搜索

免费订阅!全球当代艺术家,代表作品集中展示。
创建于:2024-07-27 19:41:35
圈里有谁
最热
杰德·法多朱蒂米JadeFadojutimi(1993)在杰德·法多朱蒂米的画作中,其作品往往规模宏大,她巧妙地运用色彩、空间、线条和动态,以表达流畅的情感和对自我认知的探索。她对日常经历的诠释方式反映出一种渴望更全面地理解身份与美丽这两个始终相互交织的概念。法多朱蒂米1993年出生于伦敦,现居伦敦并在此工作。2015年,她从伦敦斯莱德美术学院获得学士学位,2017年从伦敦皇家艺术学院获得硕士学位(同年还获得了海因绘画奖)。2019年,她的个展《角色游戏中的麻木活力》在伦敦的皮尔画廊开幕,2021年,她的个展《又一个病态拟人》在迈阿密当代艺术学院开幕。2022年,她将在英格兰的赫普沃斯韦克菲尔德举办个展。法多朱蒂米还参加了多个重要的群展和双年展,包括德国波恩艺术协会的“2020年度赠品”;英国利物浦双年展的“胃与港口”;伦敦海沃德美术馆的“今日绘画:混搭”;以及第59届威尼斯双年展的“梦之乳”。法多朱蒂米利用二十世纪绘画中的关键视觉元素,如网格、层次和不规则的笔触,营造出一种不断变化的感觉。她的作品构图有时会让人联想到植物、微生物或海洋景观,但始终趋向于抽象。这位艺术家将其称为“环境”,这些复杂的布局是通过层层叠加的油画颜料构建而成,有时还会穿插着油彩笔的线条。法多朱蒂米还将服装元素——布料的碎片、长筒袜和蝴蝶结的形状——与模糊的轮廓相结合,以反映流离失所所带来的创伤。法多朱蒂米从特定的地点、文化、物品和声音中汲取灵感,尤其是日本动漫、服饰和原声音乐(她从斯莱德学院毕业后曾前往日本,2016年又在那里驻留,如今每年都会多次前往)。写作也是她创作过程中的关键环节——有时她借助写作来帮助阐明绘画中的细微之处;有时则采用更具诗意的方式,让文字与视觉并行。对法多朱蒂米而言,艺术家和作家这两种身份是她创作实践中同等重要的方面。
anglejuner
斯坦利·惠特尼StanleyWhitney(1946)斯坦利·惠特尼解释道:“我从顶部开始,自上而下创作。”这涉及到一种呼应关系。一种颜色会引发另一种颜色。是色彩决定了构图,而非相反。惠特尼充满活力的抽象画作打破了网格的线性结构,赋予其新的、意想不到的色彩、节奏和空间韵律。他从皮特·蒙德里安、乔治·莫兰迪以及美国拼布艺术等多样化的来源汲取灵感,在每幅画布上用色块和色条构建出一种色彩上的呼应关系。多年来,他一直在试验单一构图方法看似无限的潜力,将方形画布大致划分成多个区域。薄薄涂抹的油画颜料保留了他活跃的笔触,并在每块鲜艳色彩的矩形区域相互重叠的边界处营造出一定程度的透明感和张力。通过不同尺寸的画布,他巧妙地铺设下一组组色块,倾听每种颜色的召唤,探索其自由手绘几何图形在亲密和宏大尺度上的变化效果。实验爵士乐——查理·帕克、迈尔斯·戴维斯、奥内特·科尔曼——是惠特尼的背景音乐,其即兴创作的标志性手法不断为他的绘画过程注入新的活力。惠特尼1946年出生于费城,曾在堪萨斯城艺术学院学习,1968年移居纽约市。1972年,他从耶鲁大学艺术学院获得艺术硕士学位,但发现自己与20世纪70年代和80年代政治和理论导向的当代艺术界格格不入,当时人们期望一位非裔美国艺术家直接探讨种族和文化身份的主题。惠特尼更感兴趣的是锤炼一种抽象的视觉语言,其早期作品包含被空白区域环绕的色块。