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创建于:2024-07-27 19:41:35
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1995年英国特纳奖得主:达米恩·赫斯特DamienHirst(1965-)达米恩·赫斯特是一位英国集合艺术家、画家和观念艺术家,他的作品刻意具有挑衅性,探讨虚无与美、死亡与重生,以及医学、技术和死亡。被视为1990年代艺术界的宠儿,赫斯特将甲醛中的死动物呈现为艺术。像法国艺术家马塞尔·杜尚一样,赫斯特使用现成品产生令人震惊的效果,在这个过程中,他质疑了艺术本身的本质。此外,他会借鉴其他艺术运动与艺术家。例如,其作品中大规模展示柜的常见格式借鉴了极简主义的前例,而他在创作中使用捡拾材料和助手则使他与其他同时代的艺术家产生了联系,比如美国艺术家杰夫·库恩斯,他刻意消解了艺术家手工的作用。20世纪80年代初,他以画家和拼贴艺术家的身份开始了他的艺术生涯。在1986年至1986年,就读于伦敦金史密斯学院,在此策划了一场有影响的学生展览“冻结”。赫斯特在福尔马林中展示动物,以及带有活蛆和蝴蝶的装置作品,被视为对死亡和人不愿面对死亡的反思,并且他的大部分作品都赋予了复杂的标题,凸显出他对于死亡的普遍关注。使得赫斯特作为艺术家和挑衅者的声誉迅速提升。后来,赫斯特的作品包括由旋转机制作的画作、装满烟头的放大烟灰缸、人体躯干的宏伟解剖模型、装满药物的药箱、其他装满捡拾物品的奇趣箱,以及镶嵌钻石的铂金铸就的人头骨《为上帝之爱》。
Eunice
克里斯托弗·伍尔ChristopherWool (1955)克里斯托弗·伍尔最为人所知的是他那些在白色画布上用黑色大字模喷绘出的字母画作,但他拥有多种风格;他综合运用喷绘、手绘和丝网印刷等多种绘画技法,在绘画与擦除、动作与抹去、深度与平面之间营造出张力。他将一层又一层的白色和浅白色颜料涂在之前作品中使用的丝网印刷元素之上——这些元素包括从复制品、照片细节的放大图、屏幕和他自己的画作的宝丽来照片中提取的单色形式——在看似消解画作实质的同时,使这些充满张力的画作表面不断增厚。最终只剩下一些残影和视觉障碍,每一处都定格在各自的时间节点上。通过这些涂抹与消解的多重手法,伍尔模糊了先前元素的边缘痕迹,将复制与否定转化为创作当代绘画新篇章的手段。因此,他的画作与其说是通过其呈现的内容来定义,不如说是通过其未呈现的内容和所保留的空白来定义。伍尔于1955年出生在芝加哥,现在纽约生活和工作。他曾在纽约布朗克斯维尔的莎拉劳伦斯学院和纽约工作室学校求学。伍尔的作品在世界各地的众多个展和群展中展出。个展包括旧金山现代艺术博物馆(1989年);荷兰鹿特丹博伊曼斯-范伯宁恩博物馆(1991年,巡展至瑞士伯尔尼美术馆和德国科隆艺术协会);洛杉矶布罗德家族基金会(1992年);希腊水蛇工作室奥菲乌斯收藏(1998年);洛杉矶当代艺术博物馆(1998年,巡展至匹兹堡卡内基艺术博物馆和巴塞尔美术馆);日内瓦当代艺术中心(1999年);法国第戎的康索尔蒂姆(2002年,巡展至苏格兰邓迪当代艺术中心,展期至2003年);伦敦卡姆登艺术中心(2004年);西班牙瓦伦西亚现代艺术学院(2006年);苏黎世联邦理工学院(2006年);葡萄牙波尔图塞拉维斯博物馆(2008年,巡展至德国科隆路德维希博物馆);巴黎市现代艺术博物馆(2012年);以及纽约所罗门·R·古根海姆博物馆(2013年,巡展至芝加哥艺术学院)。
anglejuner
埃德·鲁沙EdRuscha(1937)在艺术生涯的初期,埃德·鲁沙自称为“一位处理题材的抽象艺术家”。他摒弃了与抽象表现主义相关的学院派内涵,转而借鉴广告中的惯用手法,将文字作为形式、符号和材料置于绘画的前沿。他以幽默和机智在多种媒介中创作,游走于符号与实质之间,在自然和人造的景观中探寻崇高之美。1956年,鲁沙从俄克拉荷马城搬到了洛杉矶,在那里他进入了肖恩纳德艺术学院学习。在艺术学院期间,他一直以弗朗茨·克莱因和威廉·德·库宁的风格作画,后来偶然看到了贾斯珀·约翰斯1955年创作的《带四张脸的靶子》的复制品。