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创建于:2023-08-24 20:09:32
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展览|ThaddaeusRopacBody&Soul◾️展览信息:◽️Body&Soul◽️艺术家:JoanSnyder◽️展期:2024.11.28-2.5◽️空间:ThaddaeusRopac◽️地址:ElyHouse,London◾️关于展览:我希望一幅画能有更多,而不是更少……有开始、中间、结束、快乐和悲伤,甚至结局……能够在一幅画里拥有这一切。——琼 · 斯奈德此次展览是琼·斯奈德在该画廊的首次个展,ThaddaeusRopacLondon将在欧洲举办迄今为止这位美国艺术家作品最全面的展示。在长达60年的职业生涯中,斯奈德重新构想了抽象主义的叙事潜力,将自传融入她的艺术中, 这种方式有别于 极简主义、抽象表现主义和色域绘画等男性主导的传统,而这些传统在她进入的纽约艺术界中盛行。“我想……做点别的事情,做些更强烈、更个人化、更复杂的事情,”她解释道。结果,她创作了一系列开创性的作品,打破了社会、美学和物质等级制度,确立了情感和女性主体性在当代抽象主义中的地位。正如艺术史学家海登·埃雷拉所写,“正是这种形式和自传式发现的绝对一致性,让斯奈德与众不同。”展览展出了30多幅新画和历史画作,追溯了艺术家从1964年至今的创作历程,其中包括8件主要新作品。斯奈德的作品涵盖了她创作实践的指导原则和主题,围绕三组基础作品的发展而构建:笔触画作——她在20世纪70年代初在惠特尼年度展(1972年)和惠特尼双年展(1973年)上展出时首次获得广泛认可——交响曲画作和田野画作。它们的视觉语言延伸到她广泛的绘画作品中,超出了这些类别,在她最近的作品中即可辨认出来。按时间顺序排列,在整个展览中反复出现的个人主题以回归和更新的周期性节奏出现,包含爱、喜悦、悲伤和欲望,通过色彩、形式和手势在丰富而富有诗意的构图中表达出来。展出的最新作品创作于2024年,重新审视并重新构想了斯奈德数十年来创作中所关注的问题。“我回顾过去,因为不用说,这里的一切都与我以前做过的事情有某种联系,”她说。厚涂的玫瑰、稻草、可控的油漆滴、乳房和裸露的牙齿、泥土和蕾丝与献给文学和家人的题词并排摆放。池塘成为几件作品的中心主题,包括《池塘画》(2024年)和《来到珍珠池》(2024年)。干花直接倒在画布上,漂浮在颜料池中,象征着在炼金术转变的时刻穿越自然、人类和精神领域的门户。这一系列新作品表明斯奈德继续热衷于绘画实验。“我的绘画就是我的宗教,”她反思道。“这是我走向的祭坛,在这里我面对自己,发现我是谁。”◾️关于艺术家:琼·斯奈德于1940年4月16日出生于新泽西州高地公园,1962年获得道格拉斯学院文学士学位,1966年获得罗格斯大学艺术硕士学位。斯奈德曾获得多项奖项,包括2007年的麦克阿瑟奖、1983年的约翰·西蒙·古根海姆纪念奖学金以及1974年的国家艺术基金奖学金。琼·斯奈德在20世纪70年代初首次引起公众关注,当时她创作了充满动感和优雅的“笔触画”,这些画作使用网格来解构和重述抽象绘画的故事。到70年代末,斯奈德放弃了网格的形式,开始更明确地融入符号和文字,因为绘画呈现出更复杂的物质性。她经常被称为自传或忏悔艺术家,她的画作本质上是个人和社区经历的叙述。通过强烈的个人风格和对技术和材料的持续实验,斯奈德拓展了抽象绘画的表现潜力,并启发了一代又一代的新兴艺术家。斯奈德的作品展览范围广泛,早期作品曾参加过1973年和1981年的惠特尼双年展以及1975年的科科伦双年展。