在其职业生涯的这一阶段,他还专注于手势的力量,并沉浸在日常的绘画实践中。尽管惠特尼在其整个职业生涯中一直致力于色彩实验,但他独特的创作手法是在20世纪90年代于罗马生活和工作期间逐渐形成的,其作品从无拘无束的不规则形态转向了更具层次感的堆叠布局,这成为了他成熟风格的显著特征。罗马的艺术和建筑——包括宏伟的罗马斗兽场和法尔内塞宫的立面,以及在意大利国家伊特鲁里亚博物馆展出的层层叠叠的骨灰瓮——启发了他对色彩与几何关系的深刻理解。意大利一直是惠特尼创作灵感的核心来源,他每年夏天都会在帕尔马附近的工作室作画。尽管惠特尼作品中的动态和特征都指向了基本的建筑结构,但他那轻盈、自由且迅速的运用方式却颠覆了任何有关重力的暗示。惠特尼陶醉于其作品中即兴发挥的魔力,同时也不愿承认自己有任何个人色彩理论:“我喜欢将其视为纯粹的魔法,”他说道,“人们说这种颜色有这种效果,那种颜色有那种效果。而我会说,颜色就是它本身的样子。”惠特尼在纽约州的布里奇汉普顿和意大利的帕尔马生活和工作,目前是费城天普大学泰勒艺术与建筑学院的退休教授。他的作品被包括纽约大都会艺术博物馆、纽约惠特尼美国艺术博物馆、费城艺术博物馆、亚特兰大高等艺术博物馆和加拿大国家美术馆在内的公共机构收藏。2015年,他的作品回顾展“橙色之舞”在纽约哈莱姆区的斯图迪奥博物馆开幕;他还曾在包括得克萨斯州沃思堡现代艺术博物馆(2017年)和意大利威尼斯的泰波罗·帕西宫(2022年)在内的机构举办过个展。2017年,他参加了在雅典和德国卡塞尔举办的第14届文献展。
anglejuner
纳撒尼尔·玛丽·昆恩NathanielMaryQuinn(1977)纳撒尼尔·玛丽·昆恩在其由个人和收集来的素材拼贴而成的肖像画中,探究了视觉记忆与感知之间的关系。来自网络、时尚杂志和家庭照片的图像碎片汇聚在一起,形成了既具有新达达主义风格又坚定写实的混合面孔和人物形象,唤起了面对面交流时的那种亲密感和强烈感。昆恩从小就热爱绘画,他在芝加哥南区长大。九年级时,他获得了印第安纳州卡弗尔学院寄宿学校的奖学金,但到校一个月后,昆恩就收到了父亲的来信,说他的母亲突然去世了。次月他回芝加哥过感恩节,却发现他的父亲和兄弟们已无影无踪地离开了他儿时的家。这次打击进一步激发了他的艺术创作,他决定专心学业,并在自己的名字中加上了母亲的名字玛丽,这样她的名字就会出现在他所有的学位证书上。2000年,他从印第安纳州克劳福德维尔的瓦巴斯学院获得了艺术和心理学学士学位,2002年又从纽约大学获得了艺术硕士学位。在完成艺术硕士学位后,昆恩搬到了布鲁克林的贝德福德-斯图维森特社区,在那里他一边继续作画,一边担任问题青少年的教师。2013年,他取得了突破,开发出一种新技法,使他的作品受到了广泛关注。他的一名学生的母亲邀请昆恩在她家举办的艺术沙龙上展出五幅作品。然而,在开幕当天,他只完成了四幅。于是他即兴创作,开始描绘一段模糊的过往记忆,将潜意识中的图像碎片拼凑在一起。当他退后一步时,他认出了哥哥查尔斯的嘴。不久之后,布鲁克林当代非洲侨民艺术博物馆的执行馆长看到了这幅名为《查尔斯》的画作。2013年8月,该博物馆的橱窗里又展出了昆恩另外五幅风格相似的作品。同年,艺术家兼教授威廉·维拉隆戈(WilliamVillalongo)将昆恩的作品纳入了在纽约苏珊·英格莱特画廊(SusanInglettGallery)举办的群展《美国之美》(AmericanBeauty)中。