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创建于:2024-07-27 19:41:35
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2010年英国特纳奖得主:苏珊·菲利普斯SusanPhilipsz(1965-)苏珊·菲利普斯是一位来自苏格兰的当代艺术家,以声音装置作品而闻名。其作品常通过声音来探索记忆、情感和场所之间的关系,其艺术实践包括录音、现场表演和装饰等形式,引导观众重新思考他们所处的环境。菲利普斯的装置作品常使用她自己的声音录音,并在特定的地理场所播放,以"增强观众对周围环境的参与感,同时激发深刻的内省。"虽然菲利普斯演唱了许多作品,但她未受过专业训练的普通嗓音是她作品的关键元素。菲利普斯不能阅读或书写乐谱。她说:"每个人都能认同人声。我认为听到一个未经伴奏的声音,尤其是未经训练的声音,即使它唱的是一首你不知道的歌,也能引发一些非常强大的记忆和联想。如果我上过音乐学院并接受过正规训练,我就不会做今天我所做的事情。"1989年-1993年,在邓肯·乔丹斯顿艺术学院学习雕塑。1993年-1994年,在阿尔斯特大学获得美术硕士学位。2000年-2001年,担任MoMAPS1工作室艺术家驻留。1998年,《Filter》包含尼尔瓦纳、玛莉安·费伊夫、电台司令和VelvetUnderground的歌曲版本,曾在汽车站和Tesco超市播放。1999年,《TheInternationale》包含一首革命歌曲的无伴奏独唱版本。2000年,《TheDead》中,她演唱了爱尔兰民谣《奥格拉姆的姑娘》。2003年,《SunsetSong》,菲利普斯根据光线强度来变化音量,演唱了19世纪美国民谣《俄亥俄河岸》中男声和女声部分。2009年《Youarenotalone》,是菲利普斯为牛津的拉德克利夫天文台创作,她在其中使用了颤音琴。2010年,《Lowlands》,她利用自己的声音演绎了一首古老的苏格兰民歌《LowlandsAway》,讲述的是一名水手在梦中见到他去世的爱人的故事,充满了哀愁和怀旧的情感。她在格拉斯哥的GeorgeV桥底安装了扩音器,将录制好的歌曲用扩音器播放,利用桥下的回音效果,营造出一种空灵而悠远的声音体验。也正是这件作品为她赢得了2010年的特纳奖。2011年,菲利普斯受芝加哥当代艺术博物馆委托创作了一个声音装置。这个名为《我们将全部》的作品汲取了芝加哥的劳动历史,特别是1886年的海市场事件和世界产业工人组织(IWW),也被称为无政府工团主义者。苏珊·菲利普斯参加了众多知名的联展与个展。例如:1999年,墨尔本国际双年展;2000年,在卢布尔雅那的Manifesta3;2001年,在地拉那双年展;2003年,在泰特不列颠美术馆的英国三年展;2008年,第16届悉尼双年展;2009年,第55届卡内基国际展。2013年,菲利普斯被收录在《回响:当代音乐》展览中,这是纽约现代艺术博物馆举办的首个大型声音艺术展览。2016年,她的作品《部分文件乐谱》在赫希霍恩博物馆展出。
Eunice
