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创建于:2024-07-27 19:41:35
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弗朗茨·韦斯特FranzWest(1947)从抽象和互动雕塑到家具和拼贴画,弗朗茨·韦斯特的作品兼具轻松愉悦和深刻哲理的特质。作为一代艺术家的一员,他们曾接触过20世纪60年代和70年代的行为艺术和表演艺术,韦斯特本能地拒绝了艺术品与观众之间那种被动的关系。与他的行为艺术前辈(如行动主义)所要求的存在主义强度相反,他创作的作品充满活力、气势恢宏,却又不受拘束、轻松活泼。1973年,他开始创作紧凑、便携、混合媒介的雕塑作品,名为“Passstücke”(适应性作品)。这些“符合人体工程学”的物件只有在被触摸、握住、穿戴、携带或以其他方式进行身体或认知上的互动时,才成为艺术品。借鉴这些早期作品所孕育的理念,他越来越多地通过观众与物件之间持续对话的框架来探索雕塑,同时探究雕塑与绘画之间的内在美学关系。韦斯特通过运用日常材料和图像来探究艺术与社会经验的关系,彻底革新了画廊内外隐藏与显露、行动与反应之间的相互作用。弗朗茨·韦斯特于1947年出生在维也纳,2012年在维也纳去世。1977年至1982年,他在应用艺术学院学习。他的作品在世界各地无数的国际综合展览中都有展出,包括“燃烧”,马赛当代艺术博物馆(2002年);“弗朗茨韦斯特石:弗朗茨·韦斯特1973-2003年作品”,伦敦白教堂美术馆(2003年);“我们不背煤”,奥地利布雷根茨艺术之家(2003年);“近期雕塑”,纽约林肯中心和多丽丝·C·弗里德曼广场(2004年);温哥华美术馆(2005年);“亚当的苹果”,巴黎旺多姆广场(2007年,2014年巡展至马萨诸塞州北亚当斯的哈勒艺术基金会的MASSMoCA);“坐我的椅子,躺我的床”,维也纳应用艺术博物馆(2008年);“要建房子先盖屋顶:1972-2008年作品”,巴尔的摩艺术博物馆(2008年,2009年巡展至洛杉矶郡艺术博物馆);贝耶勒基金会,巴塞尔(2009年);“白象”,墨西哥城塔米约博物馆(2009年);“自动剧场”,科隆路德维希博物馆(2010年,2011年巡展至那不勒斯当代艺术博物馆和奥地利约瑟夫博物馆);费城艺术博物馆(2012年)。“弗朗茨·韦斯特:我的八号在哪里?”展览于维也纳路德维希基金会现代艺术博物馆举办(2013年,随后巡展至法兰克福现代艺术博物馆和英国赫普沃斯·韦克菲尔德美术馆,展期至2014年)。其作品的大型回顾展在巴黎蓬皮杜中心举行(2018年,随后巡展至伦敦泰特现代美术馆,展期至2019年)。包括巴黎蓬皮杜中心、伦敦泰特美术馆、维也纳阿尔贝蒂娜博物馆、洛杉矶当代艺术博物馆、明尼阿波利斯沃克艺术中心、费城艺术博物馆、华盛顿特区赫什霍恩博物馆和雕塑园以及纽约现代艺术博物馆在内的众多公共机构都收藏了他的作品。2011年,他在第54届威尼斯双年展上荣获终身成就金狮奖。
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朱赛普·佩诺内GiuseppePenone(1947)在长达五十年的艺术生涯中,朱赛普·佩诺内运用了各种各样的材料和形式,对雕塑的基本语言进行了探索。作为贫穷艺术(ArtePovera)的代表人物,佩诺内通过探索呼吸、生长、衰老等不由自主的过程,创作出了包括雕塑、行为艺术、纸上作品和摄影作品在内的大量作品。佩诺内早期以表演为基础的作品直接源于他家乡意大利加雷西奥附近的森林,在那里他与树木、水和大理石互动。在《阿尔皮·马里蒂梅》(1968年)系列作品中,他的动作和干预在很长一段时间内留下了物理痕迹:树干被铜丝、石头和艺术家手部的青铜铸件扭曲;由绳索和鹿皮制成的装置对天气做出反应;而艺术家的面部、手部和脚部的铸件则被浸入溪床中。