biennale、Documenta、Whitney Biennial 等重要国际展览，并于 MoMA、Tate Modern、Guggenheim Museum、Centre Pompidou 等机构展出与收藏。他被认为是90年代以后“艺术从物件转向关系”的关键人物之一，对当代 socially engaged art 产生了深远影响。 Lili 2026-05-28 0 评论 72 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #阿彼察邦·韦拉斯哈古 #Weerasethakul 阿彼察邦·韦拉斯哈古 Apichatpong WeerasethakulApichatpong Weerasethakul（1970— ）是泰国电影导演与当代艺术家，以实验电影（Experimental Cinema）、梦境叙事（Dream Narrative）、记忆空间（Memory Space）与灵性氛围（Spiritual Atmosphere）研究闻名。他长期通过缓慢影像、自然环境、声音、非线性时间与模糊现实边界的叙事方式，构建介于梦、记忆、神话与现实之间的感知空间，被认为是当代“沉浸式电影感知（Immersive Cinema Perception）”与“诗性影像叙事（Poetic Moving Image）”的重要代表人物之一。Apichatpong 的创作核心在于“时间与感知如何改变人对现实的理解”。他并不只是将 film 作为讲故事的媒介，而是将 silence、darkness、nature、sleep、memory 与 atmosphere 视为一种能够塑造身体经验与心理状态的感知结构。他的作品通常没有明确的高潮与线性剧情，而是通过缓慢节奏、长镜头与环境声音，让观众逐渐进入一种介于清醒与梦境之间的状态。他的影像经常出现：森林、夜晚、医院、乡村、动物、幽灵、睡眠、以及无法被完全解释的事件。这些元素在作品中并不会被直接说明，而是以一种模糊、漂浮与 poetic ambiguity（诗性模糊性）的方式存在，使现实与幻想不断交叠。Apichatpong 最具代表性的作品之一《Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives》（2010）通过人与鬼魂、动物与前世记忆之间的交流，讨论：死亡、轮回、记忆以及人与自然之间的关系。影片并不强调 narrative logic（叙事逻辑），而更像一种 slowly unfolding consciousness（缓慢展开的意识经验）。观众观看的过程，实际上更接近“感受时间”本身。虽然他的作品经常带有 spiritual calmness（精神性的平静），但其中也隐藏着关于政治压抑、历史记忆、社会失语、以及 collective trauma（集体创伤）的隐性讨论。因此，他的作品既具有 dream-like tenderness（梦境般的温柔），又始终存在一种无法被完全言说的不安感。Apichatpong 的作品长期活跃于国际电影节与当代艺术机构体系。他曾获得 Cannes Film Festival（戛纳电影节）最高奖项 Palme d’Or（金棕榈奖），并参与 Venice Biennale、Documenta、Sharjah Biennial 等重要国际展览。他的影像与装置作品也曾于 Tate Modern、MoMA、Haus der Kunst、Centre Pompidou、ICA London 等机构展出与收藏。 Lili 2026-05-27 0 评论 67 喜欢
广场 #丁乙 #威尼斯双年展 #威尼斯 05.26展览｜威尼斯｜丁乙｜宇宙技艺◾️ 展览信息：◽️「丁乙｜宇宙技艺 」◽️艺术家：丁乙◽️展期：2026.05.09-2026.11.22◽️空间: Fondazione Querini Stam◽地址：Campo Santa Maria Formosa, Castello 5252, 30122 Venezia (Venice), Italy◾️关于展览：自1988年以来，代表了结构和理性“十示”符号构筑了丁乙 近40年艺术道路的基石，并发展出一套严谨缜密且不断发展的创作体系。在其大型个展中，艺术家将对十示符号的探索推向了更为纯粹的境界。本次威尼斯个展的标题援引了哲学家许煜提出的概念“宇宙技艺”（Cosmotechnics），即技术性活动能统一宇宙秩序与准则生活。在此，“十示”不再是一种象征符号，而是一种“算法”——一种累积性的重复工作，视觉化体现时间、专注力与相互关系。◾️关于艺术家：丁乙（Ding Yi）是中国当代艺术中抽象绘画的重要代表人物之一，以持续数十年围绕“十字”与“X”符号展开的系统性创作而闻名。他自20世纪80年代末开始发展《Appearance of Crosses（十示）》系列，以重复、秩序化的几何结构和密集笔触构建近似网格的视觉语言，探索城市化、工业化与理性秩序对个体经验的影响。