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创建于:2025-01-06 13:54:01
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格雷琴·安德鲁(GretchenAndrew)GretchenAndrew于1988年出生于加利福尼亚州洛杉矶。她在硅谷工作期间在波士顿学院学习信息论,但后来在伦敦师从著名的具象绘画传奇人物BillyChildish。今天,这位居住在洛杉矶市中心的艺术家主要以她的愿景板和相关的艺术世界机构的表演性互联网纵而闻名,例如洛杉矶弗里兹艺术博览会、惠特尼双年展、特纳奖和艺术论坛的封面。她的实践同时被称为“搜索引擎艺术”和“互联网帝国主义”——评论家乔纳森·格里芬(JonathanGriffin)在LALA杂志上将其描述为暗指“互联网的狂野西部可能性和她艺术抱负的规模”。通过识别艺术家所说的“积极失败”,她能够将全球互联网变成她个人的表现机器。Gretchen指出,“互联网无法解析欲望”,因此当她创建愿景板和网站表达希望登上Artforum封面的愿望时,互联网立即将其变为现实。“互联网,”艺术家们解释说,“从'格雷琴希望有一天能登上《艺术论坛》的封面”跳到“格雷琴登上了《艺术论坛》的封面”。结果是,Gretchen的愿景板出现在实际的Artforum杂志的历史印刷封面上方。Gretchen的作品以其最生动、最令人难忘的物理形式作为愿景板,她将其制作在画布和画廊墙壁上,例如2019年在洛杉矶数字艺术中心。她的愿景板中以工艺为基础的女性化和琐碎的材料与他们所生活的男性主导的政治控制、机器学习和人工智能世界形成鲜明对比。虽然她的愿景板是围绕画布上的木炭画创作的,但她的愿景板也经常包含来自洛杉矶手工艺区的芭蕾舞女演员蛋糕装饰、泡沫花、织物蝴蝶、宝石和独角兽磁铁等材料。然后,这些愿景板通过元数据、搜索引擎优化和其他电子商务方法进行编程,以篡夺现有的现实以实现希望的未来。Gretchen的作品曾在《洛杉矶时报》、《LALA杂志》、《FAD》、《artnetNews》、《Dazed》、《Hyperallergic》、《Artillery》和《金融时报》上发表。
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阿兰娜·法瑞尔(AlannahFarrell)阿兰娜·法瑞尔出生于纽约州金斯敦,在卡茨基尔度过了童年——纽约州北部一个森林茂密的地区。Farrell的父母都是艺术家,并在他们很小的时候就向他们介绍了视觉艺术。Farrell于2006年搬到纽约市,在那里他们在TheCooperUnion学习摄影。这种摄影训练影响了他们在绘画中对光影的鲜明处理——卡茨基尔的漫射光线和戏剧性的自然景观也是如此。2011年获得学士学位后,Farrell做过几份零工,包括模特。2019年,Farrell为画家AlixBailey担任模特,后者鼓励Farrell展出他们的画作。此后不久,Farrell在绘画中心举办了他们的第一场展览(2019年),随后与ThierryGoldberg画廊举办了几场展览和多场在线展览。Farrell为他们的朋友和纽约创意社区的成员创作了空灵、昏暗的画作,其中许多人认为自己是LGBTQIA+。Farrell通常在黎明或黄昏时分在家庭环境中描绘他们的主题,使用颜色、光线和阴影来创造沉思、梦幻般的情绪。Farrell的主题探讨了同龄人的各种焦虑、身份和想法。特别是,他们的画作研究了工作不安全感、社交媒体的影响、心理健康以及围绕种族、性别和身份的不断扩大的话语。AlannahFarrell的个展包括HistoryofViolence,AnatEbgi画廊,洛杉矶;ANightinJune,ThierryGoldberg画廊,纽约;“没有房间的世界”,绘画中心,纽约(2019);毕竟......你还记得吗?GhostGallery,纽约。群展包括:GoodCompany,AnatEbgi画廊,洛杉矶(2021年);“36Paintings”,哈珀斯画廊,纽约(2021年);“Ensemble:TogetherAgain”,绘画中心,纽约(2020);ParaísoPerdido,蒂埃里·戈德堡画廊,纽约(2019);“姿势:酷儿艺术家群展”,CityBird画廊,纽约(2015)。