2009年英国特纳奖得主:理查德·赖特RichardWright(1960-)理查德·赖特是一位英国艺术家,被认为是20世纪90年代从苏格兰格拉斯哥涌现出来的著名艺术家中的核心人物。他善于使用丙烯、水粉、金箔以及彩色玻璃创作,常从几何图案、极简主义字体、哥特式装饰与巴洛克点缀中汲取灵感,并以其场地特定但短暂的作品而闻名。他拒绝画布,选择在建筑墙体上创作恢弘的壁画,作品常随着展览的结束被覆盖或销毁,强调艺术的短暂性与空间互动性,这些作品巧妙地鼓励着观众重新审视他们周围的物理环境。他多样而独特的作品也展示了他深厚的艺术史知识。赖特出生于伦敦,小时候全家搬到苏格兰。1978年-1982年,他就读于爱丁堡艺术学院。1993年-1995年,在格拉斯哥艺术学院攻读硕士学位。理查德·赖特在过去十年中最具影响力的作品都是直接绘制在墙上的。这些画作常常由精心重复的设计构成,似乎暗示着极简主义的序列性,或是一种“沃霍尔式”的机械过程。这些作品需要花费数周时间,手工精心绘制而成。赖特对绘画问题的关注非常明确,他曾说:“绘画是一种对材料的实施或物理占有,它在某种程度上谈论着时间。”在他的作品中,材料本身和物理过程的重要性与作品语境同等重要。赖特的场地特定绘画总是对建筑做出回应,这种特定性是最终作品内容的重要组成部分。放弃传统画布作为支撑物,是赖特摆脱他认为存在于想法与执行之间的障碍的一种方式。2004年,《Notitled(31.03.04)》这幅画作呈现了原色几何形状的排列,它们像折叠的纸条一样散布在地面上,以强调其空间质量。地面被涂成木面板或木板的样子。莱特的作品探讨了空间形式的再现困境,但通过使用木面板的绘画仿制品,他彻底与20世纪初围绕材料真实性概念展开的争论划清了界限。莱特制作海报版画,设计成可以贴在墙上,从而激活空间,迫使观众以不同的方式体验画廊。与立体主义到波普艺术等关键现代主义人物将商业海报从街头带入纯艺术实践的惯例相反,莱特也将他的海报交给专业的街头涂鸦者,随机贴满城市,成为城市肌理的一部分。无论贴在画廊内还是外,这些海报都直接涉及艺术价值的问题。与其说是像20世纪上半叶所辩论的高与低的相互渗透,不如说是与它作为商品的地位相关,这一地位最初在70年代的概念艺术中被挑战。1994年,赖特在格拉斯哥传输画廊举办了其首个个人作品展,此后其作品在全球范围内展出。例如:1997年,悉尼澳大利亚当代艺术博物馆;2001,伯尔尼美术馆和利物浦泰特美术馆;2004年,苏格兰陶德市当代艺术中心;2007年,圣地亚哥当代艺术博物馆;2008年,美国匹兹堡卡内基国际艺术展;2009年,伦敦高古轩画廊;2010年,苏格兰国家现代艺术馆;2013年,荷兰国家博物馆等。众多机构收藏了其作品,例如:纽约现代艺术博物馆、德国门兴格拉德巴赫的阿布蒂贝格博物馆、米德尔伯勒现代艺术学院、匹兹堡卡内基艺术博物馆、伦敦泰特美术馆、圣地亚哥当代艺术博物馆、苏格兰爱丁堡现代艺术馆、英国伦敦泰特不列颠美术馆、荷兰阿姆斯特丹国家博物馆、伦敦格林威治皇家博物馆的皇后之家、伦敦托特纳姆宫路伊丽莎白线车站等。
Eunice
2008年英国特纳奖得主:马克·莱基MarkLeckey(1964-)马克·莱基是当今最具有影响力的英国当代艺术家,他的艺术创作以影像作为出发点,结合装置、雕塑、音乐等,甚至还会通过展览策划本身来探讨艺术更广泛的共鸣。此外,他作品中的文化现象也一直是他研究与探讨的主题,他非常擅长重组这些毫无关联的平凡片段,引导观众的另一种思考。1990年,从纽卡斯尔理工学院毕业。1997年搬到伦敦。自20世纪90年代末以来,他的作品探索了多种文化的交汇点:青年文化、锐舞文化、流行文化以及英国历史。他的创作手法同样别具一格,他巧妙的将雕塑、电影、声音和表演融合在一起。1999年,莱基创作了一部15分钟的影片,名为《FiorucciMadeMeHardcore》,这部作品是1970年代、1980年代和1990年代英国地下音乐和舞蹈场景的影像合集,它从1970年代的迪斯科场景开始,触及了1970年代末至1980年代初的北方灵魂,并以1990年代的狂热场景达到高潮。