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创建于:2023-08-24 20:09:32
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展览|星空间《巨神像》◾️展览信息:◽️《巨神像》◽️艺术家:潘琳◽️展期:2024.8.31-2024.10.9◽️空间:星空间◽️地址:北京市朝阳区酒仙桥路2号798艺术区 797东街A05◾️关于展览:我们欣然宣布将举行潘琳在星空间的第二次个展:巨神像(TheColossus),以呈现艺术家最新的创作动态和艺术进展,展期从8月31号持续至10月9号。展览名为“巨神像”,其灵感来源于美国女诗人西尔维娅·普拉斯(SylviaPlath)的同名诗作。在这首动人的诗篇中,诗人以一尊历经时光摧残后破损且半被掩埋的巨大雕像为喻体,来指涉她自己与父权制遗存、伟大诗歌传统之间的复杂关系,以及自己在这一过程中所逐渐意识到的创造者使命和主体性。在反复阅读诗歌的过程中,潘琳找到了深刻的共鸣。自幼习画的潘琳,曾经将绘画视为自己人生路上的亲密伙伴、唯一不能失却的庇护所;而今,随着创作状态的日渐自觉,这既呈现为画面上的视觉丰沛,也令她对自己与艺术的关系有了更强烈的体认和定位,恰如普拉斯为巨神像清理喉管的淤泥、使其内部空间到来一般,潘琳也总是从自己想画的画面一再驱向于未知的边缘,谋求感受力的综合传递。◾️关于艺术家:潘琳(b.1986),工作生活于北京。2010年学士毕业于中央美术学院油画系。2014年硕士毕业于中央美术学院油画系。2016年硕士毕业于美国波士顿大学绘画系。潘琳的画作呈现一个生机勃勃的色彩世界,笔触间流淌着无尽的能量与活力。绘画是潘琳剖析自我的工具,她依据个人感受对生活中收集到的图像进行筛选归类,通过拼贴手法将图像碎片重组变形,经由绘画重新诠释自身对视觉体验的细腻感知。她远离经验主义的束缚,遵循某种创作准则的同时,寻求“想要作画”的纯粹冲动,即兴表达瞬间的感受,凸显“我在画画”这一状态的存在。近年来潘琳的灵感来源于词组、人名、诗歌,她以绘画的方式唤起自我感知去记忆它们,为文字建立个人化的视觉锚点,拓展自身绘画的可能性。◾️关于美术馆:星空间创立于2005年,位于北京798艺术区的一栋包豪斯式工业建筑中。星空间坚持以艺术价值为核心,通过展览、出版、驻留等多种形式传播艺术品的文化价值,力求在中国这一新兴的艺术市场中,与艺术家和收藏家共同成长。◾️图文致谢:星空间◾️媒体合作:everyart2021
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展览|大田秀则画廊《既恐惧、又无限、也感到循环》◾️展览信息:◽️《既恐惧、又无限、也感到循环》◽️艺术家:久门刚史◽️展期:2024.9.13-2024.10.26◽️空间:上海大田秀则画廊◽️地址:上海市黄浦区虎丘路78号一层◾️关于展览:上海大田秀则画廊荣幸地呈献日本艺术家久门刚史(1981年生于京都)的个展“既恐惧、又无限、也感到循环”。这是艺术家在中国的第三次个展,也是其于画廊洛克·外滩源空间的首次单独亮相。展览的标题节取自友人对久门2023年于京都市立艺术大学艺廊的个展“DearFuturePerson,”的观后感。也是同年,儿子的出生使得久门更多地开始思考生死观,对于个体生命之生,他切切实实意识到生命的喜悦、死亡的恐惧,感受到生命的循环是自然变化的必然轨迹。而人作为宇宙的局部,在本质上是统一的,宇宙的运行循环往复、无穷无尽、自然而然存在着的,宇宙中的一切——包括人,相互关联和影响、相互之间维持着微妙的平衡。在过去的十余年里,久门的艺术实践以装置作品为中心,融合了他对空间、时间、自然和宇宙与人类关系的思考。光、电和声音常常在他的作品中集合。在装置《宇宙/诗#1》(2022)中,纤细的圆圈形霓虹灯管穿过圆孔,将木架与其上象征个体世界的白板串联起来;光束遵循既定轨迹游走,大小不一的白板和圆锥被摆放在在木架周围——揭示了一种相互依存、相互制约的平衡。