约翰斯将现成图像作为抽象画支撑的做法令他深受触动,于是他开始思考如何利用图形来揭示绘画作为物体和幻象的双重身份。1959年,他创作了自己的第一幅文字画《E.鲁沙》,故意在计算画布上书写自己名字首字母和姓氏所需空间时出错,将最后两个字母“HA”写在上方,并用箭头标出“错误”。毕业后,鲁沙开始在广告公司工作,磨练了自己在图表设计方面的技能,并思考了比例、抽象和视角等问题,这些问题后来成为了他的绘画和摄影创作中不可或缺的部分。1963年,他出版了自己的第一本艺术家书籍《二十六个加油站》,这是一系列他在沿着66号公路从洛杉矶到俄克拉荷马城的旅途中拍摄的平淡无奇的照片。此后,鲁沙创作了十几本艺术家书籍,其中包括长达25英尺、采用折纸式装订的《日落大道上的每一栋建筑》(1966年)以及他改编的杰克·凯鲁亚克的经典之作《在路上》(2009年)。鲁沙还绘制了逼真的书籍图像,并在书脊和内页上用颜料书写文字:各种形式的书籍充斥着他对语言、艺术传播和信息传播的探索。鲁沙20世纪60年代的画作探索了语言的嘈杂与流动性。比如《哦哦哦》(1962-1963年)这幅作品,黄色的粗体字“哦哦哦”印在蓝色的背景上,让人几乎无法看着这幅画而不念出声来。自1993年在高古轩画廊举办首次个展以来,鲁沙已在该画廊举办了21场个展,其中包括2017年的《定制的诱惑:1974-1984年的素描》,该展览展出了十年间用粉彩、干颜料和各种可食用物质(从菠菜到胡萝卜汁)创作的反向模板素描。2004年,鲁沙的素描首次回顾展在纽约惠特尼美国艺术博物馆举行。他继续尝试不同的形式,并运用美国的通俗语言,思考随着网络技术改变人类交流的本质,这种语言是如何演变的。2005年,鲁沙代表美国参加了第51届威尼斯双年展,展出了《帝国的进程》,这是一个由十幅画组成的装置作品。该作品灵感源自19世纪美国艺术家托马斯·科尔的同名著名画作系列,暗指围绕现代主义进步愿景的陷阱。2018年,鲁沙的《帝国的进程》与科尔的画作在伦敦国家美术馆同期展出。埃德·鲁沙的“现在,然后”(NOWTHEN)于2023年在纽约现代艺术博物馆(MuseumofModernArt)开幕,并于2024年巡展至洛杉矶郡艺术博物馆(LosAngelesCountyMuseumofArt)。这是这位艺术家二十多年来首次全面回顾展,展出了他六十余年艺术生涯中的250多件作品,展现了其对全球艺术家、设计师和作家产生影响的标志性作品以及鲜为人知的一面。
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贾米安·朱利亚诺-维拉尼JamianJuliano-Villani(1987)贾米安·朱利亚诺-维拉尼将对当代视觉文化的广泛喜爱与对具象绘画悠久历史的深入了解相结合,从众多的参考素材中汲取灵感,创作出令人难以置信且富有感染力的画面。朱利亚诺-维拉尼1987年出生于新泽西州纽瓦克市,现居纽约并在此工作。作为商业丝网印刷工人的女儿,她小时候曾在父母的工厂里帮忙,顶着97华氏度的高温折叠了四千多件约翰·保罗二世教皇的T恤衫,同时深受90年代和00年代大众市场印刷设计的影响。她毕业于新泽西州罗格斯大学的梅森·格罗斯艺术学院,获得艺术学士学位。在校期间,她受到了该机构与激浪派的历史联系、约翰·尤和拉斐尔·奥尔蒂斯的教导以及齐默利艺术博物馆70年代苏联概念派绘画藏品的影响。2013年,朱利亚诺-维拉尼在纽约的罗森项目空间举办了她的首次个展《我,我自己和耶和华》,展出了融入拉尔夫·巴克希1992年电影《酷世界》中角色的画作。这些作品探讨了种族、身份、挪用等主题,比如在《热浪》(2013年)等画作中,还展现了绘画等级制度的崩塌,同时揭示了这位艺术家对卡通民主性质日益增长的欣赏。此后,朱利亚诺-维拉尼在纽约、伦敦、米兰、上海等地举办的展览中,继续创作出一系列源自她高中时期就开始积累的视觉素材的画作。用她自己的话说,她是在“以转瞬即逝之物创作转瞬即逝之物”,通过精心挑选和聚焦,她旨在提升其描绘对象的地位。有些画作中出现了艺术家本人的写作片段,或是诸如奥瓦塔奇(1894-1985)等其他艺术家的作品,而另一些画作则以刻意的模糊性来挑战种族和性别刻板印象。