整个视频期间播放着单一音轨的混音,给视频带来统一感和叙事感。然而,视频中也有一些时刻出现了旁白文字。在某个时刻,一个动画元素——一只鸟的纹身图像——仿佛从舞者的手中释放出来,然后在下一个镜头中被带到另一位电影夜店的参与者手臂上。有些舞蹈动作被循环播放几秒钟,有些则以慢动作播放。莱基创作过提供听觉和视觉刺激给观众的“沉浸式”作品,例如:2002年,《SoundSystem》。2004年,《MadeinEaven》,这段视频发生在莱基空旷的伦敦工作室。镜头围绕杰夫·科恩斯的兔子旋转,这件作品被放置在莱基伦敦公寓空旷房间的中央。视频被转制成16毫米胶片,并"像雕塑一样放在基座上展示。雕塑的光滑表面清晰地反射出房间,但镜头没有反射,过了一会儿观众意识到工作室里从未有过兔子;那只是科恩斯作品的计算机生成图像。2006年,《DrunkenBakers》,莱基挪用了《Viz》杂志《DrunkenBakers》漫画系列,添加了特写镜头以及跳切镜头,并将其重新制作成类似定格动画的视频,同时还添加了打嗝、呕吐、吸吮等音效,在每个片段之间淡入黑色。2008年,他凭借《IndustrialLightandMagic》荣获当年特纳奖。他的突破性电影蒙太奇作品《FiorucciMadeMeHardcore》追溯了20世纪70至90年代英国地下俱乐部场景。这部作品使用了收集来的影像片段,远在YouTube的混剪文化出现之前就已诞生,是对集体记忆与个人记忆的超级剪辑。此后,他的作品在国际上广泛展出,包括2007年在第戎的勒康索蒂亚姆举办的个展以及2008年在科隆的科隆艺术协会。2009年,他的表演作品在纽约现代艺术博物馆(MoMA)等上演。他将现代的怀旧描述为“一种当代状态,与科技、资本主义相关”。这在2015年的影像作品《DreamEnglishKid,1964–1999AD》中体现得淋漓尽致。在这部作品里,艺术家看到网上一段自己年轻时也参加过的快乐分裂乐队演唱会的视频后,便用找到的素材重现了自己的童年。通过使用素材、电视节目片段及那座M53桥的3D渲染图,但影片并非在描绘他本人的童年,而是重构了一种集体记忆。他觉得怀旧在某种程度上类似算法,“就像数据在你身体里穿梭。”这和绅士化有点类似,“作为一名艺术家或其他身份,你只是进入某个空间,却全然不知自己正将社会引向何方。”莱基举办了众多的个展以及联展。例如:2006年,泰特三年展;2014年,布鲁塞尔Wiels当代艺术中心举办一场名为“LeadingEnchantmenttoVulgarMaterials回顾展;2019年,在伦敦泰不列颠美术馆,展出“O’MagicPowerofBleakness”艺术家网站:https://markleckey.com/bio
Eunice
2007年英国特纳奖得主:马克·沃尔宁格MarkWallinger(1959-)马克·沃尔宁格是一位富有洞察力且多样化的英国艺术家,他的作品遍及雕塑、摄影、电影、绘画和装置等多种形式。他擅长对现有的形象、符号和对象进行重新构思和奇妙的再演绎,对于表征和权力的理解构成了他作品的主导理念。马克·沃尔宁格的作品具有明确的政治色彩,深度探讨了当今社会和政治环境的问题。他将艺术与政治结合,试图通过观察和创作艺术来对抗那些试图操纵、激励或煽动人们的图像或信息。因此,他的艺术风格常被描述为“政治的表现和政治的展示”-一个旨在让观众对所接受的信息和图像有自己的判断和认识的论述方式。