2006年,她的作品成为纽约犹太博物馆举办的大型个人和巡回展“琼·斯奈德:绘画调查,1969-2005”的主题。她参加过许多联展,最著名的是洛杉矶MOCA的“WACK!艺术与女权主义革命”(2006-2008年);慕尼黑布兰德霍斯特博物馆和维也纳mumok的“绘画2.0:信息时代的表达”(由AchimHochdörfer策展)(2016年);纽约莱斯利·洛曼艺术博物馆的“石墙之后的艺术:1969-1989”(2019-2020年);布鲁克林博物馆的“不合时宜:从女权主义者的角度看收藏”(2020年);以及大都会艺术博物馆的《史诗般的抽象:从波洛克到埃雷拉》(2018-2020年)。◾️关于画廊:ThaddaeusRopac成立于1983年,在欧洲和亚洲设有画廊,位于伦敦、巴黎、萨尔茨堡和首尔。该画廊专注于当代艺术,代理60多位艺术家的作品,每年在六个大型且历史悠久的画廊空间策划40多场展览,支持和展示当今一些最具影响力的艺术家的职业生涯。ThaddaeusRopac还代理许多知名艺术家的遗产,并继续发扬他们的遗产,同时提供策展专业知识,担任主要博物馆和公共机构的顾问,并为私人和企业收藏提供咨询。该画廊活跃于一级和二级市场,还代表其艺术家参加所有主要的国际艺术博览会。我们经营自己的出版社,制作目录和书籍以配合展览,通过邀请著名的艺术史学家、策展人和作家合作,为新的学术研究和更广泛的艺术史论述做出贡献。◾️图文致谢:ThaddaeusRopac◾️媒体合作:everyart2021
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展览|Hauser&WirthEternalBeginning◾️展览信息:◽️EternalBeginning◽️艺术家:FrancisPicabia◽️展期:2024.1.18-3.12◽️空间:Hauser&Wirth◽️地址:Paris◾️关于展览:今年1月,我们将与Picabia委员会合作,在巴黎画廊举办弗朗西斯·毕卡比亚战后艺术展。此次展览由BeverleyCalté和ArnauldPierre策划,是首个专门探索毕卡比亚最后时期的大型个人展,该时期创作于他1945年回到巴黎后至1953年去世前一年。毕卡比亚的最后一批作品经常被他其他时期的作品所掩盖,艺术家放弃了他著名的战时裸体画,预示着非具象艺术的新时代的到来,同时对表面纹理和新灵感来源特别感兴趣。这些画作体现了毕卡比亚永不停歇的艺术天赋,永远在改变方向,代表了他自己对抽象的定义,创造了一种新的视觉语言,使这组大胆的作品与他之前的任何作品都截然不同。展览目录展示了毕卡比亚视觉上令人印象深刻的作品,同时也展现了他个人在战后充满活力的巴黎艺术界和无定形艺术兴起中的地位。这本由豪瑟沃斯出版社出版的双语出版物包括ArnauldPierre和CandaceClements的论文,以及毕卡比亚委员会主席BeverleyCalté的序言。◾️关于艺术家:毕卡比亚1879年出生于巴黎,1905年作为后起印象派画家首次成名。1912年秋,他展出了一组大型抽象画,包括《春天》和《春之舞》 [II]。与弗朗齐谢克·库普卡的《紫穗槐,双色赋格曲》和费尔南·莱热的《蓝衣女人》一起,毕卡比亚的油画标志着非具象绘画在巴黎的到来。这种风格变化是他职业生涯中许多突然逆转中的第一次。这也让他第一次遭遇重大丑闻,评论家谴责新作品“丑陋”且“难以理解”。第一次世界大战在欧洲肆虐,毕卡比亚则流亡国外,先后在纽约、巴塞罗那和瑞士。在此期间,他作为391杂志出版商的活动恰逢机器出现在他的视觉作品中。