《纽约时报》的艺术评论家霍兰·科特(HollandCotter)对昆恩在该展览中的画作给予了高度评价,这使得昆恩的作品在美国和欧洲的众多画廊中相继展出。自从画了查尔斯之后,昆恩一直在拓展并完善一种创作过程,即从大众媒体中收集那些吸引他的图像,剥离它们原有的文化背景,然后以纯粹美学的方式重新利用它们。接着,他在工作室里利用这些视觉片段,将自己对过去和现在的想象具象化。他用油画颜料、炭笔、水粉、油画棒和粉笔,一丝不苟地重现这些收集来的图像中的细节和面部特征,在创作过程中会遮盖部分画面。通过借鉴拼贴画的媒介形式,并将其转化为一种连贯的绘画二维性,昆恩表明,多样性是一种永恒的状态,而非短暂的瞬间。昆恩的首次个人博物馆展览《这就是生活》于2018年12月至2019年3月在威斯康星州麦迪逊当代艺术博物馆展出。
anglejuner
亚历克斯·伊斯雷尔AlexIsrael (1982)亚历克斯·伊斯雷尔探索并接纳流行文化作为全球通用的视觉语言。他与自己的家乡洛杉矶紧密相连,利用好莱坞电影制作的废弃物——背景布、布景和道具——同时他还身兼电影制作人、脱口秀主持人、设计师和全息影像等多重身份。伊斯雷尔的艺术实践本身就是一个品牌,围绕着南加州千禧一代的生活方式展开,他标志性的戴墨镜自画像充当着品牌标识,在艺术、娱乐、时尚和科技等高曝光度的平台上广泛传播。伊斯雷尔的每项努力中都蕴含着一幅洛杉矶的风景画和一幅自画像,同时也对一个由名人、产品植入和网络影响力驱动的世界进行了精明的思考。伊斯雷尔于2003年在康涅狄格州纽黑文市的耶鲁大学获得文学学士学位,2010年在加利福尼亚州洛杉矶市的南加州大学获得艺术硕士学位。次年,他开始在加利福尼亚州伯班克市的华纳兄弟设计工作室创作作品。其中包括《平面》系列,这是一组喷绘成洛杉矶日落独特渐变色的异形面板,以及《天空背景》系列,这些画作描绘了布满粉色、蓝色和橙色条纹的云层,显得如梦似幻。这些系列作品源自于他主持的一档名为《如其所是》的DIY脱口秀节目,节目中,伊斯雷尔以冷面笑匠的形象采访名人,谈论他们的日常生活和习惯,以此作为肖像画的一种形式。伊斯雷尔的《自画像》系列最初是该节目的希区柯克风格的标志,后来演变成玻璃纤维板上的色块画,最终发展成更大的写实画作,这些画作描绘了洛杉矶的风景,反映了其文化工业,并透露了艺术家的创作过程。伊斯雷尔的首个纯雕塑项目《财产》始于他学生时代,他租用了电影工作室的道具作为“无生命的演员”,在画廊里扮演各种现成物品的角色。相反,他有时也会制作无缝的电影道具复制品,将银幕记忆转化为实体复制品。他的《镜片》系列是一组高光泽、大幅放大的紫外线防护塑料太阳镜镜片,参考了20世纪60年代加利福尼亚的“完成癖好”雕塑风格以及艺术家自己的FreewayEyewear品牌。《自画像(潜水服)》是一组空心铸造的铝制人像,借鉴了古典艺术、定制冲浪装备以及艺术家自己拍摄的青少年冲浪题材长片《防晒霜18》(2017年),该片可在网飞和iTunes上观看。伊斯雷尔的《波浪》是一组绘画浮雕,将海浪拍岸的景象转化为另一种风格化的标志,其灵感也源自这部影片。2016年和2017年,伊斯雷尔与小说家布雷特·伊顿·埃利斯合作举办了两场文字画展。这位艺术家和这位作家都对洛杉矶这座城市既作为背景又作为主题充满兴趣,在他们合作的作品中,将埃利斯的短文置于伊斯雷尔惯用的背景之下,对这座城市的神话色彩进行反思。伊斯雷尔与埃利斯、路易威登、日默瓦以及Snapchat的合作,再加上他自己的InfrathinApparel服装系列以及对诸如网飞和优兔等大众平台的利用,使他的作品能够直接与主流文化产生联系,在各种表面上游走,从限量版消费产品到青少年的智能手机屏幕,穿梭于我们的思想、算法和云端之间。