在另一件作品《宇宙/诗#2》(2022)中,线形光束直直地穿过并排摆放的玻璃柜,艺术家将其描述为“在世界上打开了一个洞”,毫不犹豫穿过物体的光线仿佛利落地跨越了被分割成不同阵营的纵切社会。◾️关于艺术家:久门刚史(生于1981年,京都,日本)于2007年获得了京都市立艺术大学的雕塑系艺术硕士学位。久门刚史对构成人类活动的基本感性和独特性/永恒感兴趣,他创作的概念作品运用多种方法和媒介,包括声音、灯光、编程、雕塑、绘画和大型装置。艺术家希望他的作品能与观众的记忆和想象共鸣,并增强他们的视觉和听觉感官。久门刚史于2020年在豐田市美术馆举行了他的首次博物馆级别的个展。他曾当选东亚文化交流特使,并荣获“Mercedes-BenzArtScope2018-2020”奖项、“2015年日产艺术大奖”观众奖和“VOCA2016当代艺术视角”大奖。◾️关于美术馆:大田秀则画廊1994年创始于东京。一直以来,大田秀则画廊通过不同合作项目和代理业务,推广多位艺术家。大田秀则画廊的宗旨是在“亚洲文化带”—从中东到南亚、东南亚、东亚的区域概念。挖掘区域内的特性及共同性,并且将它带入画廊项目中。◾️图文致谢:大田秀则画廊◾️媒体合作:everyart2021
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展览|贝浩登画廊《纵享盛宴》◾️展览信息:◽️《纵享盛宴》◽️艺术家:奥利·埃普◽️展期:2024.9.6-2024.10.19◽️空间:贝浩登纽约◽️地址:纽约下东区果园路130号◾️关于展览:贝浩登(纽约)欣然呈现伦敦艺术家奥利·埃普的第二次个展“纵享盛宴”。此次展览展出了埃普的全新系列超现实主义绘画,他将穷奢极欲的世界描绘成戏剧性的表演,捕捉了隐藏于我们无尽欲望之下的未言悖论。奥利·埃普的厨房是其想象世界的缩影。在具有收藏价值的BillBellMcDonald's盘子和猫形设计师茶壶之间,有一个精致的木制储藏室,从地板到天花板都装满了糖果。架子上摆满了猕猴桃味的软糖、果冻绳、小块巧克力,甚至还有一台装满花生M&M巧克力的糖果机器。埃普微笑着热情邀请来访者随意取用。这一场景象征着埃普的艺术作品,糖果的亮丽色彩和即刻满足正如他画作中的诱人表面和迷人的细节。然而,在这甜蜜的外壳之下,隐藏着对欲望、消费与当代生活中稍纵即逝的快乐的深刻反思。◾️关于艺术家:奥利·埃普1994年出生于伦敦,他曾在伦敦城市与行会艺术学校(City&GuildsofLondonArtSchool)深造。埃普独特的艺术创作过程涉及细致的规划——从初步的草图到最终的涂层,创作出融合了幽默与批判的作品。埃普的画作起初源于本能的素描,通过数字化操作后,最终以油画、丙烯和喷枪在画布上呈现。其作品以生动的色彩和锋利的线条为特点,营造出愉悦的视觉体验,掩盖了对人类境况的潜在焦虑。◾️关于美术馆:艾曼纽·贝浩登(EmmanuelPerrotin)于1990年在巴黎创立画廊,至今于巴黎、香港、纽约、首尔、东京、上海和洛杉矶等地设立了空间。过去30多年来,贝浩登通过诸多合作项目展示并支持着现当代艺术家们。◾️图文致谢:贝浩登画廊◾️媒体合作:everyart2021
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展览|贝浩登画廊《之间》◾️展览信息:◽️《之间》◽️艺术家:李培◽️展期:2024.9.6-2024.10.19◽️空间:贝浩登纽约◽️地址:纽约下东区果园路130号◾️关于展览:贝浩登(纽约)欣然呈现李培全新的沉浸式作品展览“之间”。此次展览是继艺术家两次大型装置展览之后的再度重要呈现。2023年,李培成为首位受邀在纽约洛克菲勒中心开展大型项目的韩国艺术家;目前他在威尔莫特基金会(WilmotteFoundation)的个展作为第60届威尼斯双年展的官方平行展览,展至11月24日。