就像在《M'Amenez-y》中一样,棱角分明的正面物体占据了中心位置,这些物体通常从科学杂志中复制而来,并用工业涂料精确呈现。他还开始在作品中加入文字和短语。战争结束后,毕卡比亚回到巴黎,特里斯坦·查拉领导的达达运动很快也来到了巴黎,开始了数月的表演、派对和媒体斗争,全面攻击达达主义者认为对战争负有责任的理性文化。毕卡比亚创作了像《拉斯塔达达的画面》这样的作品,这是一幅尖刻的自画像,他在达达中找到了与自己相匹配并延伸的挑衅精神。◾️关于画廊:豪瑟沃斯画廊于1992年由伊万·沃斯(IwanWirth)、玛努埃拉·沃斯(ManuelaWirth)和乌尔苏拉·豪瑟(UrsulaHauser)在苏黎世创立,合伙人兼总裁马克·帕约特(MarcPayot)于2000年加入豪瑟沃斯画廊。豪瑟沃斯画廊是一家具有全球视野的家族企业,代理超过90位艺术家和艺术遗产,这些艺术家和遗产对豪瑟沃斯画廊的形象塑造起到了重要作用,也是豪瑟沃斯画廊在艺术、教育、保护和可持续发展等领域开展各种活动的灵感来源。 ◾️图文致谢:Hauser&Wirth◾️媒体合作:everyart2021
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展览|BortolamiGalleryUglyPageant◾️展览信息:◽️UglyPageant◽️JeromeCaja◽️展期:2024.11.1-12.19◽️空间:Bortolami◽️地址:39Walker◾️关于展览:在过去的十五年里,凯特琳·基奥每周都会收到邮寄的图片。大多数情况下,这些图片是明信片——有时候是一张,有时候是两三张一批。偶尔,她也会收到一个大信封,里面装着博物馆目录和艺术书籍的剪报。这些图片反映了寄件人的品味和专业水平,寄件人是基奥在艺术学校时结识的朋友,是十九世纪现实主义的专家。许多图片太过晦涩,无法上传到网上;这些批次的图片都无法在同一个Google图片搜索中找到。一周,她收到了一张圭多·雷尼的阿塔兰塔和希波墨涅斯的明信片;下一周,她收到了一张波拉约罗的达芙妮和阿波罗的画作;然后是亨利·乔治·海因19世纪50年代的插图《杰克建造的房子》;然后是一幅毕卡比亚的两人读书的画作,等等。这些照片之间的联系与发件人的生活以及他与基奥通过艺术建立的关系息息相关:他们参观大都会博物馆时的照片,他们发短信谈论乔·布雷纳德的拼贴画时想到的东西,以及他最近在巴西旅行时发现的他认为基奥会喜欢的东西。这种交流是一种持续的对话,大部分时候没有言语,是朋友之间非凡的忠诚行为。也许正是由于这种关系信任,基奥不断增加的照片收藏凸显了艺术与他人分享时所唤起的直觉和欲望。基奥在博尔托拉米举办的第四次个展名为《游行》,展览本身就是一场慷慨的对话和虔诚的行为,展出了八幅画作中的一系列图像。为了创作这些作品,基奥仔细阅读了数百张邮寄给她的图像,寻找那些能吸引她的情感基调的图像。她寻找陌生的图像,这些图像不受偶像地位或过度确定的历史叙事的束缚,可以进行开放的解读。在我们这个媒体饱和和审美失忆的时代,对许多人来说,这些照片只能笼统地描述为“古典”或“历史”,这使得它们的美、神秘或奇异更能引起联想。基奥感兴趣的是,她那堆图像如何与她和彼此对话,反过来,它们将如何与通过她的绘画语言遇到它们的观众对话。◾️关于艺术家:凯特琳·基奥 (1982年出生于阿拉斯加州安克雷奇)生活和工作在纽约。她的画作最近被收录在 加州伯克利BAMPFA的“新时代:21世纪的艺术与女权主义” 展览中。2021年,基奥与霍尔拜克艺术合作在丹麦霍尔拜克市完成了一幅壁画。基奥参加了2019年瑞士巴塞尔艺术展Parcours,并在马萨诸塞州波士顿当代艺术学院、希腊雅典梅拉斯帕帕多普洛斯和纽约长岛市现代艺术博物馆PS1举办过个展。