2小时前
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何以为界主题展
俄罗斯作家邦达列夫曾说：人类一切痛苦的根源，都源于缺乏边界感。从生物学基础来看，我们从诞生之日就决定了彼此的个体差异，从细胞壁、皮肤屏障等物理边界，到性格、思维、社交等心理上的边界，“边界”实际上是普遍性的、社会性的，它构成了我们的身体和生活，它无处不在。边界具有两面性，虽然边界在许多语境中，给人一种距离感、隔膜感，“消除边界、打破边界”的口号也因此常常被提起。但就像疫情期间拉起的封锁线，虽然它限制流动、交流和经济，另一方面它也隔离了病毒，保障了生命和安全，无法将任何一方剥离出去。“边界”将“我”与“他者”做了清晰的划分和区别，这种划分和区别是必要的，因为它常常关乎一个人的自我认知、自我定义，它甚至可以是我们认识自己的工具。如果我们把一个人的边界看成一个人的内部空间，通过努力不断推进边界，意味着“可能”，是一种积极的生命态度。当边界扩大的时候，也意味着人将拥有更广大的视角和胸怀。从另一个角度看，边界不可能拓展到无限大，意识到这一点时，我们就能与一些失败、一些超出自己能力的事情和解，也是与自身的和解。当然，我们还能在政治、宗教、科学、艺术、音乐等不同的领域看到我们与他们之间的界线，这种界线实际上是由差异造成的，在很多时候，群体与群体之间的划分和认同感就是源于这种差异。如果没有边界，没有差异，自我和群体也无从谈起。单以艺术领域而言，无论是在讨论艺术“冒犯”的底线在何处，还是“超出认知”的时尚是否恰当，我们都不是在否认边界，而是在不断地纠结该在何处设限。
“何以为界”主题展为大家呈现“影像与数字的可能”，希望观众能在其中感知艺术之美。数字技术的发展，使图像不仅能够被观看，也能够被创造，影像已经不仅仅是诚实的记录，更多是一种观念的投射。本期专区“影像与数字的可能”呈现了几位艺术家对影像的理解和大胆实验，将以往的观看习惯打破，达成图像元素的“重组”和观念的“重塑”。无论是对内容和形式的探索，还是对图像本身的再思考、再创作，都是对影像与数字边界的尝试和突破。在他们的作品中，个人的经验多于理论的搭建，他们从日常生活出发，观察和碰撞这个世界中显性的和隐性的边界，在一次次的碰撞中，发现自己的边界和其他各种意义上的边界，使他们的作品，更容易与观众产生共鸣，同时他们对于“边界”的呈现，也更加的细腻、丰富。
艺术家陈滢潇，本科毕业于清华大学建筑系，研究生毕业于美国纽约库伯联盟建筑学院，作品曾在2021 A World of Many Worlds 纽约，第17届威尼斯双年展展出。艺术家主题涉及身体、叙事、空间和政治，作品形式包括多媒体数字、研究记录、空间和影像。尝试从建筑学的视角，以身体作为媒介，探索身体感知和空间叙事。在作品 undocumented 系列中，艺术家用蒙太奇的拼接形式向观众详细的记录和展示一些不合逻辑、常理的空间组合，艺术家探讨了“在纽约无法被合法记录的移民的生存状态。身体本身在这里作为一个敏感的对象，暴露身体的特征和信息可能会将他们置于危险之下。所以在这个作品中，身体从世界中蒸发，用轴测图的抽象视角记录下了与身体相关的空间和物件。”
陈滢潇、Austin Mcinnis，undocumented-3，2020，研究、影像，NA
汤一祺，插画师、视觉艺术家、青年新锐设计师，来自于上海，本科毕业于纽约视觉艺术学院插画系，研究生上海戏剧学院数字媒体艺术专业在读。汤一祺在创作中喜欢用朴拙、简单的文字解释，而画面却是迷幻、视觉冲击力强的，两者之间形成一种独有的反差，追求一种轻松、幽默、怪诞的绘画语言，这在作品《我观察我的蜥蜴已经有半小时了》得到完美演绎。艺术家通过作品与自己对话，对汤一祺来说，插画就像一本日记本，共情，感染，连接着这个世界。在绘画的世界里，她会永远充满着好奇，画作成一只小鸟，一个开放式的思维和态度，用流畅的线条，孩子般的视角，毫无顾忌地在自己的梦幻王国里飞翔。就如同契诃夫说的“艺术给我们插上翅膀，把我们带到很远很远的地方。”
汤一祺，《我观察我的蜥蜴已经有半小时了》，2020，电子绘画，36×24cm
马云博，现就读于纽约大学tisch艺术学院DPI，摄影师，图像艺术家。作品以图像作品居多，创作形式包括摄影 拼贴及绘画。尝试用不同图像的分散与重组构建作者脑海中的状态和自我意识，探究思维与个体的边界关系。在《醒时梦（一）》作为“非常规”的摄影作品，是可以被包容的“摄影”形式的突破，借助在现今更加具有活力和可能性的“摄影”去创作更多新颖、有趣，值得思考的东西。对话框不仅使系列作品更加完整，而且可以区分成“文字”与“图像”，引发深层的思考。