此外,其创作过程充满了深思熟虑和策略性,但并不局限于一种确定的艺术形式或风格。反而,他的作品展现出了一种持续的探索和发展。从他的成熟作品中可以看出,他善于将各种元素和观念巧妙结合,营造出强烈的视觉冲击和思考深度。1977-1978年,在埃塞克斯的劳顿学院学习。1978-1981年,在伦敦切尔西艺术学院学习。1983-1985年,在伦敦史密斯学院学习,在这里他参与了英国青年艺术家运动。他的早期作品反映了他在英国左翼思想传统的根源,以及他的作品具有广泛的吸引力。在1994年,《ARealWorkofArt》一匹由艺术家命名的真实赛马,是他对杜尚普式的现成概念的扩展。在更一般的层面上,他的作品也可以被解读为对20世纪末英国身份的讽刺:它的历史神话、传统、仪式和社会制度。皇家雅士谷赛马会是世界上最著名和最独特的赛马之一,每年举行一次,以其皇家盛会和传统而闻名。在沃尔宁格的作品《RoyalAscot》中,艺术家在国歌奏响的同时,展示了英国王室在他们令人惊叹的马车中的游行队伍,这是最好的仪式。然而在这里,他从连续几天的几次游行中拍摄了镜头,并将这些镜头循环播放在四个显示器上播放。该活动的重复揭示了其高度仪式化的一面,以及皇室的机械姿态。尽管主角们的服装各不相同,但沃尔宁格揭示了习俗的荒谬性,以及英国盛会的高度建构性质。这件作品在四个航空箱上以游行形式展示,以讽刺皇家游行的高度人工性质。2008年,沃尔宁格是入围比赛的五位艺术家之一,该比赛在英格兰东南部的Ebbsfleet创作一座公共雕塑,作为该地区重建的一部分。他提议建造一匹50米高的纯种赛马,并在2009年赢得了比赛。沃尔宁格的艺术作品也被众多知名机构收藏,他也广泛开办个展与参与联展。例如:1997年,第5届伊斯坦布尔双年展;2005年,墨西哥城CarilloGil艺术博物馆;2006年,布拉格国家美术馆;2007年,芝加哥DonaldYoung画廊;2008年,瑞士阿劳艺术博物馆;2010年,伦敦AnthonyReynolds画廊。近期,2025年,泰森艺术画廊正在举办沃尔林格个展“GravityistheWeakestFroceintheUniverse”
Eunice
2006年英国特纳奖得主:托马·阿布斯TommaAbts(1967-)托马·阿布斯是一位出身于德国的视觉艺术家,1988年-1995年,阿布斯就读于柏林艺术大学。她以小型、精心构图的几何作品而闻名。阿布斯在创作过程中,不设有任何绘画的主题,只是确定画布的尺寸和所用的材料,凭借直觉进行艺术创作,可以从其作品中看到多次精心修改的痕迹。阿布斯的绘画风格可以定义为抽象艺术,并且与德国表现主义的具象绘画相对立,她的画作没有对自然、人类世界或其他主题的引用。阿布斯的创作耗时较长,且产量不高,自21世纪初以来,她的众多画作尺寸均为48×38厘米,其标题普遍源自一本德语词典中的词汇,她表示这是最适合她的绘画尺寸;她的每幅作品的配色方案呈现出浓郁和略带中性,这些色调相互融合,通过不断细致地层层叠加与润色,她营造出了一种3D效果——作品以厚重的笔触绘制,几乎是过度涂抹,这暗示着某种反复试验的创作过程,似乎,这些颜料层之下正在掩盖着某种物质。阿布斯的作品多次应邀参加多项国际大展,其作品也被诸多的国际知名机构收藏。例如:2001年,伊斯坦布尔双年展;2004年,匹兹堡卡内基国际展;2005年,巴塞尔艺术馆;2008年,纽约新博物馆;2011年,杜塞尔多夫艺术馆;2018年,芝加哥艺术博物馆以及伦敦蛇形画廊。
Eunice