她的作品还在法国波克罗勒岛的卡米尼亚克艺术基金会、波兰华沙现代艺术博物馆、纽约惠特尼美国艺术博物馆、德国不来梅艺术之家、纽约大都会艺术博物馆服装学院展出;纽约州法拉盛草原皇后区博物馆;纽约州萨格港教堂。她的作品被收藏于波士顿当代艺术学院、纽约惠特尼美国艺术博物馆、首尔爱茉莉太平洋艺术博物馆、佛罗里达州温特帕克罗林斯艺术博物馆和普罗维登斯罗德岛设计学院博物馆。◾️关于画廊:Bortolami于2005年9月开业。该画廊举办过理查德·奥尔德里奇(RichardAldrich)、芭芭拉·卡斯滕(BarbaraKasten)、摩根·费舍尔(MorganFisher)和汤姆·伯尔(TomBurr)的展览,这些艺术家是该画廊长期合作的对象。Bortolami项目已扩展,包括丹尼尔·布伦(DanielBuren)、安·维罗妮卡·詹森(AnnVeronicaJanssens)、凯特琳·基奥(CaitlinKeogh)、莱娜·亨克(LenaHenke)、莱斯利·万斯(LesleyVance)、玛丽娜·莱茵甘茨(MarinaRheingantz)、弗吉尼亚·奥弗顿(VirginiaOverton)、蕾妮·格林(RenéeGreen)和保罗·姆帕吉·塞普亚(PaulMpagiSepuya)等艺术家。◾️图文致谢:BortolamiGallery◾️媒体合作:everyart2021
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展览|StevensonWhenWorksMeet◾️展览信息:◽️WhenWorksMeet◽️群展◽️展期:2024.12.7-2025.2.8◽️空间:Stevenson◽️地址:B1F,30-34Sowol-ro38-gil,YongsanDistrict,Seoul◾️关于展览:今年夏天,史蒂文森将举办《当作品相遇时》展览,这是我们的双人展系列《并置》的扩展版。展览标题取自佐伊·霍普金斯在韦克斯纳艺术中心回顾明·史密斯和罗蒂米·法尼-凯奥德的展览时所做的观察。艺术家的作品同时近距离展出,有机会跨越时间和地点建立联系,引发关于亲和力和艺术创作的新联想和对话。《当作品相遇时》遵循这一逻辑,将50位艺术家的作品以配对和分组的方式排列,产生意想不到的共鸣。此次展览主要展出了画廊收藏的作品,此外还有艺术家工作室的作品和正在重新配置的收藏品——这些作品往往一开始就在画廊展出。这些图像的回归反映了艺术品的循环往复——在收藏、工作室、画廊和拍卖会之间来来回回,往往在几年或几十年后才重新受到关注。这次展览是关于画廊、艺术家和收藏家之间以及艺术品之间这些重要且持续的对话,以及艺术品的故事如何或多或少地受到其运动以及其引力场内的其他作品的影响。在某些情况下,共同的概念关注和材料过程促使作品之间产生对话。在其他时候,同时创作的作品会聚集在一起,让我们回到历史上的某个特定时刻——然后与几十年后创作的作品相遇,将那段历史融入当下。在一些组合中,同一位艺术家的早期和近期作品被放在一起,使他们的创作中永恒的线索清晰可见。其他组合则通过作品集来探讨特定的主题或研究领域——运动中的身体作为权力的表达、劳动的色情化及其与种族的关系、对异国他乡陌生感的沉思、新娘永恒的欢乐和恐惧——这些作品有时像回声,有时像不和谐音,相互呼应。在这些相遇中,尴尬甚至不适感油然而生,因为艺术品进入了彼此的轨道,并与其他作品进行了交流,在保持各自独特性的同时,加入了一个集体,在这个集体中,叙事和意义被打开并被带向意想不到的方向。