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纳玛·萨巴尔(NaamaTsabar)NaamaTsabar的艺术实践融合了雕塑、音乐、表演和建筑等元素。她的互动作品揭示了隐藏的空间和系统,重新构想了性别叙事,并将观看体验转化为一种主动参与的体验。Tsabar通过在空间和雕塑形式中传播声音,将人们的注意力引向那些无声和不可见的事物。在雕塑与乐器、形式与声音之间,Tsabar的作品徘徊于这种过渡状态中私密、感性和肉体的潜能。Tsabar与当地女性认同群体和性别不合规范的表演者群体合作,书写了一部全新的女权主义和酷儿掌控历史。纳玛·萨巴尔(NaamaTsabar)(1982年生于以色列;现生活和工作于纽约市)于2010年获得哥伦比亚大学艺术硕士学位。萨巴尔曾在所罗门·R·古根海姆博物馆(纽约)、巴斯博物馆(迈阿密)、艺术与设计博物馆(纽约)、高线公园(纽约)、沃兹沃思雅典娜艺术博物馆(康涅狄格州)、纳什尔博物馆(北卡罗来纳州达勒姆)、巴塞尔乡村艺术馆(瑞士)、东京宫(巴黎)、新奥尔良展望艺术中心、特拉维夫艺术博物馆、以色列赫兹利亚当代艺术博物馆、MARTE-C(萨尔瓦多)、特拉维夫CCA(以色列)、布宜诺斯艾利斯Faena画廊、纽约弗里兹项目、卡斯明画廊(纽约)、帕拉莫画廊(瓜达拉哈拉)、Dvir画廊(以色列和布鲁塞尔)、SpinelloProjects(迈阿密)、舒拉米特·纳扎里安(洛杉矶)。Tsabar的作品曾在安迪·沃霍尔博物馆(纽约)、比利时犹太博物馆、穆迪艺术中心(休斯顿)、法兰克福锡恩艺术馆Marfa舞厅、Elevation1049格施塔德(瑞士)、比利时亨克哈瑟尔特TM三年展、2010年纽约现代艺术博物馆PS1展“大纽约”、比利时Dhondt-Dhaenens博物馆、布加勒斯特青年艺术家双年展、巴德艺术学院赫塞尔艺术博物馆、卢森堡赌场(卢森堡)、安特卫普ExtraCity(比利时)等地展出。Tsabar的作品曾刊登于《艺术论坛》、《美国艺术》、《艺术评论》、《ARTnews》、《纽约时报》、《纽约杂志》、《弗里兹》、《炸弹杂志》、《亚太艺术》、《Wire》和《白墙》等众多出版物。Tsabar曾两度获得Artis奖(2014年和2010年);两度获得美国-以色列文化基金会奖(2009年和2005年);2009-2010年荣获哥伦比亚大学琼·索文奖;2012年荣获雷玛·霍特·曼基金会奖;并于2012年在迈阿密的“源泉”驻留项目(TheFountainheadResidency)进行驻留。她的作品被永久收藏于所罗门·R·古根海姆博物馆、洛杉矶郡立艺术博物馆、A4艺术基金会、蓬皮杜艺术中心、旧金山现代艺术博物馆、西雅图艺术博物馆、迈阿密佩雷斯艺术博物馆、巴斯博物馆、卡蒂斯特收藏馆、希门尼斯-科隆收藏馆、特拉维夫博物馆、以色列博物馆和ColeccionDieresis。
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查尔斯·斯诺登(CharlesSnowden)查尔斯·斯诺登的陶瓷雕塑运用古代和日常生活中的象征性意象,反思生死轮回。他援引古代仪式,将避邪物(旨在抵御邪恶或伤害威胁的保护性物件)与自然意象重新塑造。衰老是指随着年龄增长而发生的退化过程,表明细胞分裂或生长能力的丧失。艺术家以花园作为探究死亡的场所,以粘土作为与身体同义的材料,借此唤起历史意象,以此作为理解我们存在之暂时性的载体。斯诺登挖掘历史仪式,既是为了它们与自然界再生过程的联系,也是为了探索生命、死亡与衰败之间的共生关系。在雕塑、园艺和避邪仪式的交汇处,他的作品直面了身体与自然和死亡之间密不可分的联系。在照料花园和塑造泥土的过程中,双手本身就成为了一件祈愿之物,它瓦解了我们与自然世界之间存在任何分离的观念。查尔斯·斯诺登(生于1989年,加利福尼亚州圣地亚哥;生活和工作于西班牙巴塞罗那和加利福尼亚州洛杉矶),他在洪堡州立大学获得学士学位,在加利福尼亚大学洛杉矶分校获得艺术硕士学位。斯诺登的个展包括加利福尼亚州洛杉矶的舒拉米特·纳扎里安(ShulamitNazarian)、加利福尼亚州欧申赛德的希尔街乡村俱乐部(HillStreetCountryClub)和加利福尼亚州欧申赛德的蓝门画廊。联展包括加利福尼亚州洛杉矶的舒拉米特·纳扎里安(ShulamitNazarian)、加利福尼亚州洛杉矶的当代工艺(CraftContemporary)、加利福尼亚州圣地亚哥艺术学院(SanDiegoArtInstitute)、加利福尼亚州波莫纳的米勒德·希茨艺术中心(MillardSheetsArtCenter)和加利福尼亚州欧申赛德的欧申赛德艺术博物馆(OceansideArtMuseumofArt)。他的作品被圣地亚哥艺术学院永久收藏,并曾在Hyperallergic、ArtilleryMag和CulturedMag上展出。
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