丁乙的作品既具有极强的形式感，也隐含对时间、劳动与现代社会结构的思考，其艺术实践常被视为中国抽象艺术发展中的标志性案例。◾️关于空间：Fondazione Querini Stampalia 是威尼斯最重要的文化机构之一，位于历史悠久的 Querini 家族宫殿内，融合了博物馆、图书馆、当代艺术展览空间与建筑遗产于一体。该基金会由贵族 Giovanni Querini Stampalia 于1869年设立，旨在“促进学术与有益学科的发展”，至今仍保存着家族的艺术收藏、古典家具与文献档案，同时持续举办当代艺术项目与公共文化活动。这里尤其因建筑师 Carlo Scarpa 在20世纪60年代对入口、水庭与花园的改造而闻名，被认为是现代建筑与威尼斯传统空间结合的经典案例。 ◾️图文致谢：lisson gallery◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-05-27 0 评论 47 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #希尔帕·古普塔 #Shilpa Gupta 希尔帕·古普塔 Shilpa GuptaShilpa Gupta（1976— ）是印度当代艺术家，以装置艺术（Installation Art）、声音艺术（Sound Art）、互动媒介（Interactive Media）与文本装置（Text-based Installation）闻名。她长期关注“边界（Border）”“身份（Identity）”“控制（Control）”“语言（Language）”与“公共空间中的权力关系”等议题，被认为是近年来国际当代艺术体系中极具代表性的亚洲艺术家之一。她曾多次参与 Venice Biennale、Documenta 等重要国际展览。Gupta 的创作核心在于：“无形的系统如何影响人的存在与感知”。她并不单纯表现政治事件本身，而是关注那些隐藏在日常生活中的控制结构，例如语言如何塑造身份、边界如何定义人的自由、公共信息如何影响人们对现实的理解。她的作品经常使用LED文字，麦克风，监控装置，网络系统，声音，互动指令，公共空间介入来构建一种介于“现实系统”与“心理感知”之间的状态。Shilpa Gupta 特别擅长将 communication design 中的“信息传递逻辑”转化为一种空间体验。观众在她的作品中，不只是“观看者”，而更像是被卷入系统中的参与者。她通过文字、声音与空间路径，让观众意识到：人们每天所接触的语言、规定与社会结构，其实正在持续塑造人的行为与情绪。她的重要作品《For, In Your Tongue, I Cannot Fit》（2017–2018）通过悬挂的麦克风、发光文字与被压抑的诗歌声音，讨论了历史中因言论与身份而遭受压迫的诗人。作品将“语言”从单纯的信息媒介，转变成一种具有情绪与政治重量的存在。Gupta 的创作并不强调宏大的视觉 spectacle，而更倾向于制造一种安静但持续存在的心理张力。她的作品常常让观众在进入空间后逐渐意识到：自己已经处于某种被系统、语言或规则影响的状态之中。这种“缓慢渗透式”的体验，也使她的作品具有非常典型的当代艺术特征。 Lili 2026-05-20 0 评论 51 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #克里斯蒂安·马克雷 #Christian Marclay 克里斯蒂安·马克雷 Christian MarclayChristian Marclay（1955— ）是瑞士裔美国当代艺术家、作曲家与声音艺术家，以声音艺术（Sound Art）、录像装置（Video Installation）、影像拼贴（Film Montage）与媒介挪用（Media Appropriation）闻名。他长期研究声音、时间、电影、黑胶唱片与大众媒介之间的关系，被认为是当代声音艺术与实验影像领域最重要的代表人物之一。Marclay 的创作核心在于“媒介如何储存时间与记忆”。他尤其关注声音与影像如何被记录、复制、循环与重新组合，以及大众文化中的电影、音乐与媒介档案如何塑造人类的集体感知。他并不只是“使用声音”，而是将声音视为一种可以被切割、拼贴、重组与空间化的材料。他经常通过：黑胶唱片（Vinyl Records），电影片段（Found Footage），录音媒介，大众影像，旧技术设备建立新的时间结构与观看经验。Marclay 最具代表性的作品之一是《The Clock》（2010）。这是一件长达24小时的录像装置作品，由数千部电影中出现“时间”的镜头剪辑而成。影片中的时钟时间会与现实时间同步运行。例如当现实时间是下午3:15，观众所看到的电影片段中，也会出现3:15的钟表、手表或相关场景。