马云博，醒时梦（一)，2021，网格布，尺寸可变
王立秋，出生于辽宁省阜新市，蒙古族。本科毕业于鲁迅美术学院，硕士毕业于伦敦艺术大学。作为一名蒙古族的东北姑娘，她的作品源于个人的亲身经历，其语境就是她的家乡，她希望能通过她的作品或可使观众获得更清晰的身份认同及思考，为处于现代困境中的我们寻求一种应对。在她的《无题》系列视觉实验中，采用了烟雾作为视觉主体。拍摄地点选在她家乡废弃的部队建筑，荒芜的农田，农村院子里巨大的铁笼。在荒芜的大地上飘起粉红的烟雾，象征着被禁锢的情感欲望。烟雾的随机性再也不是接收者最初期待的模样，也是它在心中的魅力所在。
王立秋，无题6，2020
张树光，1984年出生于福建福州，从事摄影艺术23年。现创作有「見無所見」「無生花」「如是觀」「象 外」「藏山」「臨川」「離相」「樹光」等系列作品，展陈于树光美术馆。在张树光近期的系列作品《见无所见》中，运用了许多不同的材料，而这些材料都属于“就地取材”。比如半块砖头，一个西瓜皮，一个纸片等等他都能拿来使用。当他从地上捡起这些东西，在创造的画面上产生作用的时候，它就是材料或工具，他不去限定它是什么，它就会自然而然变得“很多”。
张树光，「見無所見」系列，2020，艺术微喷，尺寸可变
老奔，原名蒋奔，中国美术学院跨媒体艺术学院，影像与空间叙事研究所硕士在读，影像艺术创作者，以研究传统叙事与当代艺术中的影像相结合作为创作方向。蒋奔作为一位年轻的影像创作者，创作的主要方向，便是想提炼传统电影中的叙事美感，应用到当 代艺术中对于影像画面呈现的探索之中。努力寻找镜头，画面，文本，声音，之间的新的叙事形式。并且力求在传统电影叙事与实验影像之间，寻找到属于自己的创作思路与方式。蒋奔眼中的“叙事美感”并不是指“讲故事讲的好”。将“叙事美感”解释出来，对他来说，是种“包含在叙事中的结构美感”。这种“结构美感”不仅仅可以运用在传统讲故事的电影中，也一样可以运用在需要通过时间来呈现的所有的艺术种类之中。就好像人们在美术馆中在不看展签的情况下，观看一段不知所云的实验影像，当他们完整的看完，抛开能否看懂这个问题，至少首先会有一个画面在最开始，中间，最后都在放什么概念。那么怎么安排“最开始，中间，最后”放什么，就是他需要做的事情，包括以后的创作如果涉及运动装置之类的内容，那创作的方式也是一样的。
老奔，平凡与偶然与想象之被拥抱的女性，2022，胶片冲印，尺寸可变
何以为界主题展
俄罗斯作家邦达列夫曾说：人类一切痛苦的根源，都源于缺乏边界感。从生物学基础来看，我们从诞生之日就决定了彼此的个体差异，从细胞壁、皮肤屏障等物理边界，到性格、思维、社交等心理上的边界，“边界”实际上是普遍性的、社会性的，它构成了我们的身体和生活，它无处不在。边界具有两面性，虽然边界在许多语境中，给人一种距离感、隔膜感，“消除边界、打破边界”的口号也因此常常被提起。但就像疫情期间拉起的封锁线，虽然它限制流动、交流和经济，另一方面它也隔离了病毒，保障了生命和安全，无法将任何一方剥离出去。“边界”将“我”与“他者”做了清晰的划分和区别，这种划分和区别是必要的，因为它常常关乎一个人的自我认知、自我定义，它甚至可以是我们认识自己的工具。如果我们把一个人的边界看成一个人的内部空间，通过努力不断推进边界，意味着“可能”，是一种积极的生命态度。当边界扩大的时候，也意味着人将拥有更广大的视角和胸怀。从另一个角度看，边界不可能拓展到无限大，意识到这一点时，我们就能与一些失败、一些超出自己能力的事情和解，也是与自身的和解。当然，我们还能在政治、宗教、科学、艺术、音乐等不同的领域看到我们与他们之间的界线，这种界线实际上是由差异造成的，在很多时候，群体与群体之间的划分和认同感就是源于这种差异。如果没有边界，没有差异，自我和群体也无从谈起。单以艺术领域而言，无论是在讨论艺术“冒犯”的底线在何处，还是“超出认知”的时尚是否恰当，我们都不是在否认边界，而是在不断地纠结该在何处设限。