1969年,佩诺内创作了他的第一件“树”(Alberi)作品:通过在成熟的木材上雕刻,去除外层的生长环,从而将树干中心幼苗时期的记忆展现出来,制作出“剥皮”的树。这一系列作品随着佩诺内不断改进技术以及尝试不同的尺寸和安装方式而不断变化。1970年,他甚至当着观众的面雕刻了一棵“树”,将雕塑与表演融为一体。同年,他还创作了“颠倒自己的眼睛”(Rovesciareipropriocchi)系列作品,在作品中他佩戴特制的镜面隐形眼镜并拍照。尽管这种眼镜剥夺了艺术家自己的视线,但却让他能够客观地记录图像,真实地反映出周围的环境。在此期间,佩诺内也开始探索记录其作品的不同方式,以及其身体与雕塑之间的互动。在《展开自己的皮肤》(1970-1971年)系列中,他通过摩擦(在纸上拓印)、压印(将身体压在表面上)和摄影捕捉到了岩石和树皮、皮肤和头发的复杂纹理。随后,在《呼吸》(1977年-)系列作品中,佩诺内试图将短暂的呼吸现象转化为雕塑。他拍摄了自己吹入空气中的轻质粉末的照片,并将这些云状形态转化为青铜雕塑、绘画和花瓶状的构造。《成为河流》(1981年)标志着佩诺内创作实践中的一个重要转折点。他从河流源头取出大块的石头或大理石,将其雕刻成河床底部那些较小且更圆滑的石头的样子,模仿水对石头形状和大小的影响。随后,佩诺内重新开始对人物形象的研究,创作了《植物姿态》系列作品(1982年起),这些作品是空心的人形雕塑,其形态基于单一的姿态或动作。20世纪90年代,佩诺内创作了《解剖学》(1992年起),该系列作品采用卡拉拉大理石和其他石材,以高浮雕的形式展现血管和肌肉系统。此外,他还创作了《传播》(1995年),这是一系列基于指纹同心线性图案的绘画。此后,他继续拓展早期的许多系列作品,并创作了《石头的理念》(2003年起)雕塑,将岩石与树木并置,以突出垂直与水平之间的平衡以及重力与生长之间的相互作用。佩诺内还设计了两座花园,一座在都灵,另一座在皮埃蒙特的维纳利亚王宫。在佩诺内的作品中,雕塑的变形将观众的注意力引向那些早已存在却容易被忽视的细节。通过将未经雕琢但又具有文化内涵的材料的宏伟、谦逊和亲密特质引入各种场景,佩诺内对雕塑及其本质提出了质疑。
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霍华德·霍奇金HowardHodgkin(1932)霍华德·霍奇金是英国当代最著名的画家之一,他极其注重笔触、色彩与画面背景之间的相互作用。他的笔触在木质画板上展开,常常延伸出画面,蔓延至画框,突破了传统的界限。他将时间作为构图元素,其作品充分展现了他对难以捉摸的思想、情感和稍纵即逝的私密时刻的沉浸。霍奇金出生于伦敦,在哈默史密斯特里长大。二战期间,他被疏散到纽约长岛待了三年。在纽约现代艺术博物馆,他看到了亨利·马蒂斯、爱德华·维亚尔和皮埃尔·博纳尔等巴黎画派艺术家的作品,这些作品当时在伦敦或巴黎他都很难看到。1943年回到英国后,霍奇金从伊顿公学和布赖恩斯顿学校逃学,坚信教育会阻碍他作为艺术家的发展,尽管他在两所学校都遇到了鼓舞人心的老师。随后,他于1949至1950年在坎伯韦尔艺术与工艺学院学习,1950至1954年在科舍姆的巴斯艺术学院学习。霍奇金从未归属于任何流派或团体。尽管他的许多同代人都热衷于波普艺术或伦敦画派,但他一直保持独立,最初通过一系列当代艺术家及其家人的肖像画来彰显自己的局外人身份。1962年,他在伦敦的阿瑟·图斯父子画廊举办了首次个人展览。两年后,他首次访问印度,这源于他在伊顿公学时期对印度细密画的兴趣。收藏印度艺术品成为他一生的爱好,起初他靠经营画框来维持这一爱好。1984年,霍奇金代表英国参加了威尼斯双年展。1985年,他的展览“四十幅画作”在伦敦白教堂美术馆重新开放,同年他获得了特纳奖。