◾️关于艺术家:展出的艺术家包括JaneAlexander、SamuelBabarinsa、WalterBattiss、ZanderBlom、WimBotha、PeterClarke、ChristoCoetzee、StevenCohen、ErnestCole、RotimiFani-Kayode、DumileFeni、DavidGoldblatt、GeorginaGratrix、IanGrose、SimonGush,彼得·雨果,露丝·伊格,法尔哈娜·雅各布斯,马万德·卡·赞齐勒,莫谢夸兰加、内维尔·刘易斯、格伦·利根、图里亚·马加德莱拉、欧内斯特·曼科巴、尼奥·马特洛加、萨贝洛·姆兰吉尼、梅莱科·莫克戈西、约翰·穆阿方格霍、保罗·拿撒勒、辛菲韦·恩祖贝、希尔顿·内尔、塞尔日·阿兰·尼特格卡、特尼韦·尼基·恩科西、贾布拉尼·恩图利、奥迪利·唐纳德·奥迪塔、弗里达·奥鲁巴波、格雷森·佩里、黛博拉·波因顿,亚历克西斯Preller、JoRactliffe、RobinRhode、Rorke'sDriftCollective、FabianSaptouw、VivianeSassen、ClaudetteSchreuders、GerardSekoto、PennySiopis、GuyTillim、BarthélémyToguo和PortiaZvavahera。◾️关于画廊:史蒂文森画廊是一家当代艺术画廊,在开普敦和约翰内斯堡均设有分店。2003年,迈克尔·史蒂文森在开普敦创办画廊五年后,与大卫·布罗迪合作,在约翰内斯堡开设了第二家画廊。这些画廊通过个人和团体展览展示来自南非的当代艺术以及来自非洲其他地区和海外艺术家的作品。史蒂文森还出版了大量的目录,并定期参加国际艺术博览会,如巴塞尔艺术展、迈阿密海滩巴塞尔艺术展、abc(柏林)、巴黎摄影展、纽约和伦敦弗里兹艺术展以及香港艺术展。除了帮助非洲艺术家进入国际市场并在国外展示他们的作品外,该画廊还促进与世界各地艺术家的交流。自2009年以来,史蒂文森的FOREX项目已将弗朗西斯·埃利斯、莱内克·迪克斯特拉、托马斯·赫希霍恩、格伦·利根和瓦利德·拉德等知名国际艺术家带到南非,这些艺术家通常是首次到访。◾️图文致谢:Stevenson◾️媒体合作:everyart2021
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展览|PaulaCooperGalleryLeverHouse◾️展览信息:◽️LeverHouse◽️艺术家:ClaesOldenburg&CoosjevanBruggen◽️展期:2024.11.18◽️空间:PaulaCooper◽️地址:390ParkAve,NewYork,NY10022◾️关于展览:这是克拉斯·奥尔登堡去世后首次大规模公开展示,展出了六十年来安装在这座著名建筑内外的标志性作品。PaulaCooper画廊与BrookfieldProperties和WatermanClark合作,很高兴在利华大厦呈现ClaesOldenburg和CoosjevanBruggen。这是自2022年Oldenburg去世以来艺术家作品的首次大型展示,将在这座标志性建筑及其户外空间展示重要的、贯穿职业生涯的艺术作品。展出的作品将包括两座Oldenburg和vanBruggen广为人知的纪念性雕塑,安装在户外广场上,从公园大道上就能看到。此外,展览还将展出1961年首次在东村展出的石膏雕塑、20世纪60年代和70年代的标志性织物“软”雕塑,以及拟建大型纪念碑的图纸,例如用于取代泛美大厦的GoodHumor酒吧。展览的重点是奥尔登堡和凡·布鲁根的雕塑,这些雕塑描绘了牙膏和口红等消费品,反映了利华大厦作为利华兄弟公司总部所在地的历史,利华兄弟公司是一家领先的肥皂和其他商品制造商。