另一件代表作品《Telephones》（1995）则通过大量电影中的“电话场景”进行拼接。不同电影中的人物仿佛正在互相对话，使原本无关联的电影片段形成新的叙事结构。作品模糊了虚构与现实之间的界限，也揭示了大众影像中隐藏的媒介语言。在《Record Without a Cover》（1985）中，他甚至直接取消黑胶唱片封套，让唱片在运输与播放过程中不断被刮伤与磨损。作品强调：声音并非固定不变，而是会随着物理世界与时间流动持续改变。其作品曾于 MoMA，Venice Biennale，Whitney Museum，Centre Pompidou，Tate Modern等国际重要艺术机构展出，并被广泛视为连接声音、影像与媒介历史的重要艺术家之一。 Lili 2026-05-18 0 评论 54 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #珍妮特·卡迪夫 #Janet Cardiff 珍妮特·卡迪夫 Janet CardiffJanet Cardiff（1957— ）是加拿大当代艺术家，以声音装置（Sound Installation）、声音漫步（Audio Walk）与沉浸式空间叙事闻名。她长期与艺术家 George Bures Miller 合作，通过声音、空间、记忆与身体感知之间的关系，创造介于电影、戏剧、装置与现实环境之间的体验，被认为是当代“声音艺术（Sound Art）”与“沉浸式叙事（Immersive Narrative）”的重要代表人物之一。Cardiff 的创作核心在于“声音如何改变我们对现实的感知”。她并不只是把声音作为背景元素，而是将声音变成一种能够塑造空间、时间与心理状态的媒介。她尤其关注人类如何通过听觉建立对环境的认知，以及声音如何制造记忆、错觉与情绪。她最具代表性的作品类型是“Audio Walk（声音漫步）”。观众通常会佩戴耳机，在真实空间中按照录音指引行走。录音中可能包含脚步声、呼吸、对话、环境噪音或虚构叙事，而这些声音会与现实空间中的真实声音重叠，使观众逐渐无法区分“正在发生的现实”与“被录制的过去”。例如在代表作品《Her Long Black Hair》（2004）中，观众跟随录音穿行于纽约中央公园。作品中不断出现关于一位神秘女性的叙述、历史声音与环境音，使现实空间被转化为一种介于电影、记忆与幻觉之间的叙事现场。观众不仅是在“观看”作品，而是在身体移动中进入作品。在视觉与空间形式上，Cardiff 的作品经常结合： 多声道音响系统（multi-channel sound） 空间装置 旧录音设备 影像投影 机械结构 互动式环境她非常强调“身体经验（embodied experience）”。观众在空间中的移动、停留与方向感，会直接影响作品的感知过程。因此，她的作品往往具有强烈的沉浸感与心理真实性。Cardiff 的实践与声音艺术、电影语言、空间叙事、心理感知及记忆研究密切相关。其作品曾于 Venice Biennale、Documenta、MoMA、The Met、Tate Modern 等重要机构展出，并持续影响当代沉浸式艺术与声音装置的发展。 Lili 2026-05-17 0 评论 68 喜欢
广场 #威尼斯双年展 #威尼斯 05.15展览｜威尼斯｜Anish Kapoor｜Retrospective◾️ 展览信息：◽️「Anish Kapoor｜Retrospective 」◽️艺术家：Anish Kapoor◽️展期：2026.05.06-2026.08.08◽️空间: Palazzo Manfrin◽地址：Palazzo Manfrin，Cannaregio, Venice◾️关于展览：本届威尼斯双年展迎来基金会的第二次开放，展览汇集了近百件作品。包括周期横跨五十年的建筑模型，这些模型其中一部分已付诸现实，包括芝加哥的《云门》（Cloud Gate，2004）、世界首个充气音乐厅《方舟新星》（Ark Nova，2013），以及去年于那不勒斯落成的 Monte Sant’Angelo 地铁站（2025）；另一些则尚未实现，被保留为思考的雏型，以模型形式呈现出来。展出作品还包括一些卡普尔的经典之作，例如镜子作品、颜料雕塑、梵塔黑作品（Vantablack）等。亮点是重新制作的《在世界尽头》（At the Edge of the World，1998），此次将以深沉而肃穆的黑色面貌问世。 ◾️关于艺术家：Anish Kapoor 是当代最具国际影响力的雕塑艺术家之一，1954年出生于孟买，后长期在伦敦工作。他以探索“空洞”“反射”“无形边界”等主题而闻名，作品常通过镜面、不稳定色彩、深色颜料或巨大尺度制造强烈的感知体验。Kapoor的创作横跨雕塑、建筑与公共艺术，其中包括芝加哥著名的《Cloud Gate》以及伦敦奥运公园的《ArcelorMittal Orbit》。他的作品既具有极简主义的形式语言，也融合了宗教、哲学与身体性的隐喻，被认为重新定义了当代公共雕塑与空间感知的关系。