1998年,霍奇金加入高古轩画廊,该画廊于1998年为他举办了自1995至1996年在纽约大都会艺术博物馆举办备受赞誉的展览以来在美国的首次展览,该展览随后在得克萨斯州沃思堡的现代艺术博物馆、杜塞尔多夫的莱茵兰和威斯特伐利亚艺术协会以及伦敦的海沃德美术馆展出。2006年,他的首次全面回顾展在都柏林的爱尔兰现代艺术博物馆开幕,并随后在伦敦的泰特不列颠美术馆和马德里的国家艺术中心雷纳索菲亚博物馆展出。2016年秋,霍奇金最后一次访问印度,在返回伦敦前完成了六幅新画作。这些作品于2017年在英格兰的赫普沃斯韦克菲尔德展出,展览名为“绘画印度”,重点展示了这位艺术家与印度次大陆长期的联系。从20世纪50年代起,霍奇金一直从事版画创作,将他的视觉语言转化为纸上的作品。他探索色彩与空间在更大范围内的相互作用,为兰伯特芭蕾舞团、皇家芭蕾舞团和马克·莫里斯舞蹈团设计了舞台布景。他用黑色石料和白色大理石创作的壁画位于新德里英国文化协会总部的正面。此外,霍奇金还为英国皇家邮政设计了千禧年纪念邮票;为设计师协会设计了纺织品;为萨拉热窝、伦敦、索契和里约热内卢的奥运会设计了海报和印刷品。霍奇金于1992年被封为爵士,2003年获封荣誉勋爵。1997年,他在汉堡获得莎士比亚奖,2014年又荣获首届施华洛世奇白教堂美术馆艺术偶像奖。
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威廉·德·库宁WillemdeKooning(1904)威廉·德·库宁是纽约画派的第一代成员,该画派是一群美国艺术家,他们在20世纪40年代中期至50年代崭露头角,以充满活力的“全方位”抽象绘画手法而闻名。在长达七十年的艺术生涯中,德·库宁在抽象和具象方面的独特贡献使他与同代人区分开来,他的影响极大地改变了战后美国绘画的发展方向。德·库宁于1904年4月24日出生在荷兰鹿特丹。13岁时,他进入鹿特丹美术与工艺学院学习,同时在一家商业和装饰艺术公司当学徒。他在学院的晚上学习绘画,而在设计公司则学习装饰绘画,绘制大理石和木纹图案以及字体。这种多方面的教育使他具备了独特的技能,这些技能在他成熟的艺术中得到了体现。1926年,他藏身于一艘英国货轮偷渡到美国,次年定居纽约。在那里,他首次深入接触欧洲现代主义,受亨利·马蒂斯启发创作了静物画。不久之后,他结识了斯图尔特·戴维斯、阿希尔·戈尔基和约翰·格雷厄姆,他们成为了他的挚友。1935年,德·库宁加入了联邦艺术项目,这是美国公共事业振兴署(WPA)的一部分。这段经历促使他全身心投入绘画。在纽约的早期岁月里,他的作品在生物形态抽象和更传统的具象描绘之间摇摆不定,从大萧条时期的男子到他妻子、前身为伊莱恩·弗里德(ElaineFried)的古典肖像画,她是一位艺术家,两人于1943年结婚。这种风格和主题之间的无缝转换以及拒绝简单归类,成为了德·库宁漫长艺术生涯中的显著特征。20世纪40年代,德·库宁进一步发展了他独特的抽象风格,常常从人物画的碎片中创作出复杂的构图。这些作品最终形成了他著名的黑白画作,这些画作构成了他于1948年4月在纽约查尔斯·伊根画廊举办的首次个展的主体,并以《阁楼》(1949年)和《挖掘》(1950年)等更大规模的画作收尾。完成后者之后,德·库宁开始创作他最为著名的《女人》系列画作。1953年,六幅《女人》画作及相关素描在纽约西德尼·贾尼斯画廊一同展出,引发了艺术家、策展人和评论家们对于在抽象艺术时代具象艺术有效性的激烈讨论。20世纪50年代后半期,德·库宁的风格转向了基于风景的抽象画,他用有力的笔触作画,采用了后来被称为“全臂挥扫”的技法。在超过五年的时间里,这些抽象风景画从策展人兼评论家托马斯·赫斯所称的“城市”风格,演变为“公路”风格,再到“田园”风格,这反映了德·库宁向乡村生活的转变。在长岛东端度过越来越多的时间后,他设计并建造了一座住宅和工作室,于1963年永久定居于此。