“何以为界”主题展为大家呈现“影像与数字的可能”，希望观众能在其中感知艺术之美。数字技术的发展，使图像不仅能够被观看，也能够被创造，影像已经不仅仅是诚实的记录，更多是一种观念的投射。本期专区“影像与数字的可能”呈现了几位艺术家对影像的理解和大胆实验，将以往的观看习惯打破，达成图像元素的“重组”和观念的“重塑”。无论是对内容和形式的探索，还是对图像本身的再思考、再创作，都是对影像与数字边界的尝试和突破。在他们的作品中，个人的经验多于理论的搭建，他们从日常生活出发，观察和碰撞这个世界中显性的和隐性的边界，在一次次的碰撞中，发现自己的边界和其他各种意义上的边界，使他们的作品，更容易与观众产生共鸣，同时他们对于“边界”的呈现，也更加的细腻、丰富。
艺术家陈滢潇，本科毕业于清华大学建筑系，研究生毕业于美国纽约库伯联盟建筑学院，作品曾在2021 A World of Many Worlds 纽约，第17届威尼斯双年展展出。艺术家主题涉及身体、叙事、空间和政治，作品形式包括多媒体数字、研究记录、空间和影像。尝试从建筑学的视角，以身体作为媒介，探索身体感知和空间叙事。在作品 undocumented 系列中，艺术家用蒙太奇的拼接形式向观众详细的记录和展示一些不合逻辑、常理的空间组合，艺术家探讨了“在纽约无法被合法记录的移民的生存状态。身体本身在这里作为一个敏感的对象，暴露身体的特征和信息可能会将他们置于危险之下。所以在这个作品中，身体从世界中蒸发，用轴测图的抽象视角记录下了与身体相关的空间和物件。”
陈滢潇、Austin Mcinnis，undocumented-3，2020，研究、影像，NA
汤一祺，《我观察我的蜥蜴已经有半小时了》，2020，电子绘画，36×24cm
马云博，现就读于纽约大学tisch艺术学院DPI，摄影师，图像艺术家。作品以图像作品居多，创作形式包括摄影 拼贴及绘画。尝试用不同图像的分散与重组构建作者脑海中的状态和自我意识，探究思维与个体的边界关系。在《醒时梦（一）》作为“非常规”的摄影作品，是可以被包容的“摄影”形式的突破，借助在现今更加具有活力和可能性的“摄影”去创作更多新颖、有趣，值得思考的东西。对话框不仅使系列作品更加完整，而且可以区分成“文字”与“图像”，引发深层的思考。
马云博，醒时梦（一)，2021，网格布，尺寸可变
王立秋，出生于辽宁省阜新市，蒙古族。本科毕业于鲁迅美术学院，硕士毕业于伦敦艺术大学。作为一名蒙古族的东北姑娘，她的作品源于个人的亲身经历，其语境就是她的家乡，她希望能通过她的作品或可使观众获得更清晰的身份认同及思考，为处于现代困境中的我们寻求一种应对。在她的《无题》系列视觉实验中，采用了烟雾作为视觉主体。拍摄地点选在她家乡废弃的部队建筑，荒芜的农田，农村院子里巨大的铁笼。在荒芜的大地上飘起粉红的烟雾，象征着被禁锢的情感欲望。烟雾的随机性再也不是接收者最初期待的模样，也是它在心中的魅力所在。
王立秋，无题6，2020
张树光，1984年出生于福建福州，从事摄影艺术23年。现创作有「見無所見」「無生花」「如是觀」「象 外」「藏山」「臨川」「離相」「樹光」等系列作品，展陈于树光美术馆。在张树光近期的系列作品《见无所见》中，运用了许多不同的材料，而这些材料都属于“就地取材”。比如半块砖头，一个西瓜皮，一个纸片等等他都能拿来使用。当他从地上捡起这些东西，在创造的画面上产生作用的时候，它就是材料或工具，他不去限定它是什么，它就会自然而然变得“很多”。
老奔，原名蒋奔，中国美术学院跨媒体艺术学院，影像与空间叙事研究所硕士在读，影像艺术创作者，以研究传统叙事与当代艺术中的影像相结合作为创作方向。蒋奔作为一位年轻的影像创作者，创作的主要方向，便是想提炼传统电影中的叙事美感，应用到当 代艺术中对于影像画面呈现的探索之中。努力寻找镜头，画面，文本，声音，之间的新的叙事形式。并且力求在传统电影叙事与实验影像之间，寻找到属于自己的创作思路与方式。蒋奔眼中的“叙事美感”并不是指“讲故事讲的好”。将“叙事美感”解释出来，对他来说，是种“包含在叙事中的结构美感”。这种“结构美感”不仅仅可以运用在传统讲故事的电影中，也一样可以运用在需要通过时间来呈现的所有的艺术种类之中。就好像人们在美术馆中在不看展签的情况下，观看一段不知所云的实验影像，当他们完整的看完，抛开能否看懂这个问题，至少首先会有一个画面在最开始，中间，最后都在放什么概念。那么怎么安排“最开始，中间，最后”放什么，就是他需要做的事情，包括以后的创作如果涉及运动装置之类的内容，那创作的方式也是一样的。
老奔，平凡与偶然与想象之被拥抱的女性，2022，胶片冲印，尺寸可变
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