在此次贝浩登纽约空间的展览中,艺术家呈现了一件用炭墨绘制的特定场域纸质装置,此外还展出了一系列青铜雕塑作品。这些作品利用极简的形式捕捉逝去的时间碎片,探索文化过往与当代之间的临界空间。作为韩国极简主义艺术的领军人物,李培追求对形式的纯粹表达。他创作的核心是对黑色与物质性的形式研究。在过去四十年中,他对木炭这一媒介的运用已臻化境。在他的创作中,木炭象征着生命的循环、重生以及个人历史。21世纪初之前,李培几乎只使用原炭创作出极简的马赛克拼贴作品以及炭化木材的雕塑装置。而最近五年,他开始尝试炭墨绘画和青铜等材料的多种可能性。◾️关于艺术家:李培(1956)的单色画实践是一场严肃的、沉浸式地步入黑暗的旅程。他巧妙地模糊了绘画、雕塑和装置之间的界限,发展出了跨越类别的抽象美学,为非彩色形式的创作注入了有形的深度与强度。直至21世纪初,他一直只使用原始的木炭创作,在画布上用烧焦的木片或木块拼贴出简约而精致的马赛克般的组合,以及采用更为大型的碳化树干进行雕塑般的装置排列。木炭,一种通过燃烧木材获得并用于起火的材料,为生命的循环提供了强有力的隐喻,这进一步激发了李培的探索,包括其中所暗示的时间的第四维度。艺术家近期已经将创作只聚焦于炭墨——一种接近煤烟的物质,李培在其最新系列作品中分别使用了碳墨于布面与纸本上作画,定格了随机的运笔和元素以及蕴含其中的时间。◾️关于美术馆:艾曼纽·贝浩登(EmmanuelPerrotin)于1990年在巴黎创立画廊,至今于巴黎、香港、纽约、首尔、东京、上海和洛杉矶等地设立了空间。过去30多年来,贝浩登通过诸多合作项目展示并支持着现当代艺术家们。◾️图文致谢:贝浩登画廊◾️媒体合作:everyart2021
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展览|八大画廊《NoWhere》◾️展览信息:◽️《NoWhere》◽️艺术家:长谷川沙织◽️展期:2024.9.15-2024.10.30◽️空间:八大画廊◽️地址:上海普陀区莫干山路50号(M50艺术区)4号楼101◾️关于展览:当我们醒着时,我们总是在看什么?眼睛能够捕捉外界的光并为我们获取信息,然而我们的意识却不一定与眼睛同步在线,有时它已经游移至遥远的过去或未来。也许我们都经历过这样的时刻:在做白日梦时通过意识感受到某种东西就在我们面前,却无法用肉眼看到它。长谷川沙织将这种现象称为“maigonofuukei”(即“丢失的景观”)并试着通过绘画来捕捉生活中意识游离到远方,终又回归现实的那些瞬间。对于艺术家来说,将丢失或看不见的风景可视化的想法是矛盾的,但她始终意识到它的存在与通过绘画探索其本质的可能性。本次展览中,植物和风景是长谷川创作的主要图案。她依照观察绘制植物、通过拍摄储存的照片再现风景,专注于景观的每个部分并交叠不同时期的图案以逐渐构成整体画面:大片的花叶藤蔓在单色背景前牢牢占据了视觉中心,又缠绕着扩张到了大桥、江景、海岸、道路等常见的城市景观中央;明亮的色彩带来了如沐春风般的视觉愉悦,随处可见的风景也让人感到似曾相识。与此同时,长谷川也并未忘记探索思想的来回运动。当艺术家的视线在风景和植物之间来回打转观察时,意识便开始了漂移,心灵和意识指向一个无法被称为任何地方的地方,在记忆和尚未发生的未来时间和空间中徘徊。越过近在咫尺的日常生活与感官,长谷川沙织邀请观者体验心灵与身体之间交流的微妙感受,寻找那些不曾看到却也无处不在的地方。◾️关于艺术家:长谷川沙织1992年出生于日本埼玉县,2010年高中毕业于埼玉县综合美术高中(艺术学科),2014年本科毕业于多摩美术大学(油画专业),2016年硕士毕业于多摩美术大学艺术设计研究生学院,完成油画、绘画等硕士课程。◾️关于美术馆:八大画廊开创于1987年,多年来一直秉持艺术家和客户共赢的经营理念,深植经典,发掘当代。◾️图文致谢:八大画廊◾️媒体合作:everyart2021
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