◾️关于空间：Palazzo Manfrin 是位于威尼斯Cannaregio区的一座18世纪贵族宫殿，由建筑师Tommaso Temanza设计，最初属于Manfrin家族。这座建筑因其兼具新古典主义与威尼斯晚期巴洛克风格而闻名，也曾是19世纪欧洲重要的私人艺术收藏场所之一，收藏过包括提香与丁托列托在内的大师作品。近年，宫殿经过修复后重新向公众开放，并由收藏家及艺术机构用于举办当代艺术展览与文化项目，使这座历史建筑成为连接威尼斯传统文化与当代艺术实践的重要空间。◾️图文致谢：George Darrell◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-05-15 0 评论 51 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #马克·迪翁 #Mark Dion 马克·迪翁 Mark DionMark Dion（1961— ）是美国当代艺术家，其创作结合装置、考古学、博物馆展示、生态研究与档案方法，长期关注“知识如何被分类与建构”的问题。他以对自然历史博物馆、科学系统与收藏机制的批判性模拟而闻名，是当代艺术中“制度批判（Institutional Critique）”与“生态艺术（Eco-Art）”的重要代表人物之一。Dion 的创作核心在于“谁有权定义知识”。他关注博物馆、科学、考古与档案系统如何组织世界，并指出这些看似客观的分类方式，其实隐藏着文化、权力与意识形态结构。他经常通过模拟实验室、收藏柜、考古现场与自然历史展示空间，使观众重新意识到“知识”本身并非中立。在形式上，Dion 常使用收集（collecting）、分类（classification）、陈列（display）与档案化（archiving）的方法进行创作。他会真实进入河流、城市废墟、海岸或自然环境中搜集物件，再以类似博物馆展示的方式重新排列。例如在作品《Tate Thames Dig》（1999）中，他与考古学家一起在泰晤士河岸挖掘垃圾与遗留物，并将这些物件像博物馆文物一样陈列，模糊了“废弃物”与“历史文物”之间的界限。Dion 的作品也经常涉及生态与环境问题。他并不单纯展示自然之美，而是揭示人类如何通过分类、殖民、收藏与科学系统控制自然。他的许多装置看起来像科学研究空间，但内部却充满荒诞、混乱与矛盾，从而质疑现代科学对于“秩序”的执着。在视觉语言上，Dion 的作品融合了自然历史博物馆、美术馆、档案室与实验室的展示方式。他擅长利用木柜、玻璃柜、标签、标本、地图与文献，创造一种既真实又不稳定的“伪科学”空间，使观众不断怀疑眼前信息的真实性与权威性。Dion 的实践与生态艺术、档案艺术、制度批判及博物馆研究密切相关。他通过艺术重新组织现实中的物件与知识系统，使观众意识到：人类对于世界的理解，并不是自然形成的，而是被历史、文化与权力不断塑造的结果。其作品曾于 Tate Modern、MoMA、Venice Biennale 等重要机构展出，并持续影响当代关于生态、档案与展示政治的讨论。 Lili 2026-05-15 0 评论 62 喜欢
广场 #威尼斯双年展 #威尼斯 05.13展览｜威尼斯｜Lee Ufan｜Retrospective◾️ 展览信息：◽️「Lee Ufan｜Retrospective 」◽️艺术家：Lee Ufan◽️展期：2026.05.09-2026.11.22◽️空间: SMAC Venice◽地址：Piazza San Marco 105, 30124 Venezia, Italy◾️关于展览：从早期“From Point”与“From Line”系列，到“From Winds”“Dialogue”等重要作品，留白始终是李禹焕创作中最重要的部分。那些未被填满的空间，并非空无，而是让观看、时间与感知得以发生的地方。展览最后呈现的大型“Relatum”系列雕塑，则进一步延续了这种思考。1972年后，艺术家将所有三维作品统一命名为“Relatum”，这一哲学概念指向事物之间不断生成的“关系”。钢筋、石头、砂土与钢板被极度克制地置于同一空间之中，材料之间不再存在主次关系，而是在彼此并置与制衡中形成一种安静却持续流动的张力。 ◾️关于艺术家：作为“物派”（Mono-ha）最重要的代表人物之一，李禹焕始终关注“关系”本身——石头与钢板、笔触与留白、身体与空间之间如何彼此存在。他曾形容自己的绘画：“它必须是一个有生命的点，一条有生命的线。”在他的作品里，绘画并不是制造图像，而更像是一种时间与呼吸缓慢发生的过程。◾️关于空间：SMAC Venice（San Marco Art Centre）是位于威尼斯圣马可广场的新当代艺术中心，于2025年正式开放，坐落在经过David Chipperfield修复改造的历史建筑 Procuratie 内。SMAC 以实验性和跨学科策展为核心，致力于打破传统美术馆模式，结合当代艺术、建筑、设计、哲学与社会议题，举办大型展览、研究项目和公共活动。