受到该地区柔和光线的启发,德·库宁将调色板转向了更轻盈、洛可可风格的粉色、黄色和蓝色,并很快开始了新的《女人》系列,这次描绘的是在田园风光中欢欣鼓舞的女性。在职业生涯的最后二十年里,德·库宁始终是一位不知疲倦的创新者,涉足版画和雕塑领域,并不断重塑自己的绘画风格。他70年代中期至80年代初的作品以高度流畅、宝石色调的风景和海景抽象画而著称。20世纪80年代,他逐渐改变了自己的创作手法,形成了一种极简主义风格,但依然十分复杂,这种风格在他最后的画作中仍在不断探索。德·库宁于1964年获得总统自由勋章,并成为众多大型展览和出版物的主题。1950年,他代表美国参加了第25届威尼斯双年展,1954年,他是美国馆重点展示的五位艺术家之一。1968年,托马斯·赫斯为纽约现代艺术博物馆组织了德·库宁的首次博物馆回顾展,该展览在国内和欧洲巡回展出。德·库宁的回顾展还在纽约惠特尼美国艺术博物馆(1983-1984年)、华盛顿特区国家美术馆(1994-1995年,仅展出画作)以及纽约现代艺术博物馆(2011-2012年)举办过。
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汤姆·韦斯曼TomWesselmann(1931)汤姆·韦斯曼是20世纪60年代美国波普艺术的领军人物之一。他摒弃了抽象表现主义,探索了裸体、静物和风景的经典表现手法,同时融入了日常物品和广告宣传品。韦斯曼于1952年被征召入伍,当时正值朝鲜战争爆发两年之际。在服役期间,他学习了航空摄影解读,之后还教授了这门课程,并开始创作有关自己经历的漫画。回到家乡辛辛那提后,他在辛辛那提大学完成了心理学学士学位,并开始在辛辛那提艺术学院上课。1956年秋,他搬到了纽约市,在库珀联盟学院学习艺术,艺术家尼古拉斯·马西卡诺是他的导师之一。在库珀联盟学院,他结识了克莱尔·塞利,她后来成为了他的妻子和终身灵感源泉。韦斯曼早期为塞利创作的画作常常是混合拼贴画的形式,融合了素描、壁纸碎片和找到的广告。同样,他早期的拼贴画作中包含可正常使用的物件和小玩意,呈现出的图像会随着观者的相对位置而进退变化。韦斯曼住在布鲁克林,靠给《星期六晚邮报》、“搞笑”杂志和广告公司画漫画来维持生计。20世纪50年代末,他与马克·拉特利夫和吉姆·迪恩在西村共同创办了朱德森画廊。在库珀联盟学院完成学业后,韦塞尔曼花了三年时间在高中教授艺术和数学。晚上,他继续拓展自己的艺术实践,创作了一些小型肖像拼贴画,比如开创性的《肖像拼贴画1号》(1959年)。韦斯曼回忆道:“我希望我的画作能像德·库宁那样在空间和视觉上具有冲击力。但为了做自己,我知道我必须忘掉德·库宁,就像他摆脱毕加索那样。”韦斯曼因其“伟大的美国裸体”系列(1961-1973年)而备受推崇,该系列将女性形象的性感描绘与艺术史和流行文化元素相结合。其中许多慵懒的女性形象都以爱国的红、白、蓝三色绘制,既借鉴了西方的具象传统,又融入了美国高电压广告的元素。20世纪60年代末,韦斯曼创作了“卧室画”(1968-1983年),以特写视角描绘裸体。在这些作品中,身体的某个部位,如手或乳房,与卧室常见的物品——电灯开关、鲜花、枕头边缘和窗帘并置。从1967年到1981年,韦斯曼创作了他的《静止的静物》系列画作,这些作品规模宏大,由多块画布组成,画布的形状依照所描绘的日常物品的轮廓而定;2018年,这一系列的九幅作品首次在纽约西24街的高古轩画廊展出。在《静止的静物》系列之后,韦斯曼继续创作三维雕塑作品。他还开发了一种用雕塑材料“绘制”的创新技法,将钢铁和铝切割成他所画形状。他20世纪90年代中期至21世纪初的抽象作品在更大规模上拓展了这种创作模式,并继续在绘画与雕塑之间探索新的边界。
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