朱利亚诺-维拉尼于2021年在挪威斯塔万格艺术厅(KunsthallStavanger)举办的展览《试着解释你的感受》(TryExplainingHowYouFeel),通过从独特的美国视角重新构想卡雷尔·阿佩尔(KarelAppel)的粗犷阳刚之气和贫穷艺术(ArtePovera)的美学,对美国的历史和自我形象进行了松散的审视。2022年,朱利亚诺-维拉尼在纽约蒙托克的牧场(TheRanch)与已故的迈克·凯利(MikeKelley)的作品一同展出,该展览揭示了两位艺术家作品之间众多直接和间接的共鸣,包括他们对卑贱和亵渎形象的共同偏爱。同年,她的画作被纳入塞西莉亚·阿莱马尼(CeciliaAlemani)策划的第59届威尼斯双年展(59thBiennalediVenezia)“梦之乳”(TheMilkofDreams)展览。2021年,朱利亚诺-维拉尼与长期合作伙伴比利·格兰特(他是Dearraindrop集体的创始成员)以及来自流行迪斯科二人组Sateen的鲁比·扎尔斯基共同开设了东村画廊和项目空间O'Flaherty's。在运营的第一年,画廊展出了金·丁格尔、阿什利·比克顿、安西娅·汉密尔顿、博博和Gelatin的作品。2022年夏季项目《爱国者》的公开征集活动收到了一千多件作品。正如朱利亚诺-维拉尼的绘画实践依赖于对众多外部资源的重新语境化一样,O'Flaherty's也致力于展示同事和合作伙伴的作品。这个空间是她与格兰特十年合作实践的重要组成部分,也是他们两人艺术实践的延伸。
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沃尔顿·福特WaltonFord(1960)沃尔顿·福特的大幅水彩画借鉴了传统自然历史艺术中详尽的细节和叙事范围,却颠覆了其惯例。福特从各种不同的视觉和文字资料中汲取灵感,包括博物学家的插图和场景模型、科学实地研究、探险家的记述、动物园管理员手册,以及寓言、神话、历史艺术和好莱坞电影。他富有想象力地诠释了这些材料中的事件,还常常在画作边缘题写文字,以提供更多的阐释。他描绘了文化与自然历史的交汇点,暗指殖民主义、物种灭绝以及人类世所带来的生态后果,同时以诙谐和讽刺的笔触缓和了作品中的暴力、悲剧和对自然界的哀悼。福特出生于1960年,在纽约的哈德逊河谷长大。如今,他居住和工作在纽约市。他曾就读于普罗维登斯的罗德岛设计学院,于1982年毕业。20世纪90年代初,福特开始将自然历史插图的元素融入自己的作品中。1994年,他在印度待了几个月,期间一边画当地的鸟,一边思考全球殖民主义的影响,这促使他持续思考野生动物和历史寓言,而这也成为了他创作的核心。2006年,沃尔顿·福特的《怒虎:水彩画》在纽约布鲁克林博物馆展出,随后巡展至佛罗里达州西棕榈滩的诺顿艺术博物馆(2007年)以及得克萨斯州圣安东尼奥艺术博物馆(2007至2008年)。这场中期回顾展展出了五十多幅巨幅且细节精致的水彩画,其创作灵感来源于包括博物学家约翰·詹姆斯·奥杜邦和探险家理查德·伯顿等历史人物的记载。2007年,塔森出版社出版了《五卷书》,这本大部头图书以一部古老的印度动物寓言集命名,全面概述了福特的职业生涯。2010年,福特在欧洲的首次机构展览《兽谱》在柏林的汉堡火车站当代艺术博物馆展出,并巡展至维也纳的阿尔贝蒂娜博物馆和丹麦胡姆勒巴赫的路易斯安那现代艺术博物馆(2010-2011年)。随后,2015至2016年,他在巴黎的狩猎与自然博物馆举办了一场展览,展出了他创作生涯中的作品,以及一系列受法国18世纪神秘狼形生物“吉瓦丹野兽”启发创作的作品,这些作品与博物馆的历史艺术藏品和动物标本陈列融为一体。2017年,高古轩画廊(比弗利山庄)举办了“卡利法亚”展览,展出了受加利福尼亚神话、传说和民间故事启发创作的全景画,画中出现了灰熊、狮鹫、米高梅狮子以及从拉布雷亚沥青坑中浮现的史前生物。2022年,高古轩画廊在纽约举办了福特的巨幅水彩画展,作品主题包括西班牙探险家卡韦萨·德·瓦卡的旅程、最后一只大海雀的捕杀以及被奥杜邦描绘的金雕捕猎场景。这些作品将野生动物作为幻象和象征,探讨了历史资料中对真相的扭曲。
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