空间拥有16个展厅，既呈现国际级艺术家的重要个展，也强调与威尼斯双年展及全球艺术机构的合作，迅速成为近年威尼斯最受关注的新艺术机构之一。 ◾️图文致谢：pace gallery◾️媒体合作：everyart2021 船 2026-05-14 0 评论 41 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #Christian Boltanski #当代艺术家 #威尼斯双年展 #克里斯蒂安·波尔坦斯基 Christian Boltanski 克里斯蒂安·波尔坦斯基Christian Boltanski（1944—2021）是法国当代艺术家，以装置、摄影、档案、灯光与声音作品著称。他长期围绕“记忆、死亡、缺席与人类存在痕迹”展开创作，是20世纪后半叶最重要的观念艺术家之一。他的作品常以个人记忆与集体历史之间的关系为核心，通过衣物、照片、档案与灯光营造出介于纪念、档案与幽灵般存在之间的空间氛围。Boltanski 的创作核心并不是直接讲述历史事件，而是关注“人留下了什么”。他尤其关注普通人在历史中的消失与匿名化问题，通过极其简单却情感强烈的材料，让观众意识到生命的脆弱与时间的流逝。他的作品经常带有一种纪念碑式的安静感，同时又充满不确定与缺失。Boltanski 经常使用旧照片、二手衣物、铁盒、昏暗灯泡与档案式排列。他的重要作品《Reserve》系列将大量旧衣服堆积成巨大的装置，衣物既象征人的存在，也暗示死亡后遗留下的痕迹。这种“缺席中的存在感”成为他最具代表性的视觉语言之一。在《Les Archives de C.B.（C.B.档案）》等作品中，Boltanski 将个人成长照片、记录与虚构记忆混合，使真实与伪造之间的边界变得模糊。他并不把档案当作客观历史，而是把它视为一种会不断被建构、遗忘与重新解释的记忆机制。其大型装置《Personnes》（2010）进一步扩展了这一主题。作品在巨大空间中堆放成吨旧衣物，并通过机械吊臂不断抓取与放下衣服，形成一种近似工业化、冷漠而压迫的氛围。观众在其中会直接联想到战争、集中营、人口统计与现代社会中的个体消失问题。Boltanski 的实践与纪念文化、档案研究、装置艺术及后战争历史密切相关。他通过极其克制却具有情绪重量的空间语言，使“记忆”从抽象概念转化为可被感知的身体经验。其作品曾在 Venice Biennale、Documenta、Centre Pompidou、Tate Modern、MoMA 等重要机构展出，并深刻影响了当代关于“档案、记忆与存在”的艺术讨论。相关作品查询：https://www.mariangoodman.com/artists/33-christian-boltanski/ Lili 2026-05-09 0 评论 52 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #道格·艾特肯 #Doug Aitken 道格·艾特肯 Doug AitkenDoug Aitken（1968— ）是美国当代艺术家，主要从事影像、声音装置、建筑投影与跨媒介空间创作。他以大型多屏幕影像装置、沉浸式环境与非线性叙事著称，其作品长期关注当代都市生活、信息流动、科技社会与人类感知之间的关系，是当代“空间影像（Spatial Cinema）”与沉浸式媒体艺术的重要代表人物之一。Aitken 的创作核心围绕“人在高速信息社会中的存在状态”。他关注现代人如何在城市、网络、交通系统与媒体环境中不断移动、切换与感知。他的作品往往没有传统线性剧情，而是通过碎片化影像、声音与空间结构构建一种流动的意识体验，使观众像进入一个不断变化的信息环境之中。在形式上，Aitken 经常使用多屏幕同步影像、建筑投影与环绕声音系统。他会将影像拆分至多个空间，使观众无法通过单一视角完整观看作品，而必须通过移动身体在空间中“拼接”叙事。这种方式使观看本身成为作品体验的一部分。其代表作品《Sleepwalkers》（2007）将多组影像投射于纽约现代艺术博物馆（MoMA）外墙，形成横跨建筑表面的城市影像叙事。作品描绘普通都市人在夜晚中的生活轨迹，通过不断切换的屏幕与节奏化剪辑，使城市仿佛变成一个持续运转的信息系统。在后续创作中，Aitken 持续扩展对“流动性”与“空间感知”的研究。例如《SONG 1》（2012）利用360度建筑投影将整个建筑转化为动态影像空间；而《Station to Station》（2013）则结合火车旅行、音乐、表演与艺术实践，构建一个不断移动的跨媒介艺术平台。除了影像与装置，Aitken 也经常将声音作为空间结构的重要部分。他的作品强调环境、节奏与身体感知之间的关系，使观众不只是“观看作品”，而是沉浸于一种持续流动的感官系统之中。Doug Aitken 的实践与媒体艺术、实验电影、声音艺术及空间叙事密切相关。