这些雕塑将陈列在大楼原有和新修复的大堂玻璃柜中,利华兄弟以前使用这些玻璃柜来展示他们的产品。展览中的其他作品与中世纪建筑有关,包括《建筑师的手帕》,这是一幅12英尺高的雕塑,描绘了密斯·凡·德罗的标志性手帕,朝向公园大道对面的西格拉姆大厦“吹去”;还有《Plantoir》,这是一幅16英尺高的花园铲雕塑,位于利华大厦标志性花坛旁边的中央庭院中,体现了建筑室内外空间的融合。“奥尔登堡早期作品与利华大厦之间的联系非常了不起,”组织此次展览的雅各布·金解释说。“奥尔登堡1960年代的作品,以石膏和布料等材料呈现汉堡包、打字机、糕点和运动鞋等日常用品,反映了战后美国的消费文化:一个充斥着快车、高楼大厦和大型超市的社会。利华大厦采用开放式布局和玻璃幕墙,同样体现了1950年代的乐观和繁荣。”利华大厦由Skidmore,Owings&Merrill(SOM)的建筑师GordonBunshaft和NataliedeBlois设计,建于1952年,当时是利华兄弟公司的总部。其激进的设计和玻璃幕墙重塑了公园大道,并影响了世界各地的办公楼。1982年,它成为纽约市第一个现代主义地标。◾️关于艺术家:库斯耶·范·布鲁根(1942年生于荷兰格罗宁根,2009年卒于洛杉矶)是一位雕塑家、艺术史学家和评论家,她与其丈夫、艺术家克拉斯·奥尔登堡进行了广泛的合作。在她的职业生涯中,范·布鲁根曾在多个机构任职,包括阿姆斯特丹市立博物馆、Sonsbeek71、艺术论坛和耶鲁大学艺术学院。她还撰写了许多艺术史书籍。范·布鲁根与奥尔登堡的首次合作是在1976年,当时最初在Sonsbeek71展出的《TrowelI》被重建并搬迁到荷兰克勒勒-米勒博物馆的雕塑花园。1978年,范·布鲁根搬到纽约,在那里她继续与奥尔登堡合作。两人共同完成了四十多个大型项目,这些项目分布在欧洲、亚洲和美国的各个城市环境中克拉斯·欧登伯格(1929年生于斯德哥尔摩,2022年卒于纽约)于1956年移居纽约,并在那里成为美国艺术界的一个关键人物。欧登伯格最初对偶发艺术、行为艺术和装置艺术感兴趣,包括《街道》(1960年)和《商店》(1961年)等开创性作品,但很快便将重心转移到单个雕塑上。他从普通的日常物品入手,继续创作“软”雕塑和奇妙的市政纪念碑方案。1969年,欧登伯格开始大规模创作,在耶鲁大学校园内创作了《卡特彼勒轨道上的口红(上升)》。从1976年到2009年,他与妻子CoosjevanBruggen合作,为世界各地的各种公共场所实施了无数大型项目。1969年,纽约现代艺术博物馆为奥尔登堡举办了个人作品展,1995年,华盛顿特区国家美术馆和纽约所罗门·R·古根海姆博物馆也为奥尔登堡举办了回顾展。他的作品被收藏于纽约现代艺术博物馆、纽约惠特尼美国艺术博物馆、洛杉矶郡现代艺术博物馆和巴黎蓬皮杜艺术中心等机构。◾️关于画廊:保拉库珀画廊是苏荷区第一家艺术画廊,于1968年开业,其展览旨在支持结束越南战争学生动员委员会。展览包括卡尔安德烈、丹弗莱文、唐纳德贾德、罗伯特曼戈尔德和罗伯特莱曼等人的作品,以及索尔勒维特的第一幅壁画。五十多年来,画廊的艺术议程一直专注于概念艺术和极简艺术,但不限于此。1996年,画廊搬到切尔西,搬进了一座经过重新设计的获奖19世纪建筑。建筑师是理查德格拉克曼。1999年,保拉库珀在西21街521号开设了第二个展览空间。2018年秋季,画廊暂时将其主要空间迁至西26街524号,并以一场50周年纪念展开幕,为“为我们生命游行”筹款。◾️图文致谢:PaulaCooper◾️媒体合作:everyart2021
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