阿尔伯特·奥伦AlbertOehlen（1954）阿尔伯特·奥伦的作品见证了创作行为所固有的自由。他通过表现主义的笔触、超现实主义的方法以及自觉的业余态度，与抽象绘画的历史展开对话，将抽象的基本元素推向了新的极限。奥伦于1978年至1981年在德国汉堡美术学院学习，很快就在柏林和科隆的艺术圈崭露头角。他与马丁·基彭伯格和维尔纳·布特纳等“年轻野兽派”艺术家联系在一起，这些艺术家致力于创作难以归类的作品，对当时艺术界的现状提出质疑。奥伦的作品跨越了关于绘画本质的各种争论，他将绘画媒介分解为其基本元素——色彩、姿态、动作和时间，并从他施加于创作过程的限制中发展出来。奥伦在随后的几十年里一直沿着这条研究路线探索，其作品呈现出显著的变化，从对20世纪80年代新表现主义的回应而创作的抽象与具象风格相结合的作品，到由彩色方格组成的绘画。随着奥伦开始将新的技术融入自己的创作——喷墨打印机、计算机辅助设计程序以及对电脑屏幕像素化线条的引用——他为自己设定的创作界限也随之改变，带来了新的障碍和挑战。其中一些自我设定的“规则”包括限制自己的调色板，并将游走的黑色线条与精心调和的渐变色相结合（如《树画》系列），以及利用擦除和叠加来对比鲜明和浑浊的色彩，比如2016年的《电梯画》，这是一幅由九个部分组成的单件作品。在20世纪90年代末，奥伦用喷漆覆盖了用大型工业打印机（通常用于制作广告牌）转印到画布上的拼贴图像。奥伦或许最为人所知的是他对“糟糕”绘画的接纳。在他的诸多规则之中，他允许某种别扭或丑陋进入自己的作品，引入令人不安的手势、粗略勾勒的人物形象、人工颜料的浓烈涂抹、大胆的色调以及肉色。通过这种方式，他证明了绘画能够实现形式的无限组合，并表明这些组合可以按照艺术家的意愿加以操控，从而为观者带来全新的感知挑战。