他通过打破传统电影与展览空间的边界，使影像从单一屏幕扩展为一种建筑化、环境化的经验，并重新定义了观众与信息、空间之间的关系。其作品曾在 Venice Biennale、MoMA、Whitney Museum、Centre Pompidou 等重要机构展出。 Lili 2026-05-08 0 评论 66 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #圣地亚哥·塞拉 #Santiago Sierra 圣地亚哥·塞拉 Santiago SierraSantiago Sierra（1966— ）是西班牙当代艺术家，主要从事行为艺术、装置艺术与社会介入式创作。他以对资本主义、劳动关系与权力结构的直接批判著称，在当代艺术中建立了对“艺术与剥削机制”的极端而清晰的揭示路径。Sierra 的创作以“制度性不平等的再现”为核心。他并不试图通过象征或隐喻表达社会问题，而是直接将现实中的剥削关系引入艺术现场，通过付费雇佣弱势群体执行重复、无意义或身体受限的行为，使观众直面社会结构中的不公。他关注劳动如何被商品化，以及人如何在资本逻辑中被转化为工具。Sierra 的作品具有高度的冷静与直接性。他的代表作品《160 cm Line Tattooed on 4 People》（2000）中，艺术家以报酬换取参与者在背部被刺上一条直线，将身体转化为被购买的“表面”。这种极端方式使观众意识到劳动、身体与金钱之间的关系，从而揭示隐藏在日常生活中的剥削逻辑。在其后续实践中，Sierra 持续通过空间、身份与限制来表达权力结构。例如《Veterans of the Wars of Afghanistan, Iraq and Other Conflicts Facing the Corner》（2010）中，他让退伍军人面向墙角站立，剥夺其主体性，以此反思国家、战争与个体之间的关系。这种对“控制与服从”的呈现，使作品带有强烈的政治张力。Sierra 的实践与制度批判艺术（Institutional Critique）、政治艺术及行为艺术密切相关。他通过将现实中的不平等关系直接转化为艺术形式，使不可见的社会机制变得可见，从而迫使观众面对伦理与权力问题。其作品曾在 Venice Biennale、Tate Modern、MoMA 等重要机构展出。 Lili 2026-05-04 0 评论 61 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #玛尔塔·米努欣 #Marta Minujín 玛尔塔·米努欣 Marta MinujínMarta Minujín（1943— ）是阿根廷当代艺术家，主要从事装置艺术、行为艺术与公共艺术创作。她是拉丁美洲前卫艺术的重要代表人物之一，以其大胆、参与性强且具有社会象征意义的作品，在当代艺术中建立了对“艺术、媒体与大众文化关系”的独特探索路径。Minujín 的创作以“艺术作为公共事件”为核心。她将艺术从传统展览空间中解放出来，转向城市空间与集体经验，使观众不再只是观看者，而成为作品的一部分。她关注大众文化、媒体传播以及政治语境如何影响艺术的意义，并通过大型装置与行为介入现实社会。Minujín 的作品具有强烈的视觉冲击与参与性。她的代表作品《El Partenón de Libros》（1983 / 2017）以被审查和禁书构建出一个“帕特农神庙”，象征言论自由与文化解放。观众在展览结束时可以带走书籍，使作品在“分解”中完成其社会意义，体现艺术与公众之间的互动关系。在其早期实践中，Minujín 也通过实验性行为艺术挑战艺术边界。例如《La Menesunda》（1965）是一件沉浸式环境装置，观众需要穿越一系列空间体验，从而重新思考感知、身体与城市生活之间的关系。这种对体验与参与的强调，使她成为环境艺术与沉浸式艺术的重要先驱。Minujín 的实践与行为艺术、公共艺术及媒体文化密切相关。她通过将艺术转化为一种社会行动，使观众参与到意义的生成之中，从而模糊艺术与生活之间的界限。其作品曾在 Venice Biennale、Tate Modern、MoMA 等重要机构展出，在当代“艺术与公众参与”讨论中具有重要影响。 Lili 2026-05-04 0 评论 42 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #理查德·莫斯 #Richard Mosse 理查德·莫斯 Richard MosseRichard Mosse（1980— ）是爱尔兰当代艺术家，主要从事摄影与影像装置创作，其作品聚焦战争、冲突与地缘政治议题。他以独特的视觉策略著称，通过技术手段改变我们观看现实的方式，在当代艺术中建立了对“影像与政治关系”的深度探索路径。Mosse 的创作以“如何观看战争”为核心。他并不直接记录冲突，而是通过改变影像的视觉逻辑，使观众重新意识到战争图像的建构方式。他关注媒体如何塑造我们对远方冲突的理解，并通过视觉干预揭示这种观看机制背后的意识形态。在形式上，Mosse 常使用非传统影像技术。他的代表作品《The Enclave》（2013）采用红外军用胶片拍摄刚果冲突地区，使原本绿色的丛林转化为鲜艳的粉红色景观。这种高度美化的视觉效果与战争现实之间形成强烈反差，使观众在“美”与“暴力”之间产生认知冲突，从而反思影像如何影响情感与判断。在其后续作品中，Mosse 持续扩展对政治影像的探索。例如《Incoming》（2017）使用热成像技术记录难民迁徙，将人类转化为黑白热影中的轮廓。这种去个体化的视觉语言揭示了技术如何重构“人”的存在，使观众重新思考监控、边界与人道主义问题。Mosse 的实践与纪实摄影、媒体研究及视觉政治密切相关。他通过将先进影像技术引入艺术创作，使不可见的权力结构转化为可感知的视觉经验。其作品曾在 Venice Biennale、Tate Modern、MoMA 等重要机构展出，在当代“影像与政治”讨论中具有重要影响。 Lili 2026-05-02 0 评论 54 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #安德里亚·弗雷泽 #Andrea Fraser 安德里亚·弗雷泽 Andrea FraserAndrea Fraser（1965— ）是美国当代艺术家与理论实践者，出生于蒙大拿州，是“机构批判（Institutional Critique）”领域的重要代表之一。她以行为艺术、影像与文本为主要媒介，通过直接介入艺术机构与展示系统，在当代艺术中建立了对权力结构与文化机制的深度反思路径。Fraser 的创作以“艺术机构如何运作”为核心，她关注美术馆、画廊与艺术市场如何塑造价值、身份与观看方式。在她的作品中，艺术不再只是被展示的对象，而成为对自身制度的揭示与分析。她通过将自己置入这些系统之中，使观众意识到艺术体验并非中立，而是被特定话语与权力关系所构建。在形式上，Fraser 常采用表演与角色扮演的方式进入机构语境。她的代表作《Museum Highlights: A Gallery Talk》（1989）中，她扮演一位博物馆讲解员，对看似普通的空间（如洗手间或公共区域）进行夸张且学术化的讲解。这一行为揭示了语言如何赋予事物价值，使观众重新思考“什么是艺术”以及“价值从何而来”。在其后续创作中，Fraser 持续探讨艺术与资本、权力之间的关系。她的作品往往将观众、艺术家与机构置于同一结构之中，揭示参与者在系统中的位置与角色，从而使观看成为一种自我反思的过程。她通过这种方式，将艺术从形式表达转向对制度本身的批判与解构。Fraser 的实践与观念艺术、女性主义理论及文化研究密切相关。她强调艺术无法脱离其经济与社会条件存在，从而推动当代艺术对自身体系的持续反思。其作品曾在 Museum of Modern Art、Whitney Museum of American Art 等重要机构展出与收藏，并参与包括威尼斯双年展在内的国际展览，在当代艺术批判理论中具有重要影响。 Lili 2026-04-28 0 评论 60 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #托马斯·鲁夫 #Thomas Ruff 托马斯·鲁夫 Thomas RuffThomas Ruff（1958— ）是德国当代摄影艺术家，出生于策尔（Zell am Harmersbach），是“杜塞尔多夫摄影学派（Düsseldorf School of Photography）”的重要成员之一，曾在 Bernd and Hilla Becher 门下学习。他以系统化、类型学的方法处理影像，通过对图像结构与观看机制的研究，在当代摄影中建立了冷静而具有分析性的视觉语言。Ruff 的创作以“影像如何被建构”为核心，他关注摄影作为媒介的客观性与虚构性之间的关系。在他的作品中，图像不再是对现实的简单再现，而是一个被技术、制度与观看方式共同塑造的结果。他通过对影像来源、分辨率、尺度与呈现方式的控制，使观众意识到“我们如何看到”这一问题本身。在形式上，Ruff 以多个系列作品著称。其中《Porträts》（肖像）系列采用统一的背景与光线，将人物正面呈现为几乎无表情的面孔。这些大幅彩色照片刻意削弱个体特征，使人物呈现出一种去情绪化与去叙事的状态，从而将肖像从“个体表达”转化为一种关于身份与系统的研究。观众面对的不是一个具体的人，而是一种被标准化的“人像结构”。在其后续创作中，Ruff 持续拓展摄影的边界。他在《jpeg》系列中使用低分辨率图像并放大像素，使图像结构本身成为观看对象；在《nudes》系列中则通过网络图像再处理，探讨数字时代视觉的再生产与欲望机制。这些作品表明，影像不仅记录现实，也在不断重构现实的感知方式。Ruff 的创作与观念摄影、媒介研究及数字图像文化密切相关。他通过对摄影语言的拆解与重组，使观众重新思考图像的真实性与权威性。其作品曾在 Museum of Modern Art、Tate Modern 等重要机构展出与收藏，并参与包括 Venice Biennale 在内的国际展览，在当代摄影领域具有重要影响。相关作品查询：https://www.davidzwirner.com/artists/thomas-ruff Lili 2026-04-27 0 评论 56 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #扎内勒·穆霍利 #Zanele Muholi 扎内勒·穆霍利 Zanele MuholiZanele Muholi（1972— ）是南非当代艺术家与“视觉行动者（visual activist）”，出生于乌姆拉齐（Umlazi）。其创作以摄影、影像与出版为主要媒介，长期聚焦黑人酷儿群体的身份、可见性与社会处境，在当代艺术中建立了兼具政治性与人文关怀的影像实践路径。Muholi 的创作以“可见性的建构”为核心，她通过影像为被边缘化的群体建立档案与叙事，使个体经验在公共语境中被看见与承认。她将摄影从记录工具转化为一种社会行动方式，在影像中同时呈现尊严、脆弱与力量，从而对抗刻板印象与历史性忽视。在这一过程中，图像不仅是再现现实，更成为重塑身份与历史的重要媒介。在形式上，Muholi 以肖像摄影著称。其长期项目《Faces and Phases》（自2006年起）记录南非黑人女同性恋者、跨性别者及性别多元个体，通过持续拍摄与更新，构建出一个不断生长的视觉档案。作品在统一的构图与直接凝视中建立一种平等关系，使被摄者以主体身份面对观众，从而改变观看结构中的权力关系。其另一代表性系列《Somnyama Ngonyama》（2012— ）则以自画像为核心。Muholi 通过强化皮肤的黑度与对比，将身体转化为视觉与政治的场域，并结合日常材料（如橡胶、金属、布料等）构建象征性形象。这些作品既回应种族历史，也反思劳动、身份与视觉再现之间的关系，使个体身体成为社会与历史叙事的承载体。在更广泛的艺术语境中，Muholi 的创作连接了摄影、档案实践与社会行动。她通过影像为社区建立记忆与历史，使艺术成为一种持续性的公共介入方式。其作品曾在 Tate Modern、Museum of Modern Art 等重要机构展出与收藏，并参与包括威尼斯双年展在内的国际展览，在当代艺术中具有广泛影响。 Lili 2026-04-27 0 评论 54 喜欢
全球｜艺术大师 #艺术大师 #当代艺术家 #威尼斯双年展 #格雷森·佩里 #Grayson Perry 格雷森·佩里 Grayson PerryGrayson Perry（1960— ）是英国当代艺术家，出生于埃塞克斯，是当代艺术中兼具工艺传统与社会批判的重要人物之一。他以陶瓷、挂毯、绘画与写作等多种媒介进行创作，通过叙事性图像与装饰性语言，探讨身份、阶级、性别与文化结构，在当代艺术中建立了极具辨识度的表达方式。Perry 的创作以“身份与社会结构的可视化”为核心，他将个人经验与社会观察转化为复杂的视觉叙事，使作品既具有私人性，又反映更广泛的文化现实。他尤其关注英国社会中的阶级问题，通过细致的图像与文本，将看似日常的生活经验转化为对社会体系的批判与反思。在这一过程中，艺术成为揭示文化偏见与身份建构机制的重要媒介。在形式上，Perry 最为人熟知的是其陶瓷作品。他借用传统工艺形式，在器物表面绘制具有叙事性的图像与文字，使古典装饰语言承载当代议题。这种“传统形式 × 当代内容”的结合，使作品在视觉上具有亲近感，同时在内容上具有强烈的批判性。此外，他的大型挂毯作品以复杂的图像结构呈现社会阶层、消费文化与身份差异，形成一种类似历史叙事的视觉文本。Perry 的创作与其个人身份密切相关。他以跨性别身份（常以其女性化角色“Claire”出现）参与公共与艺术语境，使性别成为其创作中的重要维度。他通过对身份的表演与转换，挑战传统性别观念，并将个人经验转化为具有社会意义的艺术表达。《The Vanity of Small Differences》（2012）是其代表性挂毯系列之一。该系列由六幅大型挂毯组成，通过一个虚构人物的成长轨迹，描绘英国不同阶级之间的生活方式与文化差异。作品借鉴宗教绘画与历史叙事结构，将当代社会问题转化为视觉寓言，使观众在观看中反思阶级、欲望与身份的关系。在更广泛的艺术语境中，Perry 的创作融合了工艺艺术、观念艺术与社会学视角，使传统媒介在当代语境中获得新的意义。他曾荣获 Turner Prize（特纳奖），并参与包括 Venice Biennale（威尼斯双年展）在内的重要国际展览，其作品被 Tate Modern 等机构收藏，在当代艺术中具有广泛影响。相关作品查询：https://www.saatchigallery.com/artist/grayson_perry Lili 2026-04-16 0 评论 63 喜欢