anglejuner
瑞秋·怀特雷德RachelWhiteread(1963)在瑞秋·怀特雷德的雕塑和绘画作品中,日常的场景、物品和表面被转化为令人毛骨悚然的复制品,它们既陌生又熟悉。通过浇铸,她将她的创作对象——从床、桌子、盒子到水塔和整座房屋——从实际用途中解脱出来,赋予其一种新的永恒感,充满了记忆。在伦敦度过的童年时期,怀特雷德父母对艺术和建筑的兴趣对她理解形态和材质产生了巨大影响。父亲对城市建筑的痴迷“让她能够仰望”,母亲的艺术实践则让她看到家庭与工作室、生活与艺术的交集。怀特雷德深情地回忆起曾帮父亲在地下室铺设混凝土地面,将其改造成工作室。观察、清空和填充的过程贯穿于她的作品之中,揭示出日常生活表面如何消失又重现,承载着过往的痕迹。怀特雷德于20世纪80年代在布莱顿理工学院学习绘画,在斯莱德美术学院学习雕塑。1988年,她在伦敦的卡莱尔画廊举办了首次个人展览,展出了《浅呼吸》(1988年)和《躯干》(1988年)等雕塑作品,《浅呼吸》是用沙发底座翻制而成,《躯干》则是她一系列热水袋雕塑中的第一件。《躯干》系列(1988年-)是她作品中唯一直接具有拟人特征的作品。这次展览标志着怀特雷德开始使用日常物品进行创作,在这些早期作品中,她常常将原物的残余部分,比如木屑,嵌入到翻制的造型中。《幽灵》(1990年)是怀特雷德的第一件大型雕塑作品,开启了她如今广为人知的雄心勃勃、具有建筑规模的作品创作之路。这件作品是通过在伦敦北部一座维多利亚式房屋的一间屋子里灌注混凝土制成的,从而形成一个坚固的实体模型,捕捉到了墙壁、壁炉和窗户的细节。《幽灵》是一件正立的、房间大小的物体,当人们绕着巨大的形状走动时,它会逐渐显现出来。怀特雷德在《屋》(1993年;1994年被毁)中进一步发展了这种创作方法,这件作品是用一整座维多利亚式排屋浇铸而成的。怀特雷德在这一排房屋中其他房屋都被拆除之后创作了这件作品,它孤零零地矗立着,提醒着人们这条街道上曾经遍布的工人阶级住宅。这件雕塑引发了关于房地产、阶级分化和城市扩张等问题的激烈争论。怀特雷德在纽约的首个公共委托作品《水塔》(1998年)是以该市一座独特的屋顶水塔为原型,用透明树脂浇铸而成。“在阴天、灰蒙蒙的日子里,”怀特雷德解释道,“它可能会完全消失不见。而在晴朗湛蓝的天空下,它又会熠熠生辉。”这种超凡脱俗的存在与她永久安放在维也纳的《大屠杀纪念馆》(2000年)形成了鲜明对比。这座雕塑是为了纪念在大屠杀期间被杀害的65000名奥地利犹太人而建,用詹姆斯·劳伦斯的话说,它就像“一个被翻转过来的私人图书馆”,每面墙上都排列着一排排无名的书籍,正面有两扇永远紧闭的门。2018年,怀特雷德的《美国大使馆(平装盒式房屋)》(2013-2015年)在伦敦的美国大使馆揭幕,这座雕塑由一座典型的20世纪50年代美国郊区房屋的浇铸部分组成,这些部分被排列成独立的几何平面,悬挂在领事馆入